Um bonde chamado desejo estreia na Broadway

Um bonde chamado desejo estreia na Broadway

Em 3 de dezembro de 1947, o famoso grito de "STELLA!" De Marlon Brando primeiro estrondo em um palco da Broadway, eletrizando o público no Ethel Barrymore Theatre durante a primeira apresentação da peça de Tennessee Williams Um Bonde Chamado Desejo.

Brando, de 23 anos, interpretou o rude polonês-americano Stanley Kowalski, cujo violento confronto com Blanche DuBois (interpretada na Broadway por Jessica Tandy), uma beldade sulista com um passado sombrio, está no centro de Williams ' drama famoso. Blanche vem para ficar com sua irmã Stella (Kim Hunter), esposa de Stanley, em sua casa no French Quarter de New Orleans; ela e Stanley imediatamente se desprezam. Na cena culminante, Stanley estupra Blanche, fazendo-a perder seu frágil controle sobre a sanidade; a peça termina com ela sendo levada em uma camisa de força.

Bonde, produzido por Irene Mayer Selznick e dirigido por Elia Kazan, chocou o público de meados do século com sua descrição franca da sexualidade e da brutalidade no palco. Quando a cortina caiu na noite de abertura, houve um momento de silêncio atordoante antes que a multidão explodisse em uma salva de palmas que durou 30 minutos. Em 17 de dezembro, o elenco deixou Nova York para pegar a estrada. O show teria mais de 800 apresentações, transformando o carismático Brando em uma estrela da noite para o dia. Tandy ganhou um prêmio Tony por seu desempenho, e Williams recebeu o Prêmio Pulitzer de Drama.

Em 1951, Kazan fez Bonde em um filme. Brando, Hunter e Karl Malden (como amigo de Stanley e interesse amoroso de Blanche) reprisaram seus papéis. O papel de Blanche foi para Vivien Leigh, a estrela de mastigar cenários de E o Vento Levou. A controvérsia aumentou quando a Legião Católica da Decência ameaçou condenar o filme, a menos que as cenas explicitamente sexuais - incluindo o estupro culminante - fossem removidas. Quando Williams, que escreveu o roteiro, se recusou a retirar o estupro, a Legião insistiu que Stanley fosse punido na tela. Como resultado, o filme (mas não a peça) termina com Stella deixando Stanley.

Um Bonde Chamado Desejo ganhou 12 indicações ao Oscar, incluindo acenos de atuação para cada um de seus quatro protagonistas. O filme ganhou o prêmio de Melhor Direção de Arte, e Leigh, Hunter e Malden levaram prêmios para casa; Brando perdeu para Humphrey Bogart em A rainha africana.


15 fatos sobre Tennessee Williams Um Bonde Chamado Desejo

Em uma sufocante Nova Orleans, uma murcha belle sul colide com o casamento disfuncional de sua doce irmã e brutal cunhado. Este é o enredo da peça clássica de Tennessee Williams, Um Bonde Chamado Desejo, que estreou na Broadway em 3 de dezembro de 1947. Mas a história de sua criação e legado é ainda mais selvagem do que os gritos de Stanley Kowalski.

1. WILLIAMS ESTABELECE O JOGO EM SUA CASA ESCOLHIDA.

O menino Thomas Lanier Williams III viveu em Columbus, Mississippi, até os 8 anos de idade. De lá, seu pai, um caixeiro-viajante, levou a família para o Missouri, mudando-se 16 vezes em apenas 10 anos antes de abandoná-los. Enquanto criava seu próprio caminho, Williams vagou da St. Louis's Washington University para a University of Iowa e para a New School na cidade de Nova York, e até mesmo passou algum tempo trabalhando em uma fazenda de galinhas em Laguna Beach, Califórnia. Mas aos 28, ele encontrou seu “lar espiritual” em Nova Orleans. Lá ele mudou oficialmente seu nome de batismo para o apelido da faculdade que ele passou a preferir. Inspirado pela cultura do French Quarter, ele escreveu contos e o que se tornaria uma de suas peças mais populares. Lá ele se tornou Tennessee Williams, em mais de uma maneira.

2. UM BONDE CHAMADO DESEJO FOI NOMEADO DEPOIS DE UMA LINHA REAL DE STREETCAR.

Com o nome de seu ponto final na Desire Street no Ninth Ward, a linha Desire descia pela Canal Street até a Bourbon e além. Ele operou de 1920 a 1948 - o que significa que logo depois de se tornar famoso na Broadway, foi aposentado em favor de ônibus que eram mais silenciosos e colocavam menos pressão nas ruas e nos prédios ao redor. Desaparecido, mas não esquecido, um dos carros da Desire foi restaurado em 1967 e se tornou uma atração turística. Em 2003, a cidade chegou a propor a ressurreição dos bondes e do nome dessa famosa linha, mas esse sonho morreu quando o financiamento federal foi negado.

3. STANLEY KOWALSKI FOI INSPIRADA POR DOIS HOMENS.

O nome "Stanley Kowalski" foi emprestado de um operário de fábrica que Williams conheceu quando morava em St. Louis. Mas a verdadeira musa do dramaturgo foi Amado ‘Pancho’ Rodriguez y Gonzales, um boxeador mexicano que já foi amante de Williams e que argumentou que o personagem que inspirou deveria ser latino, não polonês.

Dez anos mais novo, Gonzalez conheceu Williams quando o escritor viajou para a Cidade do México no final de 1945. Encantado pelo macho de 24 anos, Williams convidou Gonzalez para se mudar para sua casa em Nova Orleans. O relacionamento deles durou apenas dois anos. Quando chegar a hora Bonde chamado desejo hit Broadway, Williams mudou-se para quem seria o amor de sua vida, o aspirante a escritor Frank Merlo.

4. BLANCHE PODE TER SIDO UM STAND-IN PARA WILLIAMS.

Como homem gay, o escritor foi ridicularizado durante toda a vida, chamado de "maricas" por seus colegas zombeteiros e de "Srta. Nancy" por seu pai bêbado e abusivo. Em alguns aspectos, ele era como Blanche, uma alma gentil do sul, sedenta de amor e bondade, mas perigosamente fascinada por homens rudes. Elia Kazan, que dirigiu a produção original da Broadway de Bonde e sua adaptação para o cinema, uma vez disse de Williams, "Se Tennessee era Blanche, Pancho era Stanley ... Ele [Williams] não se sentia atraído pelos Stanleys do mundo? Marinheiros? Comércio difícil? O próprio perigo? Sim, e mais selvagem. O a violência naquele menino, sempre no limite do gatilho, atraiu Williams no mesmo momento em que o assustou. ”

O mais próximo que Williams chegou de comentar essa comparação foi dizer de seu trabalho: "Eu tiro cada personagem de minha personalidade dividida muito múltipla. Minhas heroínas sempre expressam o clima de meu mundo interior na época em que esses personagens foram criados."

5. UM BONDE CHAMADO DESEJO FOI O SEGUNDO BIG BROADWAY HIT de WILLIAMS.

Em 1945, Williams rompeu com seu drama autobiográfico inovador The Glass Menagerie. Apenas um ano e meio após o encerramento desta produção aclamada, Um Bonde Chamado Desejo aberto a um elogio ainda maior. Alegadamente, a ovação de pé durou 30 minutos depois que a cortina desceu na noite de estreia.

6. O JOGO FOI DRASTICAMENTE DIFERENTE DE SEUS CONTEMPORÂNEOS DA BROADWAY.

Em seu ensaio histórico sobre Williams, a crítica Camille Paglia observa que Um Bonde Chamado Desejo foi uma mudança total de The Glass Menagerie. Enquanto o primeiro tinha uma "gentileza fortemente ferida", o último ostentava "energia turbulenta e erupções de violência". Mas mais do que isso, "Bonde explodiu no mundo do teatro em uma época em que a Broadway era dominada por comédias musicais e revivals. "Ela acrescenta:" a franqueza chocante com que Bonde O sexo tratado - como uma força revolucionária abrasadora - estava em conflito com a domesticidade que despontava na era do pós-guerra e esperava, em vez disso, a revolução sexual dos anos 1960 ".

7. CEDOU A REPUTAÇÃO DE WILLIAMS COMO UMA VOZ PRINCIPAL NO TEATRO AMERICANO.

O jornal New York Times O crítico Brooks Atkinson proclamou: "O Sr. Williams é um dramaturgo genuinamente poético, cujo conhecimento das pessoas é honesto e completo e cuja simpatia é profundamente humana". Um Bonde Chamado Desejo passou a concorrer por mais de 800 apresentações e ganharia o prêmio New York Drama Critics 'Circle de Melhor Peça. Jessica Tandy ganhou um Tony Award por criar o papel de Blanche, e Williams foi homenageado com o Prêmio Pulitzer de Drama.

8. STANLEY KOWALSKI LANÇADO MARLON BRANDO.

Aos 23, Brando era um ator metódico que estava atraindo elogios em uma série de papéis na Broadway. O ano passado Um Bonde Chamado Desejo estreou no Ethel Barrymore Theatre, os críticos de Nova York o elegeram como "o ator mais promissor da Broadway" por causa de sua poderosa atuação em Maxwell Anderson's Truckline Café. Seu retrato como Kowalski cumpriu essa promessa, e muito mais. O dramaturgo Arthur Miller escreveu que parecia "um tigre à solta, um terrorista sexual ... Brando era um bruto que carregava a verdade". E essa intensidade foi capturada na adaptação para o cinema de 1951, que rendeu ao ator uma indicação ao Oscar pelo que foi apenas seu segundo papel no cinema.

9. UM BONDE CHAMADO DESEJO REPUTAÇÃO DE HOLLYWOOD RESGATADA DE WILLIAMS.

Seguindo o sucesso de The Glass Menageriena Broadway, a Warner Bros. contratou Williams para redigir um roteiro adaptado para uma versão cinematográfica. Mas, em busca de uma oferta mais comercial, eles contrataram outro escritor para propor um final feliz, pelas costas de Williams. O resultado foi um fracasso criticamente criticado que o dramaturgo denunciou como uma "farsa". No entanto, Williams voltou para a Warner Bros. com Um Bonde Chamado Desejo. Desta vez, no entanto, o diretor e a maior parte do elenco do show da Broadway foram mantidos no filme, que passou a receber impressionantes 12 indicações ao Oscar, ganhando quatro, incluindo Melhor Atriz Coadjuvante (Kim Hunter) e Melhor Atriz ( Vivien Leigh).

10. JESSICA TANDY FOI A ÚNICA LIDERANÇA DO BROADWAY PLAY NÃO DISPONÍVEL NO FILME.

Hollywood não se importava com seu Tony ou suas críticas elogiosas. A Warner Bros. precisava de um grande nome para garantir o sucesso do filme. Então Tandy foi descartado em favor de Leigh, que interpretou o papel de Blanche em uma produção londrina de Um Bonde Chamado Desejo, mas o mais importante foi um nome familiar graças ao seu primeiro papel vencedor do Oscar, o de Scarlett O'Hara no épico histórico de 1939 E o Vento Levou.

11. O FILME FOI MAIS DIVERTIDO DO QUE A PEÇA.

Com a pressão crescente de um público preocupado com a influência que os filmes têm sobre as crianças, Hollywood criou O Código de Produção Cinematográfica, uma série de diretrizes sobre o que é aceitável e o que não é no cinema. Assim, Um Bonde Chamado DesejoA adaptação do filme foi forçada a suavizar uma linguagem mais grosseira e cortar alguns de seus elementos mais escandalosos, como a promiscuidade de Blanche e seu falecido marido ser um homossexual enrustido. Por exemplo, na peça Blanche exige da irmã: "Onde você estava? Na cama com sua juliana!" No filme, ela diz: "Lá dentro com a sua juliana!"

12. WILLIAMS LUTAVA PARA EVITAR QUE O ESTUPRO DE BLANCHE SEJA CORTADO.

Após seu confronto culminante, a peça implica que Stanley estupra Blanche. Mas a Warner Bros. sentiu que isso era sombrio demais para o filme. Williams e Kazan brigaram com o estúdio por causa disso. O primeiro argumentou: "[O] estupro de Blanche por Stanley é uma verdade essencial e integral na peça, sem a qual a peça perde seu significado, que é o arrebatamento do terno, do sensível, do delicado pelas forças selvagens e brutais de sociedade moderna." Como na peça, esse crime doloroso ocorre entre as cenas, mas sua implicação é clara pelos eventos violentos que levam ao escurecimento.

13. MAIS UMA VEZ, HOLLYWOOD CONSEGUIU UM FINAL FELIZ.

O acordo sobre a inclusão do estupro era que Stanley seria punido pelo ato. Assim como eles fizeram com The Glass Menagerie, Warner Bros. suavizou o fim da tragédia aclamada de William com uma mudança de roteiro. Nesse caso, uma linha é incluída, onde Stella declara que não vai voltar para o marido abusivo. É um contraste gritante com a peça, que termina com a direção do palco "Ele se ajoelha ao lado dela e seus dedos encontram a abertura de sua blusa", enquanto Stanley murmura para ela. Williams disse que a adaptação foi "apenas ligeiramente prejudicada por [um] final de Hollywood".

14. O FILME FEITO UM BONDE CHAMADO DESEJO ICONIC.

A performance do tour de force de Brando pode não ter lhe dado o Oscar, mas sua performance brutal, camiseta branca justa e sua assinatura "Stella!" chorar fez do filme um que não seria esquecido. Hoje, a peça é considerada um clássico e foi revivida na Broadway oito vezes. Em 1999, a adaptação cinematográfica foi agregada ao Registro Nacional de Cinema, que visa preservar "cultural, histórica ou esteticamente" obras de cinema. E em 2005, o American Film Institute incluiu o grito agonizante de Kowalski de "Stella! Ei, Stella!" entre as 100 maiores citações de filmes dos últimos 100 anos. Ele veio no número 45.

15. A CADA PRIMAVERA, NOVA ORLEÃES OFERECE UM FESTIVAL EM HONRA DO JOGO.

Chamado de Tennessee Williams / New Orleans Literary Festival, o evento anual de cinco dias celebra o trabalho mundialmente famoso de Williams, apresenta escritores emergentes e oferece oportunidades educacionais para estudantes de literatura. Também oferece passeios pelas localidades do French Quarter onde Williams caminhou, conversou e trabalhou, como o Hotel Maison de Ville, o restaurante Galatoire's, que recebe menção no Bonde e o apartamento onde morava com Pancho, que dava para a linha Desire.


& # 8216A Streetcar Named Desire & # 8217: Theatre Review

LONDRES & ndash Uma vez que uma exibição de fogos de artifício sensacionalista de química sexual explosiva, política de classe e gênero, Um Bonde Chamado Desejo está agora tão firmemente inserido no cânone literário americano que há muito perdeu seu poder de chocar. Mas o diretor nascido na Austrália Benedict Andrews e anterior Arquivos X Estrela Gillian Anderson fazer uma oferta louvável para se reconectar com as paixões primordiais no coração deste tão encenado Tennessee Williams clássico em seu novo e ousado revival de Londres. A produção de venda mais rápida da história do Young Vic & # 8217s também será transmitida ao vivo para mais de 500 salas de cinema em todo o mundo no dia 16 de setembro.

Anderson junta-se a uma ilustre chamada de estrelas e mdash, incluindo Jessica Tandy, Vivien Leigh, Rachel Weisz e Cate Blanchett & mdash, que anteriormente interpretou Blanche DuBois, a decadente Bela do Sul, cujo decoro exterior mascara um poço sem fundo de trauma emocional e sexual. Chegando ao fumegante bairro francês de Nova Orleans, Blanche encontra abrigo temporário com sua irmã Stella, recém-grávida, e seu marido Stanley Kowalski. Mas suas mentiras, seu esnobismo e seus delírios de grandeza acabaram levando Blanche a um confronto explosivo e erótico com Stanley.

