Arte e cultura no Japão medieval

Arte e cultura no Japão medieval

Esta atividade foi projetada para caber em um espaço de 30 minutos para sua classe e é adequada para ensino online e em sala de aula, bem como ensino doméstico.

Os alunos devem ler três artigos (também disponíveis em formato de áudio) sobre os três períodos do Japão medieval e preencher uma tabela para contrastar e comparar informações sobre artes e cultura, arquitetura e fatores contribuintes e pessoas para cada período.

Esta atividade faz parte da aula de Artes e Cultura em nosso pacote Japão Feudal, onde você pode encontrar:

  • Planos de aula completos, com instruções dos professores (Word e PDF)
  • Perguntas do questionário de múltipla escolha (Excel)
  • Glossário de palavras-chave e conceitos (Excel)
  • Perguntas abertas adaptáveis ​​para debates, apresentações e ensaios (Word e PDF)
  • Recursos recomendados para fornecer a você e a seus alunos uma lista abrangente de referências confiáveis ​​sobre o assunto. Inclui todos os tipos de mídia: vídeos, textos, recursos primários, mapas, podcasts, modelos 3D, etc. (Word e PDF)

Nosso pacote de aulas sobre o Japão Feudal cobre os seguintes tópicos:

  • Governo e guerra
  • Vida Diária e Estrutura Social
  • Importância da geografia
  • Artes e Cultura

Se precisar, verifique nossas “folhas de cola” para dar a seus alunos dicas para escrever uma grande redação ou ferramentas para tornar sua vida mais fácil, como marcar grades.

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Literatura Clássica Japonesa (até 1868)

As mais antigas obras literárias sobreviventes são as Kojiki (Registro de Assuntos Antigos, c.712) e o Nihon Shoki (Livro de História do Japão Antigo, c.720). Essas obras de história e mitologia falam das origens do povo japonês e da formação do Estado.

Enquanto o Nihon Shoki é escrito quase inteiramente em chinês, o Kojiki é escrito em japonês usando caracteres chineses e é mais familiar. A grande antologia conhecida como Man'yoshu (Coleção das Dez Mil Folhas, c.770) contém cerca de 4.500 poemas escritos por pessoas de todas as esferas da vida, de imperadores a camponeses.

Existem duas formas principais de poema na antologia, longa e curta, das quais a forma curta, ou tanka, sobrevive até hoje. Tanka consiste em cinco linhas com 5-7-5-7-7 sílabas. O ânimo mais importante na literatura desse período era a sinceridade pessoal.

O conto de fadas Taketori Monogatari (O conto do cortador de bambu), escrito no século 9, é considerado o primeiro romance japonês. É amplamente conhecido hoje como Kaguya-hime (The Moon Princess) e é popular em livros infantis de imagens. Conta a história de um velho cortador de bambu que um dia descobre uma criança pequena em uma haste de bambu. Ele e sua esposa a adotam e a criança se transforma em uma bela mulher em apenas alguns meses (assim como o bambu cresce fenomenalmente rápido). Ela atrai muitos pretendentes, incluindo o imperador, mas define tarefas impossíveis para eles ganharem sua mão. Finalmente Kaguya-hime declara que ela retornará para sua casa - a lua. O imperador envia milhares de soldados para detê-la, mas ela os evita e deixa apenas uma carta para trás. O imperador ordena que a carta seja queimada na montanha mais alta do país. Milagrosamente, a carta continua produzindo fumaça e como resultado a montanha ficou conhecida como Fuji, & quotthe imortal & quot.

Sem dúvida, a primeira grande obra de ficção foi Genji Monogatari (The Tale of Genji) escrito em 1010 por Murasaki Shikibu (à esquerda), uma senhora da corte de Heian (atual Kyoto). É um volume maciço de 54 volumes que fala das aventuras românticas de nobres, centrado em torno do príncipe Genji, que caiu no folclore japonês como sua versão de Casanova ou Don Juan. Ele também fornece um vislumbre da vida cotidiana dos cortesãos dos séculos 10 e 11, assim como Makura-no-soshi (The Pillow Book) por Sei Shonagon, outra mulher do tribunal.

