Escultura Coreana Antiga

Escultura Coreana Antiga

A escultura da antiga Coreia era dominada por temas budistas, como estatuetas e estátuas monumentais do Buda e seus seguidores, e grandes sinos de bronze para templos. Bronze dourado era o material mais comum usado pelos escultores coreanos, mas eles também usavam mármore, pedra, argila, ferro e madeira. Esculturas não budistas incluem máscaras, figuras guardiãs de tumbas e postes esculpidos, todos projetados para afastar os maus espíritos. Inicialmente influenciados pela arte chinesa, os escultores coreanos criaram seu próprio estilo único e eles próprios influenciaram a escultura do Japão antigo.

Escultura dos Três Reinos

A escultura mais antiga conhecida da península é uma pequena estatueta de pedra de uma mulher nua escavada perto de Busan, que data do período Neolítico. Nessa época, figuras de barro pinçadas também eram feitas, mas esculturas em grande quantidade não foram produzidas até o período dos Três Reinos (século I aC ao século 7 dC).

Em todos os três reinos de Baekje (Paekche), Silla e Goguryeo (Koguryo), que governou a península de 57 aC a 668 dC, o budismo teve uma grande influência na escultura com a produção de figuras de madeira e metal do Buda, Maitreya ( o Buda vindouro) e bodhisattvas, lanternas de pedra para locais de templos, telhas de templos com faces horríveis para afastar os maus espíritos e queimadores de incenso, todos sendo particularmente populares. Os artistas de Baekje também esculpiram faces de penhascos para representar Buda, como em Sosan.

Este período viu a produção de estelas representando Buda e seus seguidores, que foram originalmente criadas em Baekje. Quatro exemplares do templo Piamsa perto de Yongi são esculpidos em pedra-sabão e medem pouco menos de meio metro de altura. Eles provavelmente são do reino Silla e carregam esculturas em alto relevo de figuras budistas e músicos colocadas contra um fundo de mandorla. Um é em forma de cogumelo e tem um pagode representado no verso. Todos estão atualmente no Museu Nacional da Coreia, Seul.

A forma mais comum de escultura budista desse período são ícones portáteis de figuras da tríade de Buda ladeadas por dois bodhisattvas ou figuras de bodhisattva individuais. Estes são feitos em bronze e bronze dourado. A estátua mais antiga conhecida data de 539 dC e exibe a mandorla flamejante ao redor da cabeça do Buda, que era típica da arte do Wei do norte da China. A figura também é notável pela inscrição no verso que indica a grande quantidade de tais figuras feitas. Diz:

História de amor?

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No sétimo ano de Yonga, o ano de Kimi, o sacerdote-chefe do Templo Nangnang Oriental do Reino de Koguryo deseja lançar e distribuir mil Budas, dos quais este é o vigésimo nono. (Kim, 110)

O reino Baekje fornece o exemplo mais notável de um queimador de incenso de metal, o único sobrevivente de seu tipo. Fabricado em bronze dourado, tem 135 cm de altura. O pé tem a forma de um dragão e sustenta uma montanha em forma de ovo decorada com seres celestiais e nuvens. O conjunto é encimado por uma tampa decorada com uma fênix.

Os metalúrgicos e escultores de Baekje transmitiram suas habilidades e ideias ao Japão em meados do século 6 dC, quando havia relações estreitas entre os dois territórios. A partir desse momento, a escultura de figuras coreanas se torna mais independente da influência chinesa e os rostos são visivelmente mais coreanos na representação e menos arredondados, ajudando a distinguir a escultura budista das duas culturas de agora em diante.

Escultura Unificada Silla

O Reino Unificado de Silla (668- 935 CE) viu uma nova forma de arte se desenvolver, a de fazer grandes sinos fundidos em bronze (Pomjong) que foram golpeados lateralmente com uma viga de madeira suspensa. Alojados em seus próprios pavilhões, eles foram usados ​​em templos budistas para anunciar serviços. O maior exemplo é de Pandok-sa, também conhecido como o Emille Bell, que foi lançado em 771 CE para homenagear o Rei Seongdeok. Com 3,3 metros de altura e mais de 2,2 metros de diâmetro, é decorado com flores de lótus e seres celestiais com uma alça suspensa em forma de dragão. Pesando quase 19 toneladas, o sino está agora em exibição no Museu Nacional de Gyeongju.