Trazendo para o palco um novo tipo de naturalismo no estilo do Método, Um Bonde Chamado Desejo estreou na Broadway em 1947 com Elia Kazan direção Marlon Brando como o Stanley definitivo, ganhando vários prêmios, incluindo um Prêmio Pulitzer para Williams. Um lançamento em Londres ocorreu dois anos depois com Laurence Olivier dirigindo sua esposa Vivien Leigh como Blanche. Brando e Leigh dividiram a tela na versão cinematográfica de 1951, de grande sucesso e triplo Oscar de Kazan & # 8217. Desde então, este clássico perene inspirou dezenas de adaptações para a TV e o palco, uma ópera, três balés, uma célebre paródia musical em Os Simpsons, e um quase-remake mal disfarçado em Woody Allen& # 8216s Jasmim azul.

Andrews é um ex-diretor residente da Sydney Theatre Company que também trabalhou extensivamente em Berlim e sua casa adotiva na Islândia. Seus créditos anteriores com o Young Vic incluem um remake radical e premiado de Chekhov & # 8217s Três irmãs em 2012, que ostentava um design de palco beckettiano de montes de terra e mesas que desapareciam lentamente. Este tipo de tratamento altamente estilizado deu a Andrews uma reputação entre alguns críticos de teatro enigmático e auto-indulgente & # 8220diretor & # 8217s. & # 8221 Mas ele insiste que sua intenção é despertar o poder emocional bruto de peças marcantes que foram domesticadas e gentrificado em peças nostálgicas de museu.

O conceito de design por trás dessa produção completa envolve uma moldura de metal gigante marcando as dimensões claustrofóbicas de um apartamento de dois quartos, decorado em um estilo contemporâneo esparso, que gira lentamente ao longo de quase toda a performance. Ocasionalmente, ele para ou inverte a direção, principalmente quando a frágil saúde mental de Blanche e # 8217 começa a desmoronar. Um pouco desorientador no início, o efeito cumulativo desse truque da plataforma giratória acaba se tornando hipnótico. Andrews comparou designer Magda Eu vou& # 8216s em forma de gaiola definida como um Francis Bacon lona, ​​embora na verdade pareça mais olhar para um daqueles apartamentos compactos de maquete dentro de um showroom de móveis da IKEA. Ou possivelmente nos ratos de laboratório humanos de algum experimento voyeurístico de reality show na TV.

Anderson, agora residente em Londres e rosto regular na TV britânica, desempenhou apenas quatro papéis no West End nos últimos 12 anos, mais recentemente seu papel elogiado pela crítica como Nora em A Doll & # 8217s House no Donmar Warehouse em 2009. Mas o ímpeto inicial para esta produção veio dela, e ela claramente aprecia cada sotaque sulista maduro e insinuações lascivas de sua loira descolorida Blanche, a quem ela lança em algum lugar entre Dolly Parton e Samantha de Sexo e a cidade. Uma performance dentro de uma performance, Blanche é toda fachada e fabricação, uma drag queen heterossexual que subverte e celebra noções socialmente aceitáveis ​​de feminilidade refinada.

Blanche & # 8217s nêmesis Stanley é interpretado por Ben Foster, que fez sua estreia na Broadway no ano passado ao lado Alec Baldwin no Órfãos. Foster nunca iria eclipsar Brando nas estacas taciturnas da beleza masculina, mas ele irradia uma sexualidade convincentemente animalesca, com sua ronda símia e braços de Popeye cobertos de tatuagens. Considerando que Stanley é um valentão de pavio curto, espancador de esposas e estuprador, Foster faz um trabalho impressionante ao transformá-lo em um anti-herói vagamente simpático e plausivelmente falho.

O terceiro vértice desse bizarro triângulo amoroso é Stella, uma eterna inocente tão sexualmente viciada em Stanley que perdoa até mesmo seus excessos mais violentos. O único não americano do trio central, Vanessa Kirby lida com o sotaque suavemente e tira o melhor proveito de um papel de capacho ingrato. Corey Johnson faz algo semelhante com Mitch, o vizinho infantil que se apaixona pelos encantos calculados de Blanche até que Stanley sabota cruelmente seu romance.

Além do palco giratório, Andrews desafia as convenções com mudanças de cena em avanço rápido que acontecem à vista do público, normalmente acompanhadas por números de rock atrozes de nomes como PJ Harvey e cisnes. Entre esses clipes mais altos, ele vincula o drama com jazz vintage de Nova Orleans, além de drones sinistros e estrondos do compositor Alex Baranowski. Essa abordagem musical dispersa parece um pouco indecisa e corre o risco de cair no clichê às vezes. Alguém pode ouvir agora Chris Isaak& # 8216s & # 8220Wicked Game & # 8221 sem pensar em David Lynch& # 8216s Selvagem no coração?

Mas quaisquer falhas nesta produção são menos culpa da Andrews do que da safra da peça & # 8217s. As confissões doloridas de Blanche sobre o trágico destino de seu ex-amante secretamente gay, ou a promiscuidade imprudente que destruiu sua carreira de professora, agora soam mais como monólogos exagerados de um John Waters filme do que as bombas destruidoras de tabu que devem ter sido em 1951, quando a adaptação para as telas de Kazan e # 8217 teve que ser censurada. As revelações chocantes de ontem se tornaram as conversas comuns de hoje, e nenhuma quantidade de truques de alta tecnologia pode retroceder os valores culturais de uma audiência em seis décadas.

Um Bonde Chamado Desejo continua sendo um clássico americano, e Andrews o aborda corretamente com seriedade e determinação. Mas em um mundo onde o feminismo, os direitos dos homossexuais e paródias pós-modernas Os Simpsons estão agora arraigados na cultura popular, o submundo febril que Williams retrata talvez inevitavelmente pareça mais um melodrama estridente do que um drama inovador. Felizmente, Blanche é a graça salvadora aqui, uma heroína de acidente de carro extremamente atraente em qualquer década. Melhores notas para Anderson, que dá uma ótima diva e parece curtir cada minuto dela.

Local: Young Vic, Londres (vai até 19 de setembro)
Elenco: Gillian Anderson, Ben Foster, Vanessa Kirby, Corey Johnson
Dramaturgo: Tennessee Williams
Diretor: Benedict Andrews
Cenógrafo: Magda Willi
Designer de iluminação: Jon Clark
Figurinista: Victoria Behr
Designer de som: Jon Arditti
Música: Alex Baranowski
Apresentado por The Young Vic e Joshua Andrews


Neste dia: 3 de dezembro de 1947: Um Bonde Chamado Desejo estreou na Broadway

Blanche Dubois, cena 1, em Bonde chamado desejo:

& # 8220Eles me disseram para pegar um bonde chamado Desire e, em seguida, ir para um chamado Cemitérios, andar seis quarteirões e descer em & # 8211 Elysian Fields! & # 8221

Tennessee Williams morou em New Orleans enquanto terminava Bonde, originalmente chamado The Poker Night. Kenneth Holditch, que dá tours literários em Nova Orleans, disse:

[Williams] disse daquele apartamento que podia ouvir aquele bonde barulhento chamado Desire correndo ao longo da Royal e um chamado Cemeteries correndo ao longo do Canal. E parecia-lhe a metáfora ideal para a condição humana.

Tennessee Williams em Irene Selznick, que foi escolhida para produzir Bonde:

Ela deveria ter 16 milhões de dólares e bom gosto. Eu estou em dúvida.


Irene Selznick, Tennessee Williams e Elia Kazan são consultores nos bastidores do Streetcar

Deve-se fazer o melhor possível e, em certo ponto, dizer: & # 8216Eu & # 8217fiz tudo o que pude. Não vou melhorar isso. & # 8217

Eu percebi que as melhores peças escritas para o teatro que conheci estão completas à nascença. O primeiro rascunho tinha & # 8212 ou não & # 8217t. Em ambos Bonde chamado desejo e Morte de um Vendedor, Pedi ao autor que não reescrevesse e os ensaios não revelaram a necessidade de reescrever. Essas peças nasceram sonoras. O trabalho, a luta, a autoflagelação & # 8212 aconteceram dentro do autor antes que ele tocasse a máquina de escrever. geralmente, quando há muita adulteração e agitação em torno de um manuscrito, há algo basicamente errado para começar. & # 8221

Tennessee Williams, carta para Jay Laughlin, 9 de abril de 1947, incluída em The Selected Letters of Tennessee Williams, Vol. 2: 1945-1957:

Fiz muito trabalho, terminei duas jogadas longas. Um deles, situado em Nova Orleans, A STREETCAR CHAMADA DESIRE, saiu muito bem. É uma jogada forte, mais próxima de & # 8220Battle of Angels & # 8221 do que qualquer um dos meus outros trabalhos, mas não é o que os críticos chamam de & # 8220pleasant & # 8221. Na verdade é bonito unprazeroso.

Em 1947 (quando Bonde ainda estava em fase de planejamento), Williams viu Arthur Miller & # 8217s All My Sons Na Broadway. Elia Kazan havia dirigido. Williams ficou pasmo e imediatamente estendeu a mão para Kazan, iniciando uma correspondência. Ele abordou Kazan sobre talvez a possibilidade de dirigir seu novo jogo & # 8220 desagradável & # 8221. Kazan teve reservas no início. Kazan respondeu à política tingida de vermelho de Miller & # 8217s, e o trabalho de Williams & # 8217 é apolítico (pelo menos à primeira vista). Kazan reconheceu o talento de Williams & # 8217, mas não tinha certeza se era sua preferência. A agente da Williams & # 8217, Audrey Wood, abriu negociações com Kazan e se envolveu com Irene Selznick. Em algum momento, muito cedo, as negociações foram interrompidas e Kazan retirou seu interesse. Williams escreveu a Kazan (ou & # 8220Gadg & # 8221 como era conhecido por seus amigos, abreviação de & # 8220Gadget & # 8221), expressando seu desapontamento. Adoro essas primeiras cartas porque o relacionamento deles ainda não havia se solidificado. Acabou sendo uma colaboração espetacular, uma das mais importantes da história cultural americana, mas eles não sabiam disso em 1947. Eles ainda estavam se apalpando.

Tennessee Williams para Elia Kazan, 19 de abril de 1947.

Estou amargamente desapontado que você e a Sra. Selznick não chegaram a um acordo & # 8230 Tenho certeza de que você também deve ter tido reservas sobre o roteiro.

Vou tentar esclarecer minhas intenções nesta peça. Acho que sua melhor qualidade é a autenticidade ou a fidelidade à vida. Não há pessoas & # 8220bom & # 8221 ou & # 8220má & # 8221. Alguns são um pouco melhores ou um pouco piores, mas todos são ativados mais por mal-entendidos do que por malícia. Uma cegueira para o que está acontecendo nos corações uns dos outros. Stanley vê Blanche não como uma criatura desesperada e impelida que recuou até um último canto para fazer uma última tentativa desesperada & # 8211, mas como uma cadela calculista com & # 8220 torno dos saltos & # 8221. Mitch aceita primeiro sua própria projeção falsa de si mesma como uma jovem virgem refinada, guardando-se para o único eventual companheiro & # 8211 e então pula para a concepção de Stanley & # 8217 dela. Ninguém vê ninguém verdadeiramente, mas tudo através das falhas de seu próprio ego. É assim que todos nos vemos na vida. Vaidade, medo, desejo, competição & # 8211 todas essas distorções dentro de nossos próprios egos & # 8211 condicionam nossa visão daqueles em relação a nós. Adicione a essas distorções em nosso ter egos, as distorções correspondentes nos egos do outros & # 8211 e você vê como o vidro deve ficar turvo através do qual nos olhamos & # 8230

Lembro que você me perguntou o que o público deveria sentir por Blanche. Certamente, pena. É uma tragédia com o objetivo clássico de produzir uma catarse de piedade e terror, e para isso Blanche deve finalmente ter a compreensão e a compaixão do público. Isso sem criar um vilão tingido de preto em Stanley. É uma coisa (mal-entendido), não uma pessoa (Stanley) que a destrói no final. No final, você deve se sentir & # 8211 & # 8220Se apenas todos eles tivessem conhecido uns sobre os outros! & # 8221 & # 8211 Mas sempre havia a lanterna de papel ou a lâmpada nua! & # 8230

Escrevi tudo isso para o caso de você estar preocupado principalmente com minha intenção na peça. Não considere isso como & # 8220pressão & # 8221. Um telegrama de Irene e uma carta de Audrey indicam que ambas sentem que você definitivamente se retirou da associação conosco e que devemos encontrar outra pessoa. Não quero aceitar essa necessidade sem explorar a natureza e o grau da diferença entre nós.

Depois que Kazan se retirou, Irene Selznick, Audrey Wood e Williams descartaram nomes de diretores diferentes & # 8211 Josh Logan, John Huston, Tyrone Guthrie (Williams rejeitou a ideia imediatamente: & # 8220Ele é inglês. Esta é uma peça americana. & # 8221 ) Mas então as negociações foram reabertas com Kazan. Kazan estava preocupado com o fato de Selznick ser muito & # 8220green & # 8221 para produzir. Ele não a conhecia, ele não confiava nela. Originalmente, ele disse que iria apenas dirigir Bonde se Selznick fosse demitido. Para trás, para frente, para trás. Kazan negociou o controle artístico e o faturamento, até que finalmente concordou. Williams estava em êxtase.

Em 1º de maio de 1947, Tennessee Williams escreveu para Elia Kazan, e eu simplesmente amo sua confiança. É inspirador.

Irene diz que você acha que a peça precisa de uma reescrita considerável. Como você nunca disse isso, ou insinuou, em nossa conversa ou em sua carta, não levo isso a sério, mas acho que é justo dizer que não espero fazer mais nada importante trabalhar no roteiro. Passei muito tempo nele e o presente script é uma destilação de muitos testes anteriores. Certamente não é tão bom quanto poderia ser, mas é tão bom quanto agora sou capaz de fazer. Nunca fui nada difícil sobre cortes e mudanças de linha incidentais, mas eu & # 8217 não vou fazer nada para alterar a estrutura básica & # 8211 com uma exceção. Para a última cena, em que Blanche é removida à força do palco & # 8211, tenho um final alternativo, fisicamente mais silencioso, que poderia ser substituído se o final atual for muito difícil de encenar. Isso é sobre todas as mudanças importantes que eu poderia prometer a qualquer diretor, e apenas isso se o diretor considerar a outra impraticável.

Em maio de 1947, o contrato do Kazan & # 8217s foi definido. Williams foi para Cape Cod por & # 8220tranquilidade & # 8221.

Carta de Tennessee Williams para Elia Kazan, maio de 1947, de Cape Cod:

O tipo nebuloso de sonhador que devo admitir precisa do olhar complementar do trabalhador mais objetivo e dinâmico. Eu acredito que você também é um sonhador. Há toques oníricos em sua direção que são vastamente provocadores, mas você tem um dinamismo de que meu trabalho precisa ser traduzido em um teatro emocionante. Eu não acho que & # 8220Puxar os socos & # 8221 irá beneficiar este show. Deve ser controlado, mas violento & # 8230Acho que podemos aprender e crescer com isso e, possivelmente, podemos fazer algo bonito e vivo, quer todos entendam ou não. As pessoas estão dispostas a viver e morrer sem entender exatamente do que se trata a vida, mas às vezes devem saber exatamente do que se trata uma peça. Espero que possamos mostrar a eles do que se trata, mas como não posso dizer exatamente do que se trata, isso é apenas uma esperança. Mas talvez se tivermos sucesso em nosso primeiro objetivo de torná-lo vivo no palco, o significado ficará aparente.