A literatura do período Heian (794-1185) é caracterizada por mono-não-ciente, ou uma sensação de estar conectado com a natureza e todas as coisas. Este conceito ainda é considerado central para a psique japonesa, embora não seja tão fácil de ver nos japoneses de hoje.

Cinco séculos de grande agitação e guerra quase constante seguiram a Batalha de Dannoura em 1185, na qual o clã governante Taira foi derrotado pelo clã Minamoto (também conhecido como Genji). A batalha se tornou o tema da prosa mais famosa da época, a Heike Monogatari (Os contos do clã Taira, c.1220) cujo autor é desconhecido.

O clima de tristeza e solidão que envolvia o país se reflete na literatura da época. Muitas vezes é descrito usando o termo yugen (mistério e profundidade). As pessoas mais importantes na sociedade japonesa durante esta época, que abrangeu os períodos Kamakura (1185-1333) e Muromachi (1333-1573), foram os guerreiros samurais, que viviam uma vida de ação, e os sacerdotes budistas, que passavam seus dias em contemplação silenciosa. Muitos dos grandes escritores eram padres.

o Shin Kokin-shu (Nova Coleção de Poemas Antigos e Modernos, 1205) é uma das maiores antologias de poesia desse período. Foi compilado pelo poeta Fujiwara Teika mas uma das principais figuras incluídas é o padre Saigyo. Uma forma de poesia desenvolvida nessa época era a renga, ou poemas vinculados. Três ou mais poetas cooperaram na composição de um longo poema. Os maiores mestres de renga, Sogi, Shohaku, e Socho, juntos formaram o famoso Minase Sangin (Três Poetas em Minase) no final do século XV.

Depois que a paz foi restaurada à terra sob o Tokugawa xogunato, que governou de Edo (a atual Tóquio), novas formas de cultura evoluíram à medida que o Japão foi fechado para o mundo exterior por mais de dois séculos. O período Edo (1600-1868) viu o crescimento da classe mercantil e com ele o desenvolvimento de um tipo mais terreno de cultura popular.

Exemplos ainda populares incluem kabuki, ukiyo-e (xilogravuras de atores e prostitutas) e romances como Koshoku Ichidai Otoko (Vida de um homem amoroso) e Koushoku Gonin Onna (Cinco Mulheres que Amavam o Amor) por Ihara Saisaku. Esses romances são contos obscenos igualmente sobre a vida amorosa e as movimentações e negociações financeiras da sociedade mercantil. Mas, ao mesmo tempo, o período Edo também viu o desenvolvimento da forma poética considerada a melhor realização da literatura japonesa - o haicai.

Talvez descritos de forma mais concisa como a essência destilada da poesia, os haicais são poemas de 17 sílabas cujo desenvolvimento foi fortemente influenciado pelo Zen Budismo que prevalecia na época. Embora a estrutura atual de 5-7-5 sílabas e o uso obrigatório de um kigo (uma palavra para representar a estação) só foram introduzidas mais tarde no período Meiji (1868-1912), o maior expoente do haicai viveu no período Edo.

Basho Matsuo (1644-94) foi um padre leigo zen e seus haicais costumam fazer parte de diários de viagem e foram escritos na estrada, capturando seu humor e arredores em várias partes do país, enquanto ele seguia os passos de grandes nomes literários anteriores, como Saigyo e Sogi. O trabalho mais conhecido é Oku no Hosomichi (Narrow Road Through the Deep North - está disponível na tradução em inglês Narrow Road to Oku por famoso estudioso do Japão Donald Keene) Ele fala da peregrinação de quase 1.500 milhas de Basho com seu discípulo Sora de Edo ao norte do Japão, realizada quando ele tinha 48 anos e pouco antes de sua morte. Os outros dois grandes poetas do haicai deste período foram Yosa Buson, um pintor e Kobayashi Issa, um camponês aldeão.