Talvez a melhor escultura de figuras coreanas seja encontrada em Seokguram, perto do Templo Bulguksa, no Monte Toham, Gyeongju. A gruta artificial foi construída entre 751 e 774 CE e contém um magnífico Buda sentado em granito. Com 3,45 metros de altura, ele se senta de pernas cruzadas em um grande pedestal circular ou trono, ele mesmo com 1,6 metros de altura. A gruta é decorada com um total de 41 esculturas de figuras entalhadas em alto relevo que retratam várias figuras do budismo. Eles são considerados entre os melhores já produzidos na Coréia.

Outras figuras de pedra monumentais incluem um grupo de quatro fora de Gyeongju. Esculpido em cada lado de uma pedra de granito, de acordo com uma lenda contada no Samguk yusa, O rei Gyeongdeok (r. 742-765 dC) ouviu uma voz sob o solo e, ao escavar no local, descobriu as figuras. Um templo também foi construído no local, o Kulpulsa ou 'Templo da Escavação dos Budas'.

Algumas esculturas de grandes figuras foram feitas em ferro fundido com peças feitas separadamente e depois montadas e pintadas ou cobertas com gesso. No entanto, ainda é a escultura em pequena escala que fornece os melhores exemplos de artesanato. Estatuetas de Maitreya sentado exibem traços faciais finamente modelados, proporções corporais realistas, posturas lânguidas (geralmente uma perna cruzada sobre a outra) e dobras profundas nas vestes da figura. As figuras do Buda da Medicina (Bhaisajyaguru) e do Buda Vairocana, com seu gesto característico dos dedos da mão direita segurando o dedo indicador da esquerda, também eram populares. As primeiras figuras possivelmente ganharam popularidade após um longo período de más colheitas e banditismo desenfreado no século 9 EC. Novamente, embora o ferro e a pedra fossem comumente usados, o material escolhido para as peças mais finas era o bronze, que era então dourado com folha de ouro e um amálgama de mercúrio. Quando aquecido, o mercúrio evaporou e a figura foi então polida.

A arte popular do período fornece algumas formas esculturais interessantes, como o changsung - postes altos e finos encimados por um rosto humano que agia como guardiões da aldeia.

A arte popular do período oferece algumas formas esculturais interessantes. o changsung eram postes altos e finos encimados por um rosto humano. Colocados no solo aos pares nas entradas da aldeia, eles foram esculpidos em pedra ou madeira e pensados ​​para atuar como guardiões. Às vezes, as versões de madeira eram esculpidas em um tronco de árvore inteiro, e as raízes eram deixadas de forma que, quando colocadas no chão de cabeça para baixo, parecessem o cabelo pertencente ao rosto do demônio pintado com cores vivas. Uma superstição comum era que se alguém removesse um changsung, então um homem morreria na aldeia. Ofertas de comida eram penduradas neles e castanhas às vezes enterradas aos pés. Changsung também eram símbolos de fertilidade que oravam por mulheres e às vezes até mesmo colocados em frente a templos budistas; o mais antigo data de 759 DC. Outra forma popular de escultura folclórica que combinava fertilidade e função de guardiã era Harubang. Eram esculturas de pedra de figuras humanas de todos os tipos que ficavam do lado de fora de tumbas para afastar os maus espíritos. Um terceiro tipo de pólo guardião era sottae, que eram postes encimados por um pássaro esculpido. Finalmente, uma escultura de madeira popular foi Kirogi. Eram patos de madeira dados em substituição à tradição anterior nos casamentos em que o noivo dava um ganso à mãe da noiva para garantir sua fidelidade.

Escultura Goryeo

Goryeo governou a Coreia de 918 CE a 1392 CE, e seus escultores usaram uma variedade de meios, incluindo mármore, pedra, terracota (laqueada ou dourada) e metal. As figuras de Buda como Maitreya continuaram a ser populares, e algumas são enormes, como a de 17,4 metros de altura em Paju e a figura de 18,4 metros de altura no templo de Gwanchoksa em Nonsan, que foram ambas esculpidas em pedras naturais no Século 11 dC. Essas estátuas têm apenas o essencial dos detalhes e são muito mais abstratas do que figuras de metal. Muitos deles usam chapéus altos exclusivos, e isso pode representar uma ligação com o xamanismo, há muito praticado na antiga Coréia. Também estavam sendo feitas estátuas de metal em grande escala, como no reino de Silla, como o 'Buda de Gwangju', que tem 2,88 m de altura.

Outra área de trabalho em metal era a produção de sinos para templos budistas. Menores do que os sinos gigantes feitos pelo antigo reino Silla Unificado, os sinos Goryeo ainda podem ter até 1,7 metros de altura e foram fundidos em bronze e decorados com dragões e figuras celestiais, entre outros. Uma característica única é o medalhão de lótus lançado no ponto onde o sino foi tocado. Sinos, gongos de templo, queimadores de incenso e vasos também eram fundidos em bronze e às vezes embelezados com incrustações de prata e ouro muito finas.