Na segunda visita a & # 8220All My Sons & # 8221, decidi que [Karl] Malden era certo para Mitch. Eu espero que você concorde. O rosto é cômico, mas o homem tem uma simplicidade digna e é um grande ator. Eu também conheci Burt Lancaster. Ficou favoravelmente impressionado. Ele tem mais força e rapidez do que eu esperava do tipo bastante plegmático que retratou em The Killers. Ele também parecia um homem que trabalharia bem sob uma boa direção.

Como o último parágrafo indica, Williams e Kazan estavam voltando suas mentes para o elenco.

Tennessee Williams para Audrey Wood, meados de junho de 1947:

[Margaret] Sullavan é & # 8230 o tipo de atriz que receberia & # 8220excelentes notícias pessoais & # 8221, mas não faria bem à peça: a menos que ela tenha mais na bola do que derivamos de suas leituras. No momento [Jessica] Tandy é a única que me parece bem e estou esperando até eu vê-la e ouvi-la & # 8230N & # 8217n & # 8217n & # 8217n & # 8217n & # 8217n & # 8217n & # 0; # 8217n & # 039; t & # 0; # 8217n & #; ouvir as falas faladas. Vou fazer muitos cortes então. A reescrita na Cena V não é tão boa quanto a original, mas acho que vai tocar melhor e é mais simpática para Blanche. (Torna Mitch mais importante para ela).


Karl Malden, Jessica Tandy

Tennessee Williams escreveu a Margo Jones, no início de julho de 1947, sobre o projeto inicial de Jo Mielziner:

Os designs de Jo & # 8217s para Bonde são quase os melhores que eu já vi. A parede posterior do interior é translúcida com um panorama estilizado que mostra os pátios ferroviários e a cidade (quando iluminada por trás). Isso aumentará imensamente a qualidade poética.

Tanto Kazan quanto Williams tinham John Garfield em mente para o papel de Stanley. Kazan e Garfield voltaram aos anos 30, para o Group Theatre, e Garfield era agora uma estrela de cinema. Garfield recusou a ideia de voltar para uma corrida sem fim que o manteria fora de Los Angeles indefinidamente. Os jornais comerciais anunciaram no início de agosto que Garfield assinou contrato para jogar Stanley & # 8211, embora isso não fosse verdade. Garfield queria fazer uma temporada limitada de quatro meses e também queria ter o papel garantido no filme, se as coisas seguissem nessa direção. Irene Selznick recusou Garfield, então eles tiveram que, novamente, procurar outro Stanley.


Thomas Hart Benton: Poker Night (de "A Streetcar Named Desire") (1948)

Tennessee Williams para Audrey Wood, 25 de agosto de 1947 no meio da confusão do Garfield:

O ator George Beban veio da costa para cá e leu para mim esta manhã. Este ator teve experiência de verão e perseguiu um treinador de palco em um faroeste de grau B. Foi a primeira vez em um cavalo. Ele é mais aventureiro do que eu. Eu não quero colocar meu jogo sob ele & # 8230Ele leu uma cena em seus pés e seus movimentos corporais eram rígidos e autoconscientes, sem nenhuma graça animal e virilidade (Quando eu digo graça, eu significa uma graça viril) que a parte exige e me fez mais amargamente consciente do que Garfield teria sido bom. Acho que foi uma experiência brutal para este ator, e considero os atores seres humanos, alguns deles tão sensíveis e capazes de decepção e sofrimento quanto eu. Não entendo por que ele passou por essa provação sem atributos mais aparentes do que mostrou esta manhã & # 8230

Isso nos deixa com Marlon Brando, dos que foram mencionados até agora. Estou muito ansioso para vê-lo e ouvi-lo assim que puder. Ele vai ler para Gadge e se Gadge gostar dele, gostaria de dar uma olhada nele.

Alguns dias depois desta carta, Elia Kazan levou Marlon Brando a Provincetown para se encontrar com Williams. Brando tinha 23 anos. Williams rejeitou originalmente até mesmo a ideia de ver Brando para o papel, já que em sua mente Stanley tinha cerca de 30 anos. Brando era um péssimo & # 8220audicionista & # 8221, como muitos grandes atores são. As pessoas que estavam pressionando Brando para o papel estavam preocupadas que, se ele lesse o roteiro, não seria nem um pouco exibido. Kazan entendeu a diferença entre audição e performance & # 8211 que alguém pode ser incrível no palco e péssimo nas audições. Ele tinha visto Brando no palco e sabia que tinha o & # 8220magnetismo & # 8221 que poderia funcionar muito bem para Stanley. Brando leu o roteiro e ficou impressionado, mas também com medo.

Brando para o repórter Bob Thomas:

Finalmente decidi que era um tamanho grande demais para mim e liguei para Gadg para avisá-lo. A linha estava ocupada. Se eu tivesse falado com ele naquele momento, tenho certeza de que não teria desempenhado o papel. Decidi deixá-lo descansar um pouco e, no dia seguinte, Gadg me ligou e disse: & # 8216Bem, o que é & # 8211 sim ou não? & # 8217 Engoli em seco e disse: & # 8216Sim. & # 8217

O encontro em Provincetown entre Brando e Williams é bastante notório, contado por todas as diferentes partes que estiveram lá. Williams estava sentado em sua casa de praia em Provincetown, com Pancho, seu amante de temperamento explosivo e alguns amigos do Texas. Todo mundo estava bêbado. A eletricidade e o encanamento não estavam funcionando, então eles estavam sentados lá na escuridão quando Brando chegou. Brando entrou, avaliou a situação, foi até o banheiro, enfiou a mão no vaso sanitário para desentupi-lo e mexeu nos fusíveis queimados para religar a eletricidade.

Imagine um jovem Brando fazendo isso. Brando não era idiota. Tenho certeza de que ele estava ciente de que a leitura do roteiro não era seu ponto forte, e talvez fazer um pouco de encanamento e eletricidade enquanto o dramaturgo o observava ajudaria em seu caso. Ou quem sabe, talvez estivesse completamente inconsciente e ele pensou: & # 8220Que diabos. Sem luzes? Sem banheiro? O que há de ERRADO com vocês? & # 8221 Quaisquer que sejam suas motivações, quando ele terminou com os fusíveis queimados, ele parou no meio da sala e começou seu teste. Ele conseguiu 30 segundos quando Williams o parou e disse que ele tinha o papel. Williams deu a ele uma passagem de ônibus para voltar a Nova York para assinar o contrato.

Irene Selznick se lembra de seu primeiro encontro com Brando, quando ele assinou um contrato de dois anos em seu escritório:

Ele não se comportou como alguém a quem algo maravilhoso acabara de acontecer, nem tentou dar a impressão de que estava muito ocupado me avaliando. O que quer que ele esperasse, eu não era. Ele parecia desconfiado e sem saber como me classificar. Ele foi rebelde em um momento, brincalhão no seguinte, oferecendo-se que tinha sido expulso da escola, então sorriu provocadoramente para mim. Eu não mordi a isca. Foi fácil ir depois disso. Ele se endireitou na cadeira e se voltou franco, sério e até educado.

Tennessee Williams para Audrey Wood, 29 de agosto de 1947:

Não posso dizer que alívio é termos encontrado um Stanley enviado por Deus na pessoa de Brando. Não havia me ocorrido antes que valor excelente seria escalar um ator muito jovem para esse papel. Ele humaniza o caráter de Stanley no sentido de que se torna a brutalidade ou insensibilidade da juventude, em vez de um velho cruel. Eu não quero focar a culpa ou culpar particularmente em qualquer personagem, mas ter uma tragédia de mal-entendidos e insensibilidade para com os outros. Um novo valor saiu da leitura de Brando & # 8217s, que foi de longe a melhor leitura que já ouvi. Ele parecia já ter criado um personagem dimensional, do tipo que a guerra produziu entre jovens veteranos.Este é um valor além de qualquer outro que Garfield poderia ter contribuído, e além de seus dons como ator, ele tem grande apelo físico e sensualidade, pelo menos tanto quanto Burt Lancaster. Quando Brando for contratado, acho que teremos um elenco de 4 estrelas realmente notável, tão emocionante quanto qualquer um que possa ser montado e valerá a pena todos os problemas que passamos. Tê-lo em vez de uma estrela de Hollywood criará uma impressão altamente favorável, pois removerá o estigma de Hollywood que parecia estar ligado à produção. Use toda a sua influência para se opor a qualquer movimento por parte do escritório de Irene de reconsiderar ou adiar a contratação do menino, caso ela não aceite isso.

O resto do elenco foi finalizado. Ensaios para Bonde começou em outubro.

Aqui está Elia Kazan sobre como ele trabalhou com Brando. Kazan era astuto, manipulador, reservado: ele trabalhava com cada ator de maneira diferente, puxando cada um de lado, sussurrando, bajulando, plantando sementes. Mas Brando era diferente.

Com outros atores, eu & # 8217d sempre digo o que exatamente o que eu quero: & # 8216Você faz isso. Não, eu não gosto disso, quero que você faça assim. & # 8217 Com Marlon & # 8230 era mais parecido com & # 8216Ouça e deixe & # 8217s ver o que você faz com isso. & # 8217 & # 8230 Eu & # 8217 tinha ouvido falar dos pais dele, mas não dele, e nunca perguntei. Tratei-o com grande delicadeza. Um dos motivos pelos quais ele passou a confiar em mim & # 8211 como diretor & # 8211 foi que eu respeitei sua privacidade & # 8230. Sempre esperei por um milagre com ele, e sempre o conseguia.

Kazan descreve puxando Brando de lado e começando a dizer algo para ele, e Brando ouvia as primeiras duas ou três palavras, então acenava com a cabeça, se virava e ia embora. Porque ele conseguiu. Ele entendeu. Ele absorveu tudo & # 8211 rapidamente, imediatamente. Poucas pessoas são tão absorventes.

Olha, o Marlon estava sempre à distância de um braço e ele se sentia seguro ali, sem ser inspecionado, sem ser examinado. Quanto do potencial de penetração foi baseado em meu insight, ao contrário de coisas que peguei aqui e ali, no entanto, não sei. Eu sei onde olhar, onde colocar minha mão, o que tentar tirar, o que conseguir.

O sentimento de Brando de que a jogada era um tamanho muito grande para ele foi intensificado por seu conhecimento de que John Garfield tinha sido a primeira escolha. Ele não conseguia tirar isso da cabeça. No meio de um ensaio, quando ele estava lutando, ele murmurava, & # 8220Eles deveriam ter pegado John Garfield. & # 8221 Seus insights sobre o personagem de Stanley, no entanto, foram (e são) inestimáveis. Na minha opinião, ele mostra a mentira por trás de tudo & # 8220você tem que gostar do personagem que está interpretando & # 8221 malarkey que tantos atores assinam. (No entanto, Brando era um gênio. Portanto, temos que levar isso em consideração. Ele era um caso incomum). Brando descreveu Stanley:

Um homem sem qualquer sensibilidade, sem qualquer tipo de moralidade exceto sua própria insistência choramingando e choramingando em seu próprio caminho & # 8230 um daqueles caras que trabalham duro e têm muita carne sem nada flexível. Eles nunca abrem os punhos, realmente. Eles agarram uma xícara como um animal a envolveria com uma pata. Eles são tão musculosos que mal conseguem falar.

Essa é uma análise incrivelmente perspicaz.

Como se sabe agora, após uma semana de ensaio, Brando mudou-se para o teatro, dormindo em um catre nos bastidores. Ele se sentia inseguro. Ele parou de comer, de dormir. Ele estava atrasado para os ensaios. Kazan, em vez de ficar impaciente, era terno. Ele entendeu a tensão que Brando estava experimentando, e o medo que veio com isso. Os outros atores estavam quase no nível de desempenho em seus ensaios, e Marlon ainda estava resmungando e vagando por aí. Esta foi a verdadeira luta. Marlon Brando é tão imitado agora que é difícil lembrar o quão revolucionário foi o desempenho. Não veio do nada. Brando tinha um grande talento, sim, e instintos perfeitos & # 8211, mas parte desse talento era saber como seu próprio talento funcionava, e isso significava segurar o compromisso com uma escolha específica, resistir a & # 8220 minimizá-la & # 8221, ter a paciência de tentar sentir seu caminho. Foi muito frustrante para os outros atores.

Karl Malden descreve um momento de ensaio:

Estávamos ensaiando a cena do banheiro, aquele em que saio e encontro Blanche pela primeira vez e Stanley diz: & # 8216 Ei, Mitch, vamos lá! & # 8217 Agora, enquanto estávamos trabalhando nisso, cada dia seria diferente . Marlon chegava antes de você dizer sua fala, ou muito depois de você dizer sua fala, ou mesmo antes de você ter algo a dizer. O melhor estava errado.

De qualquer forma, estava apenas começando a correr bem para mim pela primeira vez & # 8211 quando você pensa: Oh, meu Deus, é isso & # 8211 e estrondo, ele me bateu com um que só atrapalhou tudo. Eu disse, & # 8216Oh, merda! & # 8217 e joguei alguma coisa e saí do palco, subindo para o sótão. Kazan disse: & # 8216O que diabos aconteceu? & # 8217

& # 8216Eu não consigo me concentrar & # 8217 eu disse a ele. & # 8216Eu estava indo muito bem e de repente veio essa coisa chocante. Isso me joga. É impossível. & # 8217 Fiquei furioso e expliquei que isso acontecia regularmente. Ele disse: & # 8216Aguarde & # 8217.

Kazan fez um pequeno discurso no dia seguinte para o elenco, dizendo:

Vamos conversar sobre isso agora. Karl, você tem que se acostumar com a maneira como o Marlon trabalha. Mas Marlon, você tem que lembrar que tem outras pessoas no elenco também.

Em meados de outubro, o elenco estava pronto para uma reviravolta. Stella Adler estava presente, assim como Hume Cronyn, o marido de Jessica Tandy & # 8217s. Depois de algumas semanas tentando & # 8220encontrar & # 8221 o papel, Marlon de repente deu uma performance intensa na noite de abertura, eletrizando todos os presentes. Ninguém se esqueceu daquele dia em que percebeu que estava na presença de alguém que obviamente seria uma estrela gigante. Isso deixou Hume Cronyn nervoso. Bonde era sobre Blanche, não Stanley. Se Blanche parece acidental para Stanley & # 8217s jornada, então isso não era contrário ao que a peça realmente tratava? Cronyn falou com Kazan sobre isso. (Se você leu o roteiro, Stanley é um pequeno papel. Stella é um papel muito maior. Se você esquecer Brando e apenas ler o roteiro, a história é sobre duas irmãs.)

Talvez Hume quisesse dizer que, ao contrário de Marlon, cujas palavras não pareciam algo memorizado, mas a expressão espontânea de uma intensa experiência interior & # 8211 que é o nível de trabalho que todos os atores tentam alcançar & # 8211 Jessie era o quê? Especialista? Profissional? Isso foi o suficiente para esta peça? Não para Hume. A dela parecia ser uma performance que Marlon estava vivendo no palco. Jessie tinha cada momento trabalhado com cuidado, com sensibilidade e inteligência, e tudo estava dando certo, exatamente como Williams e eu esperávamos e queríamos. Marlon, trabalhando & # 8216 por dentro & # 8217, levou sua emoção aonde quer que o levasse, seu desempenho foi cheio de surpresas e superou o que Williams e eu esperávamos. Um milagre de desempenho estava se formando.

Bonde estreou em Boston para uma temporada de teste e tocou de 3 a 15 de novembro de 1947. Havia problemas de censura borbulhantes, especialmente em relação à cena de estupro. Isso ficaria ainda mais polêmico, preocupando Kazan. Mais sobre isso mais tarde. As críticas que receberam em Boston foram justas. Tandy conseguiu a maior parte da imprensa. O terremoto que foi Marlon Brando ainda não estava se fazendo sentir.

Bonde mudou-se para a Filadélfia para outro teste (17 a 29 de novembro) e, finalmente, para Nova York. O zumbido começou.

Bonde chamado desejo inaugurado neste dia em 1947.

Na noite de estreia, Tennessee Williams enviou a Marlon Brando um telegrama, que dizia:

MONTE O MENINO E ENVIE-O SÓLIDO. DO POLACK GORDUROSO VOCÊ VAI CHEGAR ALGUM DIA AO GLOOMY DANE PORQUE TEM ALGO QUE FAZ DO TEATRO UM MUNDO DE GRANDES POSSIBILIDADES.

Tennessee Williams escreveu a Jay Laughlin no dia seguinte, 4 de dezembro de 1947:

O bonde abriu ontem à noite com uma aprovação tumultuada. Nunca testemunhei uma noite tão emocionante. Muito melhor do que New Haven, você nem imagina que N.H. foi apenas uma leitura da peça. Muito mais calor, alcance, inteligência, interpretação, etc. & # 8211 muito disso por causa de melhores detalhes na direção, tempo. Casa lotada, com as decorações usuais da primeira noite, & # 8211 Cecil B & # 8217ton, Valentina, D. Parker, os Selznicks, os outros e assim por diante, & # 8211 e com um aquecimento lento para o primeiro ato e comentários como & # 8220Bem, é claro, não é & # 8217t um Toque, & # 8221 o segundo ato (está & # 8217s em 3 agora) enviou o público a alturas loucas, e o último os deixou & # 8211 e eu & # 8211 murchados, ofegantes, fracos, atordoados, esgotados (ver comentários para mais palavras) e, em seguida, um estrondo de aplausos que continuou e continuou. Quase ninguém se levantou de um assento até que muitas cortinas foram erguidas em todo o elenco, os 4 princípios, então Tandy, que foi saudado por um grande uivo de & # 8220BRavo! & # 8221 verdadeiramente por toda a casa. Em seguida, repita toda a programação da cortina para Tandy novamente e finalmente & # 8230 & # 8230 & # 8230 .. 10 Wms rastejaram no palco, após chamadas do autor! e fez arcos com Tandy. Tudo foi ótimo, excelente, EXCELENTE!

Irene Selznick descreve a noite de abertura:

Naquela época, as pessoas representavam apenas o hino nacional. Aquela noite foi a primeira vez que vi um público se levantar, e a primeira vez que vi os Shuberts ficarem para uma cortina final & # 8230 rodada após rodada, cortina após cortina, até que o Tennessee fez uma reverência no palco aos bravos .

Agora, sobre a cena de estupro, que remete à preocupação de Hume Cronyn & # 8217 sobre o poder de Brando & # 8217 mudando o tecido da peça. Kazan veio compartilhar as preocupações de Cronyn & # 8217s, o que levou a um comentário extremamente revelador de Williams. Talvez o ÚNICO comentário que você precisa saber. É o que faz Williams Williams.

Kazan escreveu em suas memórias sobre como Brando desviou a balança da peça para o favor de Stanley e # 8217:

Mas o que havia sido sugerido em nossos ensaios finais em Nova York estava acontecendo. O público adorava Brando. Quando ele zombou de Blanche, eles responderam com risadas de aprovação. A peça estava se tornando o Show de Marlon Brando? Não mencionei o problema porque não conhecia a solução. Eu especialmente não queria que os atores soubessem que eu estava preocupado. O que eu poderia dizer para o Brando? Ser menos bom? Ou para Jessie? Melhorar? & # 8230

Louis B. Mayer me procurou para me dar os parabéns e me assegurar que todos nós & # 8217d fazemos fortuna & # 8230 Ele me encorajou a fazer o autor reescrever uma parte criticamente importante para ter certeza de que aquela & # 8220 mulher má & # 8221 que & # 8217d vir para separar aquele & # 8220fino jovem casal & # 8217s lar feliz & # 8221 foi despachado para uma instituição, o público acreditaria que o jovem casal viveria feliz para sempre. Nunca ocorreu a ele que a principal simpatia do Tennessee era para com Blanche, nem eu o esclareci & # 8230. Sua reação equivocada aumentou minha preocupação. Tive que me perguntar: eu estava satisfeito em ter a performance pertencente a Marlon Brando? Era isso que eu pretendia? O que eu pretendo? Eu olhei para o autor. Ele parecia satisfeito. Somente eu & # 8212 e talvez Hume [marido de Cronyn, Tandy & # 8217s] & # 8212 sabíamos que algo estava errado & # 8230

O que me surpreendeu foi que o autor não estava preocupado com o fato de o público favorecer Marlon. Isso me intrigou porque Tennessee era minha autoridade final, a pessoa que eu tinha que agradar. Eu ainda não havia tocado no problema, estava esperando que ele fizesse isso. Recebi minha resposta & # 8230 por causa de algo que aconteceu no Ritz-Carlton Hotel, do outro lado do corredor da minha suíte, onde Tennessee e Pancho [companheiro de Tennessee & # 8217s na época] estavam hospedados. Uma noite eu ouvi uma comoção assustadora do outro lado do corredor, maldições em espanhol, ameaças de morte, o som de porcelana quebrando & # 8230 e um estrondo & # 8230 Enquanto eu corria para o corredor, Tennessee irrompeu pela porta, parecendo aterrorizado , e correu para o meu quarto. Pancho me seguiu, mas quando bloqueei minha porta, ele se virou para o elevador, ainda praguejando, e foi embora. Tennessee dormiu na cama de solteiro do meu quarto naquela noite. Na manhã seguinte, Pancho não havia retornado.

Percebi que Wiilliams não estava zangado com Pancho, nem mesmo desaprovando & # 8212 na verdade, quando ele falou sobre o incidente, ele admirou Pancho por sua explosão. No café da manhã, mencionei minha preocupação com Jessie e Marlon. & # 8220Ela & # 8217 vai melhorar & # 8221 Tennessee disse, e então tivemos nossa única discussão sobre a direção de seu jogo. & # 8220Blanche não é um anjo sem defeito & # 8221 disse ele, & # 8220 e Stanley & # 8217s não são maus. Eu sei que você está acostumado a temas claramente definidos, mas esta peça não deve ser carregada de uma forma ou de outra. Não tente simplificar as coisas. & # 8221 Então ele acrescentou: & # 8220Eu estava zombando de Pancho e ele explodiu. & # 8221 Ele riu. Lembrei-me da carta que ele & # 8217d me escreveu antes de começarmos os ensaios, lembrei-me de como, naquela carta, ele & # 8217d me advertiu contra inclinar a balança moral contra Stanley, que no interesse da fidelidade eu não devo apresentar Stanley como um & # 8220 preto vilão tingido & # 8221. & # 8220O que devo fazer? & # 8221 perguntei. & # 8220Nada & # 8221 disse ele. & # 8220Não & # 8217t tome partido ou tente apresentar uma moral. Quando você começa a organizar a ação para fazer um ponto temático, a fidelidade à vida vai sofrer. Continue trabalhando como está. Marlon é um gênio, mas ela é uma trabalhadora e vai melhorar. E melhor. & # 8221

Marlon Brando, anos depois, falou com Truman Capote em um momento de descuido e descreveu como foi saber que ele era famoso. É um dos melhores & # 8211 inferno, uma das ÚNICAS & # 8211 descrições que eu já ouvi.

Você pode & # 8217t sempre ser um fracasso. Não e sobreviver. Van Gogh! Há um exemplo do que pode acontecer quando uma pessoa nunca recebe nenhum reconhecimento. Você para de se relacionar: isso o coloca do lado de fora. Mas acho que o sucesso também faz isso. Você sabe, demorei muito para perceber que era isso que eu era & # 8211 um grande sucesso. Eu estava tão absorto em mim mesmo, meus próprios problemas, nunca olhei em volta, levei em conta. Eu costumava andar em Nova York, milhas e milhas, andar nas ruas tarde da noite, e nunca Vejo nada. Nunca tive certeza sobre como atuar, se era isso o que eu realmente queria fazer, ainda não sou. Então, quando eu estava no & # 8220Streetcar & # 8221, e ele estava funcionando há alguns meses, uma noite & # 8212 vagamente, vagamente & # 8212, comecei a ouvir este rugido.

Brooks Atkinson observou em sua análise da peça para O jornal New York Times:

Tennessee Williams nos trouxe um drama excelente, & # 8220A Streetcar Named Desire & # 8221, que foi encenado no Ethel Barrymore na noite passada. E Jessica Tandy tem um desempenho soberbo como uma heroína triste cuja miséria o Sr. Williams está gravando com ternura. Este deve ser um dos casamentos mais perfeitos de atuação e dramaturgia. Pois a atuação e a dramaturgia estão perfeitamente combinadas em uma performance límpida, e é impossível dizer onde a Srta. Tandy começa a dar forma e calor ao clima que o Sr. Williams criou.

Como & # 8220The Glass Menagerie & # 8221, a nova peça é um estudo discreto de intangíveis. Mas, para este observador, mostra uma visão mais profunda e representa um grande passo em direção à clareza. E revela o Sr. Williams como um dramaturgo genuinamente poético cujo conhecimento das pessoas é honesto e completo e cuja simpatia é profundamente humana & # 8230Pelos padrões habituais da Broadway, & # 8220Streetcar Named Desire & # 8221 é muito longo nem todas essas palavras são essenciais. Mas o Sr. Williams tem direito à sua própria independência. Pois ele não se esqueceu de que os seres humanos são o sujeito básico da arte. Com imaginação poética e compaixão comum, ele criou uma história comovente e luminosa.

Brooks Atkinson foi um & # 8220watcher & # 8221 de Tennessee Williams, e suas críticas mostraram uma consideração cuidadosa do que Williams estava tentando. Ele e Williams tiveram uma longa correspondência privada. Em 14 de dezembro de 1947, como o Bonde o alvoroço estava crescendo, Atkinson escreveu outra peça no Vezes, expressando algumas reservas sobre a peça.

Ora, isso é interessante: Atkinson, um homem perspicaz e perspicaz, sentiu que a peça estava enfraquecida porque não chegava a nenhuma conclusão moral. O dramaturgo não toma nenhuma posição no conflito & # 8221. Ele sentiu que Williams se limitou ao se recusar a cair de um lado ou do outro.

Williams escreveu uma nota para Atkinson em resposta:

Enfim uma crítica que se conecta diretamente com a essência do que eu pensava ser a peça! Refiro-me ao seu artigo de domingo, que acabei de ler com a mais profunda satisfação de qualquer um que o sucesso da peça me deu. Muitos dos outros, dizendo & # 8216alcoholic & # 8217, & # 8216nymphomaniac & # 8217, & # 8216prostitute & # 8217, & # 8216boozy & # 8217 e assim por diante pareciam & # 8211 embora agitados pela peça & # 8211 estar completamente fora do faixa, ou quase isso. Eu queria mostrar que as pessoas são não definíveis em tais termos, mas são coisas de múltiplas facetas e complexidade infinita que não se enquadram em & # 8220 qualquer rótulo conveniente & # 8221 e raramente são mais do que parcialmente visíveis, mesmo para aqueles que vivem do outro lado de & # 8220 os portiéis & # 8221. Você também tocou no meu principal problema: expandir meu material e meus interesses. Não consigo responder a essa pergunta. Eu sei e temo isso e só posso fazer mais esforço para estender meus sentimentos & # 8220 & # 8221 além do que senti até agora. Obrigado, Brooks.

O produtor David O. Selznick estava em processo de divórcio de Irene Selznick neste momento, mas ele enviou uma carta a ela em 17 de dezembro de 1947 após ler a primeira crítica de Atkinson & # 8217s:

Prezada Irene: Acabei de ler Brooks Atkinson & # 8217s rave Notice no Sunday & # 8217s New York Times & # 8230 Além disso, estou recebendo o telegrama mais entusiasmado de Bob Ross, que diz entre outras coisas que você & # 8220 um dos jogadas mais gratificantes, estimulantes e emocionantes em muitas temporadas, & # 8221 e & # 8220 um sucesso real e distinto. & # 8221 & # 8230 Por conseguinte, sinto-me justificado em enviar-lhe os parabéns mais entusiasmados e satisfeitos.É uma alegria saber que todas as minhas previsões de seu sucesso estão começando a se tornar realidade, e em grande estilo. Tenho certeza de que você está no caminho certo para ser reconhecido como o melhor e mais ilustre produtor do teatro # 8217s. Amo David

Curiosamente, Brando não foi destacado nas críticas. Tandy recebeu os verdadeiros elogios. É apenas em retrospecto que as pessoas parecem entender o que aconteceu. Mas os atores com certeza sabiam. E os diretores com certeza sabiam.

Aqui está o diretor Robert Whitehead em Brando em Bonde:

Não havia modelos para Brando. Sua relação com os sons e a realidade poética de Williams envolveu particularmente o que Tennessee escreveu, tanto em relação à idade quanto à sensibilidade de Marlon & # 8217, tudo funcionou & # 8230. Esse tipo particular de realidade existia de uma maneira que nunca existiu antes.

Aqui está Maureen Stapleton em Brando:

& # 8220Ele vai muito além do talento. It & # 8217s MACHO. Talento de It & # 8217s MAIS.”

Joan Copeland, atriz, irmã mais nova de Arthur Miller, disse:

Assistir [Brando no Bonde] foi como estar no olho de um furacão.

Dakin Williams (Tennessee Williams e irmão nº 8217):

Blanche é o Tennessee. Se ele lhe contasse algo, não seria necessariamente verdade. E Blanche diz em Streetcar, & # 8216Eu & # 8217não digo o que & # 8217 é verdade, digo o que deve ser verdade. & # 8217 E então tudo em Blanche era realmente como o Tennessee.


Tennessee Williams, em frente ao cenário que está sendo construído para a produção da Broadway de Streetcar Named Desire


& # 8216A Streetcar Named Desire & # 8217 foi a primeira parada de muitas estrelas importantes

Variedade declarou & ldquoA Streetcar Named Desire & rdquo, que foi inaugurado em 3 de dezembro de 1947, & ldquoa estrondoso sucesso. & rdquo Isso foi um eufemismo. A peça de Tennessee Williams se tornou um sucesso na Broadway, na estrada, e em sua adaptação para o cinema de 1951 ganhou o Pulitzer e se tornou um marco do teatro americano, tornando os personagens Stanley Kowalski e Blanche DuBois sinônimos de brutamontes sexy e tensos e frágeis mulheres, respectivamente. A produção então chocante confirmou os talentos de Williams, depois de seu 1944 & ldquoThe Glass Menagerie & rdquo, e do diretor Elia Kazan, cujo filme & ldquoGentleman & rsquos Agreement & rdquo ganhou o de melhor filme e diretor. & ldquoStreetcar & rdquo fez uma estrela de Marlon Brando, escalado depois que John Garfield recusou o papel. Jessica Tandy ganhou um Tony como Blanche, e houve muitos elogios para Karl Malden e Kim Hunter. Algumas semanas após a inauguração, Variedade a colunista Radie Harris disse que Irene Selznick se tornou & ldquothe mais comentado sobre o produtor na Broadway, homem ou mulher. & rdquo

O diretor Kazan recebeu um recorde de 20% dos lucros, além de sua participação semanal de 3% do bruto. A alta anterior de 15% havia sido reservada apenas para os principais escritores e diretores como George S. Kaufman e Moss Hart.