Figuras em pé de soldados ou oficiais eram comumente colocadas em pares do lado de fora dos túmulos, de acordo com o modelo chinês. As máscaras de madeira são outro exemplo da escultura não budista da época. Criadas para as danças tradicionais com máscaras, têm olhos fundos e narizes longos e retos, o que sugere uma influência da Ásia Central. Máscaras eram produzidas há muito tempo na Coréia e eram usadas por xamãs ou usadas para afastar os maus espíritos em tumbas e casas. Na segunda metade do período, as esculturas são em sua maioria em pequena escala e feitas com bronze dourado e começam a mostrar uma influência dos artistas Yuan que chegaram com a ocupação mongol da Coreia a partir do século 13 dC.

Este conteúdo foi possível com o apoio generoso da British Korean Society.


O que uma antiga escultura de madeira nos conta sobre a história da humanidade

Uma equipe de pesquisa russo-alemã determinou a idade da escultura de Shigir em 12.000 anos. Isso poderia significar literalmente reescrever a história da humanidade.

A obra de arte mais antiga existente feita de madeira

Dois professores de arqueologia se encontraram um dia em uma conferência, um da Rússia e outro da Alemanha. O russo convidou o alemão a Moscou - e isso acabou sendo o início de uma descoberta arqueológica revolucionária.

“Esses convites são frequentemente estendidos em conferências, mas as pessoas raramente agem de acordo com eles”, diz Thomas Terberger - acrescentando que ele, no entanto, o fez. O pré-historiador alemão voou para Moscou para se juntar a seu colega, o arqueólogo russo Mikhail Zhilin, em uma viagem ao Museu de História Natural de Sverdlovsk em Yekaterinburg, localizado na fronteira com a Sibéria nos Montes Urais.

Terberger viu o chamado ídolo Shigir pela primeira vez no museu - um totem de três metros e meio de altura com uma face esculpida. Por milênios, a escultura ficou escondida em uma turfa russa antes de ser descoberta no final do século XIX. A escultura já é sentinela do museu há mais de 100 anos e, por muito tempo, ninguém sabia sua idade exata.

A escultura foi enterrada em um pântano de turfa por milhares de anos


Coréia

A Coreia tem uma rica cultura material e visual e uma longa e duradoura história.

A península coreana é quase tão grande quanto o Reino Unido. Desde 1948, ela foi dividida em República da Coréia no sul e República Popular Democrática da Coréia no norte.

Esta galeria cria um encontro com a arte, história e cultura da península, através das importantes coleções do Museu Britânico e também através de empréstimos de instituições parceiras, incluindo o Museu Nacional da Coreia.

Com base nos pontos fortes das coleções, os objetos em exibição datam principalmente de cerca de AD300 até o presente e incluem cerâmica, trabalho em metal, escultura, pinturas, gravuras, têxteis, laca e moedas. A reconstrução de um sarangbang, ou estudo de estudioso, construído por mestres artesãos coreanos contemporâneos no verão de 2000, exibe a arquitetura tradicional coreana.

A galeria foi criada em 2000 graças à generosidade da Fundação Coréia e reformada em 2014 com uma bolsa do Museu Nacional da Coréia.


Escultura Coreana Antiga - História

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Vietnã

A arte vietnamita tem se caracterizado pelas várias presenças imperialistas no Vietnã, da chinesa à francesa. Do século X ao século XV, o Vietnã foi independente e produziu arte distinta de tudo o que foi trazido por culturas externas. A arte vietnamita desse período responde a uma mistura de tradições religiosas com elementos dos princípios taoístas, budistas e confucionistas. A cerâmica ocupou um lugar de destaque na arte vietnamita tanto durante os períodos de domínio chinês quanto durante a independência do Vietnã. Os ceramistas vietnamitas freqüentemente empregam uma paleta de cores limitada como forma de enfatizar a forma. O interesse pela arte em cerâmica e porcelana dominou a arte vietnamita durante a dinastia Nguyen no século XIX.