Popular na variedade

A linguagem poética de Williams e o tema da solidão provaram ser uma mistura potente com tópicos tabu, como os impulsos sexuais de uma mulher, o que era incrivelmente ousado em uma temporada de teatro que geralmente apresentava pratos saudáveis ​​como & ldquoMister Roberts & rdquo e & ldquoHigh Button Shoes. & Rdquo

A adaptação cinematográfica de 1951 reteve muito do material adulto, numa época em que Hollywood geralmente higienizava peças, como as adaptações de & ldquoGlass Menagerie & rdquo e, alguns anos depois, Williams & rsquo & ldquoCat on a Hot Tin Roof. & Rdquo

Recriando seu trabalho no palco no filme & ldquoStreetcar & rdquo estavam Kazan, Brando, Hunter e Malden. O único ignorado foi Tandy, com Vivien Leigh interpretando Blanche, um papel que ela havia criado em Londres.

VariedadeO crítico de & rsquos sentiu que o realismo do jogo & rsquos & ldquobrutal e a prosa incisiva & rdquo funcionaram ainda melhor na tela, graças à intimidade da câmera & rsquos com os personagens. Ele disse que a sensualidade franca da trama e do diálogo eram "uma narrativa perigosa para os filmes", uma vez que o código de padrões de Hollywood era estritamente aplicado. Mas ele elogiou muito o filme & rsquos & ldquosensitivity, shading and pignancy. & Rdquo

Ele também saudou o & ldquounique e comovente trilha sonora de Alex North & rdquo, o que ajudou a introduzir elementos do jazz na composição de filmes.

E em um artigo observando as grandes multidões em 1951, Variedade disse que a "publicidade exagerada" do filme ajudou a torná-lo um sucesso.

O filme foi indicado a 12 Oscars. & ldquoStreetcar & rdquo e & ldquoA Place in the Sun & rdquo foram considerados os dois favoritos para melhor filme, embora ambos tenham perdido para & ldquoAn American in Paris. & rdquo Leigh, Malden e Hunter ganharam Oscars, assim como a direção de arte de Richard Day, com decoração de cenário por George James Hopkins.


Homem metódico

No meio da "temporada de vitórias" da Broadway, em março de 1946, um anúncio indignado denunciando os críticos apareceu no Vezes. Assinado pela equipe de produção de Elia Kazan e Harold Clurman, o anúncio não conseguiu salvar o drama sobre o retorno dos veterinários, “Truckline Café”, de fechar após apenas treze apresentações. Mas a peça entrou para a história, graças a um discurso de cinco minutos feito por um ator pouco conhecido em um papel secundário: Marlon Brando, aos 21 anos, interpretou um ex-G.I. quando chega em casa e descobre que sua esposa foi infiel em sua cena final, ele entra exausto e muito molhado, e confessou que a matou e carregou seu corpo para o mar. Karl Malden, que desempenhou outro papel menor, relatou que o resto do elenco às vezes tinha que esperar quase dois minutos após a saída de Brando enquanto o público gritava e batia os pés. O desempenho foi tão notável pelo que Brando não fez quanto pelo que fez. Pauline Kael, ela mesma muito jovem e anos longe de uma carreira crítica, chegou tarde à peça uma noite e lembrou que desviou os olhos, envergonhada, do que parecia ser um homem tendo um ataque no palco: não era até que seu companheiro “agarrou meu braço e disse 'Olha esse cara!', que eu percebi que ele estava atuação.”

O triste destino de “Truckline Café” inspirou Kazan a formar o Actors Studio. De todo o elenco, apenas Brando e Malden tinham dado o tipo de performance que ele e Clurman queriam: natural e psicologicamente agudo, como as peças americanas contemporâneas exigiam. Seu ideal de atuação derivou de seus dias no Group Theatre, que floresceu nos anos 30 com peças vernáculas ousadas e politicamente conscientes - "Waiting for Lefty" de Clifford Odets foi seu primeiro grande sucesso - em que pessoas comuns eram retratadas de uma forma surpreendentemente realista estilo. (Os atores do grupo eram tão autênticos que às vezes era difícil entender o que diziam.) Essa revolução na atuação cresceu a partir dos relatos de Stanislávski sobre suas apresentações no Teatro de Arte de Moscou - uma abordagem conhecida simplesmente como Método - e, em sua busca para honestidade no palco, substituiu o treinamento teatral tradicional por exercícios destinados a despertar memórias pessoais, refinar poderes de observação e liberar a imaginação por meio da improvisação. O objetivo maior do Grupo era um teatro anti-Broadway e anti-comercial de poder e relevância. Para os atores, o objetivo era um paradoxo: emoção real, produzida na hora.

Embora o Grupo tenha se dissolvido na época em que Brando chegou a Nova York, em 1943, ele logo começou a ter aulas com um membro fundador, Stella Adler, que havia estudado com Stanislavsky, e a quem ele creditou como seu professor até o fim da vida. . (“Ela me ensinou a ser real”, escreveu ele, “e a não tentar expressar uma emoção que não experimentei pessoalmente durante uma apresentação.”) Adler parece ter levado menos de uma semana para decidir que os dezenove taciturnos -anos com as calças jeans rasgadas e a camiseta suja iria se tornar o “melhor ator da América”, mas ela sempre negou que lhe ensinou alguma coisa. Como sua colega Elaine Stritch comentou mais tarde, "Marlon ir para a aula para aprender o Método é como mandar um tigre para a escola na selva."

No entanto, os primeiros ensaios de Brando para "Truckline Café" foram desastrosos. Ele murmurou suas falas e não pôde ser ouvido além da quinta fileira de Kazan, que estava produzindo, preocupada que Adler - que era, não por acaso, casada com Clurman - tivesse feito alegações que seu protegido não poderia cumprir. Mas Clurman, que estava dirigindo, percebeu que o ator novato estava quase sufocado pelo sentimento, e pressionou até fazê-lo explodir. No final das contas, aquela temporada da Broadway foi o primeiro sinal de uma transição importante na arte, se não nos negócios, de atuação: Variedades enquete anual nomeou Laurence Olivier de Melhor Ator por interpretar Shakespeare e Sófocles na turnê com o Old Vic Brando da Inglaterra, em uma peça esquecível, ganhou o Jovem Ator Mais Promissor e ficou desempregado assim que fechou. Mas ele havia aprendido com todos os seus primeiros mentores que mesmo na América, privado de Shakespeare e Sófocles, o teatro era um empreendimento moralmente sério que tratava de temas importantes da vida. E assim, depois de um período embaraçoso em "Candida" de Shaw, o jovem ator mais promissor recusou "Present Laughter" de Noël Coward, exigindo imperiosamente: "Você não sabe que há pessoas morrendo de fome na Europa?" Ele recusou um contrato de sete anos a três mil dólares por semana com a M-G-M. Em vez disso, no outono de 1946, ele escolheu fazer uma peça que Ben Hecht havia planejado para arrecadar dinheiro para o transporte de refugiados judeus da Europa para a Palestina, durante a qual ele gritou para a plateia acovardada: "Onde você estava quando seis milhões de judeus estavam sendo queimado até a morte nos fornos de Auschwitz? ” Pode não ter sido arte, mas muitas pessoas preencheram formulários de doação inseridos em seus programas.

Brando não era a primeira escolha de ninguém quando, no verão seguinte, uma grande peça americana finalmente apareceu. "A Streetcar Named Desire", de Tennessee Williams, era a história de um polonês-americano de meia-idade altamente sexuado e mal-falado chamado Stanley Kowalski - outro veterinário com tendência violenta - que estupra uma mulher emocionalmente frágil e aristocrática, Blanche DuBois. O tema de advertência da peça foi descrito por Williams, que se identificou fortemente com Blanche, como "os macacos herdarão a terra." Kazan estava escalado para dirigir, Irene Mayer Selznick para produzir, e todos concordaram que John Garfield, não apenas uma estrela de cinema, mas também um graduado do Group Theatre que falava nas ruas, era a escolha certa para seu anti-herói. Foi só quando Garfield fez exigências impossíveis que Kazan, examinando sua aula de “iniciantes” no Actors Studio, decidiu se arriscar em Brando, embora ele fosse muito jovem para o papel. Fazendo testes para Williams, Brando era como um raio: elétrico e iluminador. Ele não apenas tinha o poder sexual que a peça exigia, mas também fornecia a chave para corrigir o que Williams tinha se preocupado com o desequilíbrio moral muito fácil de seu trabalho. Precisamente porque tinha apenas 23 anos, Brando humanizou o vingativo Stanley, reduzindo sua destrutividade obstinada ao que Williams descreveu com entusiasmo como "a brutalidade ou insensibilidade da juventude". O bem e o mal eram agora mais sutilmente combinados: não seria tão fácil tomar partido. Brando não tinha tanta certeza quanto Williams de ser um "Stanley enviado por Deus". Ele trabalhava devagar e parecia ter dificuldade em aprender suas falas. Selznick reclamava repetidamente que ela não conseguia ouvi-lo. Mas Kazan tinha fé, assim como Williams, cujo telegrama da noite de abertura para Brando previa: “Do polaco gorduroso, um dia você chegará ao sombrio dinamarquês”.

A essa altura, Kazan estava quase arrependido de que a peça, que Williams havia construído em torno da personagem de Blanche, parecia "o show de Marlon Brando". Sem mudar uma palavra, o ator parecia ter expandido o papel e virado o significado original de Williams de cabeça para baixo. Jessica Tandy, a atriz britânica que interpretou Blanche, ficou furiosa com o fato de o público rir junto com as piadas de Stanley às custas dela - como se ele fosse um cara normal colocando uma mulher arrogante em seu lugar - e espantada que isso abertamente estendeu sua simpatia mais aos carrasco do que a sua vítima. O motivo não era apenas a juventude de Brando: era a inocência cômica que alimentava as zombarias, a ternura perplexa por trás da dureza. O rosto acima do corpo musculoso era angelical, a dor que ele mostrou quando desabou e chorou porque sua esposa era abrasadora, elementar. E sua intensidade era quase insuportável. Um crítico escreveu que “Brando parece sempre à beira de derrubar o proscênio com as próprias mãos”. “Streetcar” foi um enorme sucesso e Tandy recebeu excelentes críticas, mas foi Brando que o público adorou. Além disso, as pessoas do teatro o reconheceram como a revolução há muito prometida na carne. Na opinião de Kazan, outros estavam dando ótimas performances, mas Brando estava "vivendo no palco", com o resultado de que ele desejava escapar da peça depois de apenas algumas semanas. Quantas vezes, dentro do cronograma, uma pessoa pode se despedaçar?

Ele tinha um contrato, no entanto, que o manteve quebrando pratos e lamentando sua alma por um ano e meio, durante o qual sua performance variava tremendamente de noite para noite. Finalmente livre, no final de 1949, ele acabou em Hollywood, onde hostilizou alegremente os monarcas locais (Louella Parsons escreveu que ele tinha “a ousadia de um pesquisador Kinsey”) e anunciou que logo voltaria aos palcos. Ele estava, no entanto, animado com seu primeiro filme, “The Men”, uma produção edificante de Stanley Kramer sobre um veterano paralítico cuja fiel noiva o tira do desespero e o leva à vida. Embora o filme não tenha ido bem - o assunto dos veteranos feridos perdeu seu fascínio quando a Guerra da Coréia começou - as críticas de Brando tendiam a variações extáticas da palavra "real". E ele se tornou conhecido por uma forma de trabalho correspondentemente real, embora peculiar: a publicidade enfatizava que ele havia passado três semanas vivendo em um hospital de veteranos entre paraplégicos, aprendendo como eles se moviam e o que sentiam. No set, o lento perfeccionismo de suas intermináveis ​​retomadas fez com que uma co-estrela resmungasse sobre "atuação em Nova York", que era exatamente o que Kazan queria quando, em 1950, começou a filmar "Bonde".

A partir da esquerda: Brando em “Truckline Café” em “A Streetcar Named Desire” no set de “On the Waterfront” ganhando o Oscar por “Waterfront” e no set de “The Godfather”. Fotografia de (da esquerda para a direita): Coleção Kobal Warner Bros / Coleção Neal Peters Sunshine / Retna George Silk / Time Life / Getty Steve Schapiro

Fotografia de (da esquerda para a direita): Coleção Kobal Warner Bros / Coleção Neal Peters Sunshine / Retna George Silk / Time Life / Getty Steve Schapiro

Com exceção de Vivien Leigh, como Blanche, todos os principais membros do elenco do filme fizeram parte da produção da Broadway e dificilmente precisaram fazer mais do que se reaproximar de seus papéis. Kazan, no entanto, não gostava de se repetir tanto quanto Brando, e ele aproveitou a fragilidade sublime de Leigh como uma forma de virar o jogo novamente e restaurar algo como o equilíbrio moral original de Williams. Brando, que sempre pensou que Tandy era mal-fundido, sentiu que Leigh era realmente a "borboleta ferida" de Williams e reagiu com uma carga emocional e sexual além de qualquer coisa que ele havia mostrado no palco. Visto contra este Blanche tragicamente simpático, no entanto, a brutalidade de Stanley era mais difícil de tolerar se ele não fosse um vilão, ele era um monstro extremamente charmoso, e o público estava desconfortavelmente implicado na destruição de Blanche por sua risada precoce e sua profunda atração por ele. Brando foi indicado ao Oscar (e também Leigh, que ganhou). No entanto, como resultado da vida misteriosa que ele colocou na performance desleixada, arranhando, suando, suas palhaçadas de tablóide e provavelmente alguma confusão pública sobre o tão elogiado Método - isso significava que um ator estava apenas interpretando a si mesmo? - ele foi amplamente descrito como o que ele ressentidamente chamou de "um babaca de jeans" e apelidou de "o homem de Neandertal".

Essa não era a única razão pela qual Brando odiava Stanley, de quem falava com um desgosto não muito diferente daquele sentido por Blanche DuBois. Em seu próximo filme, “Viva Zapata”, um esforço socialmente digno (dirigido por Kazan) sobre um revolucionário idealista, ele virtualmente desapareceu atrás de uma maquiagem “mexicana” pesada e um sotaque combinando. Embora essa exibição de amplitude lhe valesse outra indicação ao Oscar, o anúncio de que faria o papel de Marco Antônio em "Júlio César" foi saudado com grande alegria pelos comediantes do país, que não perderam tempo declamando "Amigos, romanos, conterrâneos" em um nasal, balido kowalskiano. O próprio Brando estava preocupado em parecer um idiota. Embora ele fosse um leitor ávido e memorizador de Shakespeare, sua experiência de atuação tinha se confinado a uma produção da escola de atuação de "Twelfth Night" e, mais recentemente, a insultar Vivien Leigh - então Sra. Laurence Olivier - com uma imitação extremamente precisa de O discurso de Olivier em Agincourt de "Henry V." O diretor de “Julius Caesar”, Joseph Mankiewicz, encontrou sua estrela estudando fitas de discursos de Olivier, John Barrymore e Maurice Evans, e reclamou que o resultado gentil o fez soar mais como June Allyson. Brando explicou mais tarde que o aspecto mais assustador de interpretar Shakespeare era confiar no texto escrito, já que ele havia aprendido a procurar ao redor e sob as palavras - em pausas, em gestos, em grunhidos e resmungos, até mesmo em silêncio - em busca de um senso de verdade.

Uma vez no set de "César", em 1952, ele pediu a John Gielgud, que estava interpretando Cássio, para fazer uma gravação dos discursos de Antônio, presumivelmente como um modelo de dicção e ênfase prosódica. Brando admirava Gielgud, mas não há um traço da música estilizada e carregada de vibrato do ator britânico na leitura austera e motivada do jovem americano. Para concordar com o resto do elenco, Brando adotou um sotaque britânico, mas a maneira como ele flexionou suas falas foi tão inesperada e tão sensata que as frases mais familiares assumiram uma urgência natural (“Emprestar me seus ouvidos! ”) E muito do resto parecia quase compensado na hora, como quando a sugestão de uma gagueira o faz vacilar em seu apelo:“ Tenha paciência, meu coração está no caixão lá com César e devo p-pausar até que volte para mim. " Os críticos ficaram entusiasmados - havia grande orgulho na ideia de que um americano Olivier pudesse estar por perto - e ele foi indicado a mais um Oscar. Gielgud ficou suficientemente impressionado para pedir a seu futuro aluno para participar de uma temporada de teatro que ele estava dirigindo na Inglaterra, onde Brando poderia cumprir a previsão de Tennessee Williams e interpretar Hamlet. Brando recusou. Ele parece ter sido a única pessoa que não acreditou que estava à altura do teste.

Em vez disso, ele fez um filme sobre motoqueiros. Era para ser mais um filme com consciência social, baseado em um incidente ocorrido em 1947, quando uma gangue de motociclistas aterrorizou uma cidade da Califórnia. Brando disse esperar que o filme explore as razões pelas quais os jovens estão recorrendo a comportamentos anti-sociais. Na verdade, a delinquência juvenil se tornou uma preocupação tão grande que uma subcomissão do Senado estava investigando suas causas. “The Wild One”, lançado em dezembro de 1953, não explorava tanto as causas, mas definia os termos de oposição da era: hipsters faladores versus quadrados, jaquetas de couro versus camisas e gravatas, liberdade de condução fácil versus o reto e estreito . Juventude versus idade. Um filme medíocre, estava apenas à frente de seu tempo para atingir um nervo: Jack Kerouac estava lutando para publicar seu livro sobre suas aventuras na estrada (assim que apareceu, ele implorou a Brando para fazer o filme) Elvis estava a um ano de distância de aparecer na TV nacional e ser chamado de "um guitarrista Marlon Brando". O Johnny de Brando, o líder da matilha, era um antídoto para aquela outra figura mítica dos anos cinquenta, o mortalmente conformista Homem no Terno Cinzento de Flanela. Mas, como com Stanley Kowalski, o ator era indistinguível do papel, e o próprio Brando passou a encarnar o mito rebelde. O roteiro deu uma dica da dor por trás da frieza de aço de Johnny, mas sua raiva e insatisfação eram implacáveis. Ao contrário dos heróis durões dos anos 40, com suas causas nobres ulteriores - ao contrário, digamos, de Bogart em “Casablanca” - Johnny não tinha ideia do que realmente queria. Na linha mais citada do filme, alguém pergunta: "Ei, Johnny, contra o que você está se rebelando?" E Brando responde, impassível, "O que você tem?"

O que havia de real no ator mais real de todos eles? O que ele extraiu durante aquelas improvisações ou ensaios quando, por treinamento e por instinto, para ir mais longe ele teve que ir para dentro? “O tormento que estava por trás da arte de Brando é o assunto deste livro”, Stefan Kanfer começa “Alguém: A vida imprudente e a carreira notável de Marlon Brando” - a primeira biografia a aparecer desde a morte de Brando, aos oitenta, em 2004 - porque, como Kanfer explica, “a angústia interna do homem foi o que o levou às alturas de sua vocação”. Examinando uma carreira que se estendeu por mais de cinco décadas e trinta e oito filmes, Kanfer afirma que Brando, único entre os atores, “trabalhou sem máscara”. Enquanto outros atores preservam os limites entre suas vidas privadas e suas performances, "tal fronteira não existia entre Brando, o ator, e Brando, o homem", ambos os quais aparentemente sofreram com o que Kanfer, assistido por vários psiquiatras, chama de "transtorno desafiador de oposição" “Transtorno de personalidade narcisista” e uma “fixação oral”. Isso não é inteiramente novidade: há muito tempo Harold Clurman escreveu que a atuação de Brando teve "sua origem no sofrimento", e Peter Manso, o autor de uma biografia anterior, consultou seu próprio grupo de psiquiatras para diagnosticar a "personalidade dissociada" do ator, "maníaco - alterações depressivas de humor ”e“ ansiedades quanto à identidade sexual ”, entre outras aflições. (Brando parece ter dormido com um número incerto de homens e um número impressionante de mulheres durante sua vida.) Mas nada se compara à afirmação de Kanfer de que o "Rosebud na vida de Brando" era "a doença mental que o perseguiu por décadas", uma doença que tornava suas realizações ainda mais uma maravilha e seus fracassos nenhuma surpresa.

Brando poderia ter concordado. Em seus últimos anos, ele contou sua história e explicou livremente seu impacto, começando com o fato de que ele nasceu em 1924 em Omaha, Nebraska, de uma mãe que "me abandonou por uma mamadeira quando eu era pouco mais que um bebê", e quem passou a beber sua infância, seu pai também era um alcoólatra, embora no caso dele o maior problema fosse sua incapacidade de mostrar ao filho qualquer afeto ou aprovação. Suas duas irmãs deram algum apoio, e uma jovem babá deu algo como amor, mas ela foi embora um dia sem se despedir: ele havia sido abandonado duas vezes e, ele escreveu, “meu mundo desabou”. Ele foi reprovado no jardim de infância e não se saiu muito melhor na escola com o passar dos anos. Ele gaguejava muito e parecia ter sido disléxico, de modo que ler em voz alta na aula era uma agonia que alguns que o conheciam na época sugeriram, em entrevistas com Manso, que essa era a fonte das famosas pausas e murmúrios obscuros. Sempre o menino mau da classe, ele foi expulso da escola militar que deveria lhe ensinar disciplina. Além dos esportes, e apesar de seus problemas iniciais de fala, drama era o único assunto em que ele se destacava.

Atuar, que por outro método poderia ter fornecido uma fuga, era para ele uma maneira de sondar suas profundezas. Ele descreveu seu trabalho com Adler como “psicoterapêutico”, ensinando-o não apenas sobre teatro, mas sobre si mesmo. Durante seus primeiros anos em Nova York, sua mãe foi morar com ele por um tempo - ela era uma aspirante a atriz e uma alma poética, algo como uma Blanche DuBois - e quando ela voltou para seu pai, Brando confessou que ele teve um colapso nervoso. Na época em que estava no “bonde”, os ataques de pânico haviam piorado tanto, e ele estava com tanto medo de que em sua raiva pudesse matar alguém, que começou a consultar um psiquiatra recomendado por Kazan. Cinco anos depois, em 1953, ele disse a Kazan que a única razão pela qual concordou em fazer "On the Waterfront" foi que a locação de Nova Jersey permitia que ele ficasse perto de seu psiquiatra. Seu contrato incluía o direito de sair cedo todas as tardes para fazer seu sessão.

Brando inicialmente se recusou a aparecer em "On the Waterfront", devido ao choque e desapontamento de Kazan, que ele alegou ser o melhor diretor com quem já trabalhou, testemunhou como uma testemunha "amigável" perante o Comitê de Atividades Não Americanas da Câmara, não apenas confessando sua antiga filiação ao Partido Comunista, mas traindo velhos amigos do Group Theatre. Kazan mais tarde admitiu que o filme foi uma tentativa de desculpar e até mesmo glorificar suas ações - ou, como disse Brando, uma tentativa de justificar “finking” em seus amigos. Nesse cenário, o ingênuo ex-boxeador Terry Malloy aos poucos percebe que é seu dever moral denunciar seus amigos gângsteres antes de uma comissão governamental: esse ato corajoso o torna um homem e um herói. É duvidoso que muitos espectadores tenham visto uma conexão entre comunistas e mafiosos, mas o controle emocional do filme e sua autenticidade visual sem precedentes o tornaram um triunfo.

Filmado nos píeres de Hoboken durante um inverno gelado, com um elenco retirado quase inteiramente do Actors Studio e apoiado por uma população de estivadores autenticamente desgastados, "On the Waterfront" sinalizou um novo tipo de estilo neorrealista anti-Hollywood de filmagem. menos do que os pintores revolucionários de Hudson, Kazan e companhia poderiam ser chamados de escola de Nova York. Mas o sucesso do filme também se deveu a Brando, que segundo todos os relatos inventou Terry tanto quanto o interpretou, alterando livremente palavras e cenas com um senso infalível do que o menino gentil e torturado faria. Kazan, que considerou esta atuação a melhor já dada por um homem no cinema americano, falou da importância de Brando ter sido capaz de se basear em sua própria “dor”, “dúvida” e “conflito interno”, mas ele também escreveu sobre o profissionalismo e o talento excepcional do ator - sem os quais nenhuma angústia teria feito o trabalho. Quanto a Brando, ele disse que estava "tão frio lá fora que não dava para exagerar".

“On the Waterfront” ganhou oito Oscars - incluindo Oscar para Brando e Kazan - mas não provou ser o começo de algo, mas o fim. Nenhuma escola independente de cinema se desenvolveu a partir dele, e a crueza de Hollywood só parecia piorar à medida que os estúdios lutavam contra a nova ameaça da televisão, cortejando o público por meio das cores e do espetáculo. Brando, que havia baixado a guarda o suficiente para assinar um contrato de dois filmes, foi designado para um épico histórico inchado intitulado “O Egípcio”, do qual ele fugiu assim que as filmagens começaram. Processado pelo estúdio por dois milhões de dólares, ele foi oficialmente dispensado do filme somente depois que sua mãe morreu repentinamente, em março de 1954, e ele concordou em interpretar Napoleão em outro peru histórico, "Désirée" em seu lançamento, ele anunciou que ele havia deixado sua maquiagem desempenhar o seu papel. Tempo, em uma história de capa que apresentava Brando em seu nariz adunco napoleônico e dragonas, focada no significado deste filme notavelmente insignificante: se Brando se preocupava em atuar como uma arte, o que havia para ele em Hollywood? No entanto, retornar ao palco não era mais promissor, uma vez que a Broadway raramente produzia trabalhos de primeira linha, e "não há teatro de repertório nos EUA em que um jovem ator possa tentar os grandes papéis pelo tamanho". Em comparação com as carreiras de seus colegas europeus (Olivier, é claro, ou Jean-Louis Barrault, na França), até os papéis que ele já havia desempenhado eram tristemente limitados, muitos deles sendo “variações do tema Kowalski”. Essas perguntas se repetiram em todos os filmes que Brando fez nos dezoito anos seguintes. Aqui estava, finalmente, o grande ator americano: não uma cópia de um ator britânico ou um mero ídolo de matinê, mas alguém original, contemporâneo e único representante da cultura. Mas o que a cultura poderia produzir para ele fazer?

A resposta foi "Guys and Dolls", "The Teahouse of the August Moon", "Sayonara", "The Young Lions", "The Fugitive Kind", "One-Eyed Jacks" e "Motiny on the Bounty", apenas para trazer sua carreira para os anos sessenta. Dificilmente se pode duvidar de seu desejo de romper com o “tema Kowalski”. Ele interpretou um elegante gangster que cantava (um pouco), um criado japonês, um oficial americano, um oficial nazista, um garanhão sulista, um bandido de fronteira e um almofadinha britânico aristocrático. Ele até dirigiu, no caso de "One-Eyed Jacks", um faroeste edipiano bizarro que parece quase uma ilustração da tese de Kanfer: um vilão chamado Dad trai o herói (Brando como Rio the Kid, inevitavelmente chamado de Kid), provocando um consumindo desejo de vingança, embora papai punisse ainda mais o Garoto com uma chicotada cruel, o Garoto finalmente consegue e atira em seu pai, matando-o. Foi o primeiro filme feito pela produtora de Brando, Pennebaker Productions, fundada em 1955 com o nome de solteira de sua mãe, e com seu pai como empregado chefe - um abrigo fiscal padrão de Hollywood que ele dedicou a fazer filmes "importantes" de "valor social. ” Pennebaker produziu pouquíssimos filmes durante sua existência, mas esse idealismo permeou a obra de Brando, e ele agora tinha o poder de reescrever os roteiros e os personagens remodelados para apresentar seus pontos de vista: por insistência dele, o nazista de “Os Jovens Leões” viu o erro de seus caminhos e ascendeu à iluminação ética, o soldado tipo Pinkerton de “Sayonara” superou o racismo da sociedade e se casou com a mulher japonesa que amava. Por meio da influência incomensurável do cinema, Brando acreditava que também poderia ajudar a remodelar a realidade.

Com objetivos tão elevados, porém, todo projeto, mais cedo ou mais tarde, seria uma decepção. Em resposta às suas frustrações, ele causou problemas no set, recusou-se a aprender suas falas, comia tão compulsivamente que teve de ser equipado com novos trajes em tamanhos cada vez maiores - a linha entre a autoindulgência e o autodesprezo torna-se difícil localizar. E ele custou aos estúdios uma fortuna, pois filme após filme fracassou. Mesmo assim, o rosto na tela era tão atraente que a questão do que fazer com seu talento continuava sendo uma espécie de fardo nacional. Truman Capote, em um perfil mordaz do final dos anos 1950, retratou o ator como um chato e um poseur, mas pressionou-o seriamente sobre quando ele retornaria para interpretar os “papéis do Monte Everest na literatura teatral”. No final dos anos 60, Pauline Kael, com as esperanças de sua carreira seriamente abaladas, observou que "sua grandeza está em uma faixa que é muito perturbadora para ser abrangida por filmes regulares". Mas que outro tipo havia?

Brando teve bons motivos para escolher muitos de seus filmes nestes anos sombrios: “The Ugly American” e “Burn!” girando em torno de questões políticas sérias, havia um jovem diretor talentoso, Arthur Penn, por trás de "The Chase", e um lendário diretor, Charlie Chaplin, por trás de "A Countess from Hong Kong" "Reflections in a Golden Eye" ofereceu o papel de estilhaçar a imagem de um oficial do Exército homossexual rigidamente reprimido. Suas atuações variaram de tão boas quanto possível em circunstâncias mortais ("The Chase", "A Countess from Hong Kong") a brilhante ("Golden Eye"), mas não houve nenhuma outra carreira que ilustra tão claramente o quão complexo é um trabalho de arte um filme realmente é, e quantas forças ele requer - de qualquer gênio - para torná-lo certo.

Mesmo quando suas fotos eram claramente ruins, ele se esforçava para manter algum propósito - ele lutou contra os estereótipos indianos usuais no filme de caubói "O Appaloosa" -, mas seu senso de realização não tinha mais a ver com seu trabalho, a não ser ganhando o dinheiro necessário para sustentar duas ex-esposas, uma terceira esposa que fora sua co-estrela taitiana em “Mutiny on the Bounty” e um número crescente de filhos. Em busca de um significado para sua vida, em 1963 ele se tornou um defensor vocal do movimento pelos direitos civis, levantando dinheiro para Martin Luther King Jr. e juntando-se à marcha sobre Washington. Era fácil presumir que ele não passava de um diletante político, principalmente depois que se envolveu com os Panteras Negras - descobri que Bobby Seale era um grande fã de "The Wild One" - e era frequentemente criticado por se distrair , e por desaparecer em um atol particular que ele comprou no Taiti. Não há dúvida, porém, de que ele ficou profundamente comovido quando King foi baleado, em 1968, e provavelmente falava sério quando anunciou que estava deixando o cinema inteiramente para trabalhar pelos direitos civis. Mas a essa altura era mais correto dizer que os filmes o estavam abandonando. Com o fracasso do incendiário “Burn!” nas bilheterias, em 1969, ele completou uma década inteira de fracassos comerciais. Ele estava, em suas próprias palavras, “esgotado e desempregado”, quando Mario Puzo ligou.