O Código Hwarang

O hwarang também estudou textos contendo as regras de comportamento ético. Esses escritos são os cinco relacionamentos, as seis artes, as três ocupações acadêmicas e as seis formas de serviço governamental. Destes, pode-se dizer que os Cinco Relacionamentos são o principal componente do código de conduta hwarang. Foi criado por um monge de nome Wongwang e continha elementos do Budismo e do Confucionismo. Os cinco relacionamentos são os seguintes:

1. Para servir ao rei com lealdade.

2. Para servir os pais com lealdade.

3. Sempre mostrar lealdade aos amigos.

4. Para nunca recuar na batalha.

5. Para nunca matar desnecessariamente.

O hwarang eventualmente diminuiria em importância e desapareceria quase completamente da história. No entanto, a ascensão do nacionalismo coreano, bem como a descoberta de um manuscrito intitulado As Crônicas dos Hwarang durante a década de 1980, despertou um interesse renovado pelos hwarang. A popularidade do hwarang é visível na sociedade coreana hoje. O padrão de Taekwondo chamado Hwa-rang, por exemplo, foi nomeado em homenagem ao hwarang, enquanto uma série de televisão coreana chamada Hwarang: o poeta guerreiro da juventude , foi ao ar entre 2016 e 2017.


A Dinastia Goryeo (Período: 918-1392 DC)

A dinastia Goryeo, fundada por Wang Geon, estendeu as fronteiras da derrotada Silla unificada para o norte, nas partes da velha Goryeo. Nesse período, o sistema político ficou ainda mais complexo, mas o antiga hierarquia coreana era um forte conceito social coreano naquela época. Na dinastia Goryeo, as novas classes que surgiram caíram em seis categorias em ordem de importância, tais como:

  • O grupo de casta real
  • Yangban- Uma classe de oficiais civis e militares
  • Palace functionaries of lower official rank
  • Regional clerks and other lower government officials
  • Tax -paying free citizens
  • Butchers and market hunters

A Long-Hidden Collection of Ancient Sculpture Is Making Its Grand Debut

In the early 19th century, an aristocratic Italian family began amassing a vast collection of Greek and Roman sculptures. The Torlonias acquired ancient marbles and bronzes, models and casts, depictions of gods, and portraits of emperors, building an astonishing private trove that eventually came to number 620 statues. For years, these relics remained largely hidden from both scholars and the public. But now, the Torlonia Collection is set to make its grand debut.

As Naomi Rea reports for artnet News, 96 sculptures from the family’s cache will go on display at the Palazzo Caffarelli, part of Rome’s Capitoline Museums, in March. From there, the statues will be sent on a world tour the American and European venues have yet to be announced.

“The 96 objects have been chosen for their quality but also for their history,” says Carlotta Loverini Botta of the Torlonia Foundation, which was founded in 2014 to manage the collection, to the Telégrafo’s Nick Squires. “There are statues of Apollo and Aphrodite, satyrs and a wonderful collection of busts of Roman emperors, including Hadrian, Commodus, Vespasian and Scipio Africanus.”

This elusive horde of ancient treasures traces its origins to the Torlonia family’s acquisition of works owned by 18th-century sculptor and famed restorer Bartolomeo Cavaceppi. From there, the Torlonias acquired additional collections, their holdings growing even larger as excavations unearthed works on the family’s properties around Rome, according to Elisabetta Povoledo of the New York Times .

The collection boasts some 620 classical statues. (Collezione Torlonia © Fondazione Torlonia PH Lorenzo de Masi)

Per the foundation’s website, some of these statues were used to decorate the Torlonias’ villas, but the number of items in the collection eventually grew “far greater [than] what might be deemed necessary for the furnishing needs of the numerous residences.”

In 1875, Prince Alessandro Torlonia decided to display the statues in a former granary in Rome, which he then opened to small groups of visitors. The Torlonia Collection has been held in this venue, largely kept out of sight, for more than 140 years . Most scholars know the sculptures only through a late 19th-century catalog .

Italian officials had long tried to persuade the family to put the collection on display, but difficulties securing a venue arose. Finally, in 2016, the then-head of the family, another Alessandro Torlonia, signed an agreement with the Culture Ministry to exhibit a selection of the family’s sculptures.

Salvatore Settis, former director of the Getty Research Institute in Los Angeles, is co-curating the exhibition with archaeologist Carlo Gasparri, who has been working with the collection for years. Settis, on the other hand, had not seen a single sculpture in person before taking on the job. Ele conta Artnet Notícia that his first tour of the collection was “surprising, rewarding and promising beyond belief.”

Though the statues were in relatively good condition, they were “very dirty,” says Settis to the Vezes.