Puzo tinha Brando em mente o tempo todo enquanto escrevia “O Poderoso Chefão”, que foi comprado pela Paramount antes de ele terminar o livro. Apenas Brando, disse ele, poderia trazer a “força silenciosa e ironia” que ele queria para Don Corleone, patriarca da família e honrado assassino. Embora os executivos do estúdio se recusassem a considerá-lo, o jovem diretor que eles contrataram para o que consideravam um filme de gângster de baixo orçamento, Francis Ford Coppola, tinha coisas maiores em mente e argumentou que Don Corleone deveria ser interpretado por um dos dois maiores atores vivos: Olivier ou Brando. Como Olivier estava doente demais para trabalhar, Coppola conspirou com Brando para superar os escrúpulos da Paramount. Brando até concordou em fazer um teste de tela, principalmente para mostrar que, aos 47 anos, ele era capaz de envelhecer os 20 anos exigidos. Ele encheu as bochechas para criar papadas ("o rosto de um bull dog", disse ele com satisfação, "malvado, mas quente por baixo") e criou uma voz leve e não ameaçadora baseada em fitas do mafioso Frank Costello: poder real faz outras pessoas se inclinarem para ouvir. No entanto, ele não conseguia ou não se lembrava de suas falas. Ele os escreveu nas algemas, manteve os cartões de dicas presos por todo o conjunto. Quando desafiado por Coppola, ele afirmou que isso era necessário para sua espontaneidade: “As pessoas reais não sabem o que vão dizer. Suas palavras costumam ser uma surpresa para eles. É assim que deve ser em um filme. ” Se esse era realmente o motivo ou não, funcionou. Os toques de improvisação de Brando estão entre os aspectos mais memoráveis ​​do personagem: parar para cheirar uma rosa enquanto nega ser um assassino, de repente estapeando um jovem chorão, moldando uma casca de laranja em um conjunto de presas quando Don brinca com seu neto em um jardim de verão. Nada disso estava no roteiro, mas simplesmente aconteceu quando as câmeras começaram a rodar. Embora Coppola diga que Brando nunca pediu mudanças no diálogo, ele aparentemente deixou claro seus sentimentos sobre isso, reclamando em um ponto - como se olhando para o herói que ele havia interpretado tantas vezes - “Só uma vez, eu gostaria de ver isso cara não inarticulado. Eu gostaria de vê-lo se expressar bem. ”

“Eu sou um homem branco em um estado vermelho votando para um presidente negro, ou um homem azul em um estado branco votando para um presidente verde?”

“O Poderoso Chefão” não foi apenas a redenção de Brando, mas de Hollywood, provando que um grande filme comercial pode ser uma obra de beleza e significado. Foi um épico americano e, por algum tempo, pelo menos, tirou o ferrão oximorônico do termo "cultura de massa". Todos concordaram que era o tipo de filme que Brando deveria ter feito o tempo todo. No outro extremo do espectro populista, também estava seu próximo filme, "Last Tango in Paris", um filme de arte europeu que usava sexo simulado e um verniz de chique existencial para fazer pela pornografia o que "O Poderoso Chefão" fez por policiais e ladrões . O diretor Bernardo Bertolucci fez o papel só para Brando. Ou melhor, ele pediu a Brando para criar o papel: “Ele queria que eu interpretasse eu mesmo, improvisasse completamente e retratasse Paul” - um americano expatriado em Paris, que tem um intenso caso com uma linda garota - “como se ele fosse um espelho autobiográfico de mim. ” Brando estava mais do que disposto a obedecer.Então, quando Paul diz à menina que "meu pai era um bêbado, durão, puta-filho da puta, lutador de bar" e "minha mãe era muito poética e também uma bêbada", a vida que Brando estava expondo era sua, e ele parece chegaram ao cruzamento preciso entre o Método e a psicanálise. O resultado, ainda mais emocionante por ter sido banido por obscenidade na Itália, foi saudado como uma obra-prima distintamente moderna. Pauline Kael comparou sua estreia à de "Rite of Spring" de Stravinsky e declarou a atuação de Brando como a realização de sua atuação não atuante em "Truckline Café", vinte e seis anos antes. “Paul parece tão‘ real ’e o personagem é trazido tão perto”, escreveu ela, “que uma nova dimensão na atuação na tela foi alcançada”.

“The Godfather” foi lançado na primavera de 1972, e “Last Tango” estreou no Festival de Cinema de Nova York naquele outono. Foi um tour de force duplo, o vovô italiano seguido pelo garanhão de arte, e Brando trouxe a velha intensidade e uma nova dignidade triste para ambos. Talvez ele devesse ter parado ali por um tempo, parecia que ele iria. Ele seguiu sua notória rejeição ao Oscar por "O Poderoso Chefão", quando ele fez uma mulher apache fazer um discurso sobre os maus tratos de Hollywood aos índios, três anos imerso em causas indígenas. Ele falou sobre fazer um filme sobre a história da Índia, mas nunca foi a lugar nenhum, e quando ele voltou ao que Kael chamou de filmes “normais” - roteiros ruins, sem roteiros, ninguém para controlá-lo - algum elo final de disciplina se foi. Ele estava recebendo honorários enormes, mas seu desempenho no incoerente "Missouri Breaks" foi exagerado, com desprezo na época de "Apocalypse Now", em 1979, ele havia ganhado tanto peso que Tennessee Williams sugeriu que ele estava sendo pago por a libra. Brando escreveu mais tarde que a investigação emocional de “Last Tango” foi tão devastadora que “nas fotos subsequentes, parei de tentar vivenciar as emoções de meus personagens” e comecei “simplesmente a representar o papel de uma forma técnica”. Ele tinha certeza de que “o público não sabe a diferença”. É impossível saber se ele estava tentando explicar ou apenas justificar o que se tornou. Em 1980, interpretando um velho e gordo magnata do petróleo em "A Fórmula", ele usava um transmissor de rádio disfarçado de aparelho auditivo, sem se dar ao trabalho de usar cartões de sinalização, ele agora tinha suas falas lidas diretamente em seus ouvidos.

Pelo resto da década, Brando desempenhou apenas um pequeno papel, em um único filme, “A Dry White Season”, sobre o apartheid sul-africano. Ele fez isso por escala: cerca de quatro mil dólares. No resto do tempo, “Eu estava contente fazendo outras coisas: viajar, pesquisar, explorar, buscar.” Em casa em Beverly Hills, ele consultou um psiquiatra várias vezes por semana, aprendendo lentamente a "ser a criança que nunca tive a chance de ser". Ao mesmo tempo, divorciado de novo e pai de nove filhos (segundo ele, o número real é incerto), ele tentava “conhecer melhor meus filhos”. Os esforços envolvidos nessas duas aventuras - tornar-se filho, tornar-se pai - raramente eram compatíveis. Não pode ser surpresa que os filhos de Brando tiveram uma infância aparentemente não mais feliz do que a dele. Seu filho mais velho, Christian, fora viciado em drogas e álcool desde a adolescência, e abandonou o colégio em sua nova tentativa de aproximação. Brando propôs que eles estudassem juntos - Brando tinha sessenta e três anos, Christian vinte e oito - mas Brando não conseguia acompanhar e abandonar o projeto. Um destino semelhante acompanhou todos os projetos utópicos que ele sonhou para seu paraíso no Taiti: seria um local de encontro para artistas e intelectuais, haveria experimentos ecológicos que levariam a descobertas em energia solar e eólica. Cientistas contratados encontrariam uma maneira de processar algas em um suplemento protéico para nações do Terceiro Mundo. Em vez disso, ele viu seu equipamento caro enferrujar e seus planos desmoronarem. Discutindo poesia com um entrevistador lá um dia - “A canção de amor de J. Alfred Prufrock” havia surgido - ele comentou: “Se as sereias não podem cantar para mim aqui, Cristo, elas nunca o farão.”

Em 1990, Christian Brando atirou no namorado taitiano de sua meia-irmã grávida - à queima-roupa, por trás, na cabeça - no covil da casa de seu pai em Beverly Hills. O julgamento hipnotizou a imprensa, e alguns (incluindo o pai do menino morto) consideraram a atuação de Papa Brando no banco das testemunhas uma das melhores que ele já deu: soluçando, atordoado e muitas vezes incoerente, ele se desculpou miseravelmente pelo que jurou ter foi um acidente terrível. No final, Christian se confessou culpado de homicídio voluntário e recebeu uma sentença de dez anos. Brando, sobrecarregado com enormes contas legais, começou a trabalhar em sua autobiografia.

O preço do livro foi de cinco milhões de dólares, sua primeira estipulação foi que não deveria conter nada sobre seus filmes (não é importante o suficiente) ou seus casamentos e filhos. Embora tenha sido convencido a discutir os filmes, o tema central e irreprimível de “Canções que minha mãe me ensinou”, que apareceu em 1994, foi sua infância e o que se pode chamar de vida psiquiátrica que se seguiu a ela. Infelizmente, até mesmo seus melhores impulsos são reduzidos à linguagem do sofá: “Frustrado em minhas tentativas de cuidar de minha mãe, suponho que em vez disso tentei ajudar índios, negros e judeus”. Seus comentários sobre atuação são impressionantes, no entanto, seja pelo pouco respeito que ele dá a suas próprias realizações - "para eu entrar em um set de filmagem e interpretar Marco Antônio sem mais experiência foi estúpido" - ou sua rejeição do domínio de Hollywood no cinema internacional e televisão como “uma tragédia”. Mas, além da autodegradação do filho não amado de setenta anos, vale a pena considerar o argumento de Brando de que, em certo sentido, toda a sua carreira foi um erro.

“Geralmente os atores não percebem o quão profundamente afetada a técnica de atuação foi pelo fato de Stella ter ido para a Rússia e estudado com Stanislavsky”, Brando escreve sobre sua amada professora, Stella Adler, meio século depois de estudar com ela em Nova York . E ele acrescenta, modestamente: "Praticamente todas as atuações em filmes hoje derivam dela". Claro, a maioria dos atores diria que vem de Brando: o homem que trouxe aquelas teorias ligeiramente incríveis sobre realismo e honestidade e um novo tipo de arte para a tela. E nenhum dos filmes horríveis, além dos gloriosos seis ou oito, que são seu legado principal, causou qualquer dano a seu exemplo ou reputação. Ele é o criador de uma tradição que se estende de James Dean (“O Sr. Dean parece estar usando meu guarda-roupa do ano passado”, Brando zombou no lançamento do primeiro filme de Dean, em 1955, “e usando meu talento do ano anterior”) até Robert De Niro e Al Pacino e além. Jack Nicholson, falando em nome de atores americanos, disse: “Ele nos deu nossa liberdade”. Mas os pensamentos de Brando sobre sua herança continuam: "Esta escola de atuação serviu bem ao teatro e ao cinema americano, mas era restritiva." Apesar de todos os ganhos, algo essencial havia se perdido, ou, melhor, nunca teve a chance de se desenvolver: uma capacidade americana de "apresentar Shakespeare ou drama clássico de qualquer tipo de forma satisfatória". A única performance contemporânea que Brando discute com admiração extasiada é “Henry V.” de Kenneth Branagh. “Na América, não podemos abordar esses refinamentos”, escreve ele. “Simplesmente não temos estilo, consideração pela língua ou disposição cultural.” E provavelmente estamos mais longe depois de Brando do que antes. Stella Adler, falando tarde na vida sobre os papéis que seu ex-protegido teve não interpretado, respondeu a uma pergunta sobre se Brando era realmente um grande ator, "Nunca saberemos."

No entanto, havia uma maneira pela qual os estilos contrastantes estavam de acordo, uma verdade mais profunda e satisfatória sobre a verdade na ação. “Se você não é bom em improvisar, você não é um ator”, Brando insistiu em sua última entrevista importante, com Pedra rolando, em 2002, apenas dois anos antes de sua morte. Ele estava ministrando um workshop de atuação - com a ajuda de Leonardo DiCaprio e Sean Penn - para um grupo seleto que incluía o equilibrista Philippe Petit, um dos guarda-costas de Michael Jackson, vários alunos locais de atuação e um homem que ele encontrou vasculhando o lixo fora do estúdio. Ele estava colocando o grupo em muitas improvisações e, pela primeira vez em anos, estava gostando de seu trabalho. Ainda falando sobre improvisação, ele informou ao entrevistador sobre outra fonte da tradição que ele involuntariamente fundou. “Há um discurso de‘ Hamlet ’que se aplica a todos os artistas”, explicou ele, “mas certamente se aplica aos atores:“ ‘Para manter como 'twere o espelho da natureza.'Para ser natural. ” Isso não resumiu as lições que ele estava tentando passar? E então, contra todas as expectativas sobre quem ele era e o que ele representava, Brando recuou algumas linhas e lançou-se no solilóquio de Hamlet - Ato III, Cena 2 - de memória: "Deixe sua própria discrição ser seu tutor. Adapte a ação à palavra, a palavra à ação, com esta observância especial, que você não ultrapassa a modéstia da natureza: pois qualquer coisa tão o'erdone vem do propósito de jogar, cujo fim, tanto no primeiro como agora, era e é, manter como 'twere o espelho da natureza."" E assim por diante ", disse Brando ao cara da Pedra rolando. “Diz tudo.” ♦


Brando leva a Broadway: a vida no set de & # 8216A um bonde chamado desejo & # 8217 em 1947

Junto com Arthur Miller & # 8217s Morte de um Vendedor, Eugene O & # 8217Neill & # 8217s Long Day & # 8217s Journey Into Night e algumas outras obras modernas notáveis, Tennessee Williams & # 8217 1947 obra-prima, Um Bonde Chamado Desejo, ajudou a moldar a aparência do drama americano nas décadas seguintes. Mas nada do que aconteceu durante a apresentação original da peça & # 8217 na Broadway eclipsou o surgimento de um jovem Marlon Brando como uma grande força criativa e uma estrela a ser reconhecida. Décadas após a estreia original na Broadway em 3 de dezembro de 1947, LIFE.com apresenta fotos & # 8212 algumas das quais nunca foram publicadas na revista & # 8212 tiradas durante os ensaios pelo fotógrafo Eliot Elisofon.

Dirigido por Elia Kazan e estrelado por Brando, Jessica Tandy, Kim Hunter e Karl Malden, a produção de 1947 permanece uma pedra de toque no drama americano, ganhando o Prêmio Pulitzer e o New York Drama Critics & # 8217 Circle para o ano e melhor peça # 8217s, bem como um Tony de Melhor Atriz por Tandy por sua performance seminal como a instável, alcoólatra e melodramática belle sul, Blanche DuBois. Apesar de todos os elogios que ganhou, no entanto, o Brando de 24 anos & # 8217s galvanizando a virada como Stanley Kowalski & # 8212 tanto na peça quanto na adaptação cinematográfica de Kazan & # 8217s 1951 & # 8212 foi o que realmente marcou a produção na cultura pop consciência.

Arrojada, sensual, violenta e sombria, a grande peça de Williams e # 8217 continua sendo uma de um punhado de obras dramáticas americanas absolutamente indispensáveis ​​do século 20, enquanto a ferocidade sensual de Stanley de Brando e # 8217 ainda pode chocar, sete décadas depois que ele lançou o personagem pela primeira vez um público extasiado que vai ao teatro.

Um bonde chamado desejo 1947

Kim Hunter (à esquerda), Marlon Brando, Karl Malden e outros no ensaio para a produção original de & # 8216A Streetcar Named Desire. & # 8217 (Eliot Elisofon / The LIFE Picture Collection)

Um bonde chamado desejo 1947

Jessica Tandy como Blanche Dubois (Eliot Elisofon / The LIFE Picture Collection)

Um bonde chamado desejo 1947

Marlon Brando e Kim Hunter. (Eliot Elisofon / The LIFE Picture Collection)

Um bonde chamado Desejo, 1947

Eliot Elisofon The LIFE Picture Collection / Shutterstock

Um bonde chamado Desejo, 1947

Eliot Elisofon The LIFE Picture Collection / Shutterstock

Um bonde chamado Desejo, 1947

Eliot Elisofon The LIFE Picture Collection / Shutterstock

Um bonde chamado desejo 1947

Eliot Elisofon The LIFE Picture Collection / Shutterstock

Um bonde chamado desejo 1947

Eliot Elisofon The LIFE Picture Collection / Shutterstock

Tennessee Williams no set de Streetcar Named Desire

Eliot Elisofon The LIFE Picture Collection / Shutterstock


O jogo

Neste dia de 1947, o famoso grito de & quotSTELLA! & Quot de Marlon Brando estourou em um palco da Broadway, eletrizando o público no Ethel Barrymore Theatre durante a primeira apresentação da peça de Tennessee Williams & # 39 Um Bonde Chamado Desejo.

Brando, de 23 anos, interpretou o áspero polonês-americano Stanley Kowalski, cujo violento confronto com Blanche DuBois (interpretada na Broadway por Jessica Tandy), uma beldade sulista com um passado sombrio, está no centro de Williams & # 39 drama famoso. Blanche vem para ficar com sua irmã Stella (Kim Hunter), esposa de Stanley e # 39s, em sua casa no French Quarter de New Orleans, ela e Stanley imediatamente se desprezam. Na cena culminante, Stanley estupra Blanche, fazendo com que ela perca seu frágil controle sobre a sanidade e a peça termina com ela sendo levada em uma camisa de força.


Conteúdo

Blanche DuBois, uma professora de inglês de meia-idade, chega a Nova Orleans. Ela pega um bonde chamado "Desire" [5] para o French Quarter, onde sua irmã, Stella, e o marido de Stella, Stanley Kowalski, moram em um apartamento dilapidado. Blanche afirma estar de licença de seu emprego de professora devido a seus nervos e quer ficar com Stella e Stanley. A maneira recatada e refinada de Blanche contrasta fortemente com o comportamento rude e brutal de Stanley, tornando-os mutuamente cautelosos e antagônicos. Stella gosta de ter sua irmã como convidada, mas Blanche sempre a trata com condescendência e a critica.

Blanche revela que a propriedade da família, Belle Reve, foi perdida para os credores, e Blanche está falida e não tinha para onde ir, pois ficou viúva ainda jovem após o suicídio do marido. Quando Stanley suspeita que Blanche pode estar escondendo uma herança, ela mostra a ele a prova da execução da hipoteca. Stanley, em busca de mais provas, derruba alguns dos papéis particulares de Blanche no chão. Chorando, ela os reúne, dizendo que são poemas de seu marido morto. Stanley explica que estava apenas cuidando de sua família e, em seguida, anuncia que Stella está grávida.

Blanche conhece o amigo de Stanley, Mitch, cuja maneira cortês é um contraste com os outros amigos de Stanley. Mitch é atraído pelo charme da paquera de Blanche e um romance floresce. Durante uma noite de pôquer com seus amigos, Stanley explode em uma fúria bêbada, atingindo Stella e terminando o jogo Blanche e Stella fogem escada acima para o apartamento da vizinha Eunice. Depois que sua raiva diminui, Stanley berra com remorso por Stella do pátio abaixo. Irresistivelmente atraída por sua paixão física por ele, ela vai até Stanley, que a leva para a cama. Na manhã seguinte, Blanche pede que Stella deixe Stanley, chamando-o de animal subumano. Stella discorda e quer ficar.

Conforme as semanas se transformam em meses, a tensão aumenta entre Blanche e Stanley. Blanche está esperançosa com relação a Mitch, mas a ansiedade e o alcoolismo a fazem vacilar em um colapso mental enquanto antecipa um pedido de casamento. Finalmente, Mitch diz que eles deveriam ficar juntos. Enquanto isso, Stanley descobre a história oculta de Blanche de instabilidade mental, promiscuidade e demissão por dormir com um aluno menor de idade. Stanley então passa esta notícia para Mitch, com pleno conhecimento de que isso encerrará as perspectivas de casamento de Blanche e a deixará sem futuro. Stella com raiva culpa Stanley pela revelação catastrófica, mas a luta é interrompida quando Stella entra em trabalho de parto.

Mais tarde, Mitch chega e confronta Blanche sobre as alegações de Stanley. Ela inicialmente nega tudo, depois começa a confessar. Ela implora por perdão, mas Mitch, magoado e humilhado, quase termina o relacionamento. Mais tarde naquela noite, enquanto o trabalho de parto de Stella continua, Stanley retorna do hospital para dormir um pouco. Blanche, vestida com um vestido velho esfarrapado, finge que está partindo em uma viagem com um velho admirador. Ela conta conto após conto sobre seus planos fictícios para o futuro, e ele destrói impiedosamente suas ilusões. Eles se envolvem em uma luta, após a qual Blanche é mostrada em um estado psicótico regredido, sugerindo que Stanley pode tê-la estuprado.

Semanas depois, durante outro jogo de pôquer no apartamento Kowalski, Stella e Eunice estão empacotando os pertences de Blanche. Blanche, que acredita estar saindo de férias, sofreu um colapso mental completo e está sendo internada em um hospital psiquiátrico. Blanche contou a Stella o que aconteceu com Stanley, mas Stella não acreditou nela. Quando um médico e uma enfermeira chegam para remover Blanche, ela resiste e desmaia, totalmente confusa. O médico gentilmente oferece o braço a Blanche, e ela vai de boa vontade, proferindo a famosa frase: "Seja você quem for, sempre dependi da gentileza de estranhos". Mitch, presente no jogo de pôquer, está visivelmente chateado. Enquanto o carro vai embora com Blanche, Stella leva o bebê escada acima para a casa de Eunice, ignorando as ligações de Stanley e jurando não voltar.

    como Blanche como Stanley como Stella como Mitch como Steve como Pablo como Eunice como um colecionador
  • Ann Dere como a matrona
  • Edna Thomas como a mexicana como médica como marinheiro

Em abril de 2021 [atualização], Mickey Kuhn é o último membro do elenco sobrevivente.

  • A peça foi ambientada inteiramente no apartamento Kowalski, mas o alcance visual da história é ampliado no filme, que retrata locais apenas brevemente mencionados ou inexistentes na produção do palco, como a estação de trem, as ruas do Bairro Francês, o boliche beco, o cais de um casino de dança e a fábrica de máquinas.
  • O diálogo apresentado na peça é abreviado ou cortado inteiramente em várias cenas do filme, incluindo, por exemplo, quando Blanche tenta convencer Stella a deixar Stanley e quando Mitch confronta Blanche sobre seu passado.
  • O nome da cidade de onde Blanche veio foi alterado da cidade real de Laurel, Mississippi, para o fictício "Auriol, Mississippi".
  • Os temas da peça eram polêmicos, fazendo com que o roteiro fosse modificado para cumprir o Código de Produção de Hollywood. Na peça original, o marido de Blanche morreu por suicídio depois que ele foi descoberto tendo um caso homossexual.Essa referência foi removida do filme. Blanche diz, em vez disso, que mostrou desprezo pela natureza sensível do marido, levando-o ao suicídio. Ela, no entanto, faz uma vaga referência a "sua aparição", sugerindo homossexualidade sem explicitamente declarar isso.
  • A cena envolvendo Stanley estuprando Blanche é interrompida no filme, ao invés disso termina dramaticamente com Blanche quebrando o espelho com a garrafa quebrada em uma tentativa fracassada de autodefesa.
  • No final da peça, Stella, perturbada com o destino de Blanche, silenciosamente permite que Stanley a console. No filme, isso é mudado para Stella culpando Stanley pelo destino de Blanche e resolvendo deixá-lo. [6]
  • Outras cenas foram filmadas, mas cortadas depois que a filmagem foi concluída para estar em conformidade com o Código de Produção e, posteriormente, para evitar a condenação pela Legião Nacional da Decência.
  • Em 1993, depois que a Warner Bros. descobriu as imagens censuradas durante um inventário de rotina de arquivos, [7] vários minutos das cenas censuradas foram restaurados em um relançamento de vídeo da "versão original do diretor". [8]
  • A fotografia próxima alterou as qualidades dramáticas da peça, por exemplo, nas longas cenas de conflito crescente entre Stanley e Blanche, ou quando Mitch ilumina Blanche para ver quantos anos ela tem, ou quando a câmera paira sobre Blanche, desmaiou no chão, com a cabeça na parte inferior da tela, como se estivesse de cabeça para baixo.
  • No filme, Blanche é mostrada no bonde que só foi citado na peça. Na época em que o filme estava em produção, no entanto, a linha de bonde Desire foi convertida em um serviço de ônibus, e a equipe de produção teve que obter permissão das autoridades para alugar um bonde com o nome "Desire". [9]
  • A trilha sonora de Alex North foi escrita em pequenos conjuntos de músicas que refletiam a dinâmica psicológica dos personagens. Por seu trabalho no filme, North foi indicado ao Oscar de Melhor Trilha Sonora, uma das duas indicações naquela categoria naquele ano.

Bilheteria Editar

Nos meses após seu lançamento em setembro de 1951, Um Bonde Chamado Desejo arrecadou US $ 4,2 milhões nos Estados Unidos e Canadá, com 15 milhões de ingressos vendidos contra um orçamento de produção de US $ 1,8 milhão. [10] Uma reedição do filme pela 20th Century Fox em 1958 arrecadou US $ 700.000 adicionais. [11]

Resposta crítica Editar

Após o lançamento, o filme recebeu muitos elogios. O jornal New York Times O crítico Bosley Crowther afirmou que "tormentos internos raramente são projetados com tanta sensibilidade e clareza na tela" e elogiou as performances de Vivien Leigh e Marlon Brando. O crítico de cinema Roger Ebert também elogiou o filme, chamando-o de "grande conjunto de filmes". O filme atualmente tem uma classificação de 98% no Rotten Tomatoes, com base em 50 avaliações. [12]

Em sua autobiografia de 2020 A propósito de nada, Woody Allen fez elogios generosos: "O filme Bonde é para mim uma perfeição artística total. É a confluência mais perfeita de roteiro, performance e direção que já vi. Concordo com Richard Schickel, que considera a peça perfeita. Os personagens estão perfeitamente escritas, cada nuance, cada instinto, cada linha de diálogo é a melhor escolha de todas as disponíveis no universo conhecido. Todas as apresentações são sensacionais. Vivien Leigh é incomparável, mais real e vívida do que as pessoas reais que conheço. E Marlon Brando era um poema vivo. Ele era um ator que entrou em cena e mudou a história da atuação. A magia, o cenário, New Orleans, o French Quarter, as tardes chuvosas e úmidas, a noite do pôquer. Gênio artístico, sem limites barrado."

Prêmios e nomeações Editar

Um Bonde Chamado Desejo ganhou quatro Oscars, estabelecendo um recorde do Oscar quando se tornou o primeiro filme a vencer em três das categorias de atuação (o único outro filme a conseguir isso foi Rede em 1976). [13] [14]


Um bonde chamado ensaio do desejo

Um bonde chamado desejo de Kazan: uma chave para a confusão?
Um bonde denominado desejo de Tennessee Williams e
A versão cinematográfica da peça de Elia Kazan compartilha os mesmos personagens
e a mesma história. Exceto pela cena de abertura, Kazan
não muda o enredo de forma alguma. Para enfatizar os significados de
morte e desejo, o filme mostra Blanche levando diferentes
bondes na área ao redor de onde Stanley e Stella
ao vivo - e o espectador pode imaginar como é difícil para
Blanche para ajustar. Na peça, Blanche simplesmente fala sobre o
bondes, o que coloca o público em uma situação
sem qualquer introdução. A configuração também é a mesma - e
dificilmente muda - no filme. Kazan tentou fazer o filme
siga as instruções do palco o mais próximo possível.

A música dá ao público a sensação certa
sobre Blanche e a diferença de idade entre ela e a
Garoto. Na peça, é difícil criar uma atmosfera de
cena quando as direções do palco indicam: "A música do
Quatro Deuces é tocado. ” Que tipo de música eles tocam no
HOLT, RINEHART E WINSTON
Comparando uma peça e um filme
Copyright © de Holt, Rinehart e Winston. Todos os direitos reservados.
6
CONCLUSÃO
Reafirmação de
tese
Fechando
demonstração
Quatro Deuces? As direções do palco obviamente não têm
detalhes extremamente importantes porque uma música azul e triste pode
ser quase qualquer tipo de música, e é impossível ouvir
irradiando de um livro.
A versão cinematográfica de Elia Kazan de A Streetcar Named Desire
é interessante, mas em algumas cenas um pouco confuso para quem
li a peça. Os benefícios das técnicas de filme divertem o
audiência ainda mais e enfatizar as situações dramáticas
entre os personagens. Enquanto o enredo do filme dificilmente
difere da peça e as mudanças no tema fazem
não afetam muito o enredo, o público não perderá muito se eles
preferiria assistir ao filme em vez de ler ou ir ver
a peça original em a.


Um Bonde Chamado Desejo

Recentemente, viajei para Nova York para ver a nova produção de Tennessee Williams 'A Streetcar Named Desire no Broadhurst Theatre. A produção tem um elenco de estrelas e multirracial, com alguns rostos muito familiares que você reconhecerá, incluindo Blair Underwood “Stanley”, Nicole Ari Parker “Blanche”, Daphne Rubin-Vega “Stella” e Wood Harris como “Mitch” com uma trilha sonora original de Terence Blanchard e dirigida por Emily Mann.

Essa produção é sexy e intensa e vai fazer você se sentir como se tivesse acabado de sair da rota do bonde chamado Desire e entrar no calor sufocante do Big Easy. Nicole Ari Parker tem uma atuação fenomenal em seu papel como Blanche, uma socialite inteligente com um sotaque autêntico, um guarda-roupa fabuloso, uma paixão por homens e um gosto por bebidas alcoólicas. Blair Underwood transforma o que poderia ser um personagem simples de Stanley, um homem da classe trabalhadora, em um belo trabalhador de colarinho azul que ama muito e é autoritário, mas pode virar a cabeça de qualquer mulher, até mesmo uma socialite como Blanche.

Como irmãs, Blanche e Stella são bem diferentes. Blanche é a socialite culta que aparece na soleira menos que glamorosa da casa de Stella e seu marido Stanley em um dia quente em Nova Orleans. Stella é uma esposa dedicada e futura mãe e depende de Stanley, que às vezes é abusivo, mas sempre proclama seu amor e afeição por Stella. Blanche é inicialmente recebida de braços abertos por Stella, mas depois de fazer algumas redecorações para a casa, começar um relacionamento com Mitch e causar problemas no casamento de sua irmã, ela logo se esgota em suas boas-vindas. Stanley descobre que Blanche foi forçada a deixar sua casa e seu trabalho devido a uma indiscrição. A natureza animalesca de Stanley vem à tona com força total e ele estupra Blanche, que então tem um colapso nervoso e acaba sendo internada em uma instituição mental.

A produção atual de A Streetcar Named Desire foi indicada para Melhor Figurino de uma Peça no Tony Awards de 2012 e recebeu o prêmio Extraordinary Excellence in Diversity on Broadway da Actors 'Equity Association para a temporada 2011-2012, que reconhece aqueles que promover metas de diversidade, inclusão e igualdade de oportunidades para quem atua no teatro.

Tennessee Williams escreveu A Streetcar Named Desire em 1947 e ganhou o Prêmio Pulitzer de Drama em 1948. A peça estreou na Broadway em 1947 com Marlon Brando (“Stanley”) e Jessica Tandy (“Blanche”) e durou dois anos. A primeira produção totalmente negra foi em 1953 na Lincoln University em Jefferson City, Missouri. O primeiro revival da peça na Broadway foi em 1973. Ao longo dos anos, houve vários revivals e adaptações (filme, ópera, balé, televisão) da peça popular, tanto no mercado interno quanto no exterior. O compromisso limitado atual termina na Broadway em 22 de julho de 2012. Próxima parada - Londres, Inglaterra, no outono para uma produção no West End.


Assista o vídeo: Um bonde chamado desejo - Tennessee Williams