Extensive cleaning and restoration revealed traces of paint on this relief. (Collezione Torlonia © Fondazione Torlonia PH Lorenzo de Masi)

For the past three years, experts have been working diligently to clean and restore the relics, supported by funding from the Bulgari jewelry company. As layers of dust were washed away, a number of important revelations emerged—like the discovery of paint traces on a Roman relief depicting a bustling port scene on the Tyrrhenian coast. Greek and Roman sculptures were often painted in vivid colors , but this paint rarely survives to the present day.

“[I]t either fades or has been scrubbed off during earlier restorations,” Anna Maria Carruba, the conservator who is overseeing the project, tells the Telégrafo.

Among other highlights are the Hestia Giustiniani , which depicts the ancient goddess of the hearth and is likely a Roman copy of a Greek original, and an expressive statue of a goat. The animal’s body dates to the Roman era, but its head is believed to have been created by famed 17th-century sculptor Gian Lorenzo Bernini.

The statues’ foray into public view may not be just a temporary treat. De acordo com Telégrafo, “there are hopes of establishing a permanent museum in Rome” for the collection.

Displaying the works “has always been in the intent of the family,” Alessandro Poma Murialdo, a member of the Torlonia family who now runs the foundation, told the New York Times back in 2016. “The collection is the patrimony of humanity, as well as of the family.”

“The Torlonia Marbles: Collecting Masterpieces” will be on view at the Piazza del Campidoglio in Rome from March 25 to January 10, 2021.


A Brief History: Korean Hanbok

Before their fashion was completely westernized, Koreans wore the traditional hanbok on a day-to-day basis. In this article, we’ll discuss the deep history of this beautiful garment as well as the recent revival of the hanbok that transcends the streets of Seoul.

Words Chaereen Pak, Art Subin Hwang

The Foundation of Korean Fashion

The word 한복 hanbok itself actually means “Korean clothing”. It consists of two main pieces. On the upper body, both men and women wear a jacket called the 저고리 jeogori. For the bottom, women wear a long, billowing skirt called the 치마 chima, while men slip into wide, roomy pants called the 바지 baji. o hanbok is known to be very comfortable its baggy silhouette provides ease of movement, influenced by the nomadic tendencies of Koreans back in the day. As origens do hanbok can be traced back to the Goguryeo Dynasty, one of the Three Ancient Kingdoms of Korea.

Although the basic design of the hanbok has been barely altered, little changes have been made here and there depending on different cultural impacts. For example, due to the influence of Mongolian fashion during the reign of the Mongol Empire in the 13th century, the jeogori for women was cropped shorter above the waist. During the Joseon Dynasty, social class distinctions were evident in hanbok styles. While commoners were strictly limited to using only cotton and the color white for their garments, royals lavished in silks and vibrant hues of the rainbow.

Young women strolling down the roads of Gangnam in modernized versions of the hanbok.

The Modern Hanbok

As you may know, Koreans do not wear the hanbok as everyday clothing anymore. It is usually reserved for formal occasions, such as weddings and New Year’s Day. However, the traditional outfit is recently making a comeback: these days young couples are showing up to Jeonju Hanok Village and Gyeongbokgung Palace to take part in the popular hanbok tours. Modernized designs of the hanbok are also springing up in street-style as you’ll see young women wearing sets that exhibit even brighter colors and include quirky details such as moons and stars on the hems of their jeogori e chima.

A notable modern hanbok label is Sonjjang Hanbok. By integrating contemporary fabrics such as denim and gingham, designer Dew Hwang emphasizes the idea that hanbok can be worn on a casual, comfortable basis. Korean designers are not the only ones finding inspiration in the folk garment. For the 2011 Spring/Summer season Dior unveiled a breathtaking empire-waist gown inspired by the hanbok silhouette at Paris Fashion Week. Moreover, Karl Lagerfeld celebrated the hanbok and its decorative elements for the 2016 Chanel Cruise Collection show hosted in Seoul.

Como hanbok for women has been making an eye-catching comeback in Seoul and gaining recognition internationally, we hope to see a comparable revival in men’s hanbok follow suit. Nevertheless, the presence of the hanbok in its many forms today reminds us of the beauty and value of this one special garment.


Cycle within the circle…the seed…the life…the birth…the breath….the beginning…the path…the way…never ending…the education…the knowledge…universal student of life…death…rebirth…………Travelers of the circle within….never ending.

I am just a humble student in life from birth to death then a student of death and still trying to understand the know of knowing. We were born with knowledge at birth but many become stupid after taking the first breath in life become idiots of not knowing and forgetting the path and the way from beginning to end of knowledge by closing the door to the universal education in life. The circle.


Assista o vídeo: 20 Coisas Absurdas Que Eram Absolutamente Normais no Passado