A forma poética mais curta do mundo, o haicai funciona melhor em japonês do que em inglês e as traduções são particularmente difíceis. De qualquer forma, aqui estão algumas traduções de haiku de Basho de Oku no Hosomichi. A foto à esquerda mostra o último haicai inscrito em uma enorme pedra próximo ao rio Mogami.


Uma breve história das artes do Japão: o período Edo

A vitória de Tokugawa Ieyasu e a unificação territorial pavimentaram o caminho para um novo governo poderoso. O xogunato Tokugawa governaria por mais de 250 anos - um período de relativa paz e maior prosperidade. Uma vibrante cultura urbana desenvolvida na cidade de Edo (hoje Tóquio), bem como em Kyoto e em outros lugares. Artesãos e comerciantes tornaram-se importantes produtores e consumidores de novas formas de cultura visual e material. Muitas vezes referido como a era "moderna inicial" do Japão, o longo período Edo é dividido em vários subperíodos, o primeiro dos quais são as eras Kan'ei e Genroku, abrangendo o período de 1620 ao início de 1700.

Kanō Sanraku, Dragão e tigre, início do período Edo, século 17, par de telas dobráveis, coloridas e douradas no papel, 178 x 357 cm cada (templo Myoshinji, Kyoto, imagem: Wikimedia Commons)

Kanō Tan’yū, Paisagem ao luar, depois de 1662, um dos três rolos pendurados, tinta sobre seda, 100,6 x 42,5 cm. A assinatura menciona o título Hōin do pintor, "Selo da Lei Budista". (Museu Metropolitano de Arte)

Durante a era Kan'ei, a escola de pintura Kanō, fundada no período Muromachi, floresceu sob a liderança de três de seus pintores mais característicos: Kanō Tan’yū, Kanō Sanraku e Kanō Sansetsu. Seus estilos tanto emularam quanto partiram da formidável pintura de Kanō Eitoku (discutida na seção do período Momoyama). Tan'yū era neto de Eitoku, Sanraku era seu filho adotivo e Sansetsu era genro de Sanraku (que Sanraku acabou adotando como herdeiro).

Seus respectivos estilos compartilhavam uma tensão criativa entre duas direções artísticas divergentes: por um lado, eles foram profundamente influenciados pelo estilo de pintura ousadamente expressivo e monumental de Eitoku, por outro, eles adotaram uma maneira menos dramática e sutilmente elegante, incluindo um retorno aos modelos chineses e ao estilo anterior da escola Kanō.

Tan’yū, em particular, liderou essa virada conservadora. Sua mudança para Edo como o pintor do shōgun Tokugawa marcou uma ruptura com os pintores Kanō baseados em Kyoto (incluindo Sanraku e Sansetsu), que se refletiu em tratados contemporâneos que opinaram sobre questões de hierarquia e legitimidade dentro da escola.

Um artista versátil mergulhado na tradição chinesa, Tan'yū era um conhecedor e colecionador de pinturas chinesas. Com base em seu vocabulário visual erudito, Tan’yū pintou paisagens poéticas em tinta monocromática, tipicamente evocativas de temas clássicos, e pinturas policromadas no estilo japonês, acomodando encomendas em grande escala para cenários palacianos. Em reconhecimento ao seu trabalho, ele recebeu, aos 61 anos, o título honorífico de Hōin (“Selo da Lei Budista”).

Prato representando uma senhora com sombrinha, c. 1734–1737, louças Hizen, Imari, design atribuído ao holandês Cornelis Pronk, porcelana com azul cobalto sob esmalte transparente, 26,7 cm (Museu Metropolitano de Arte)

As eras Kan'ei e Genroku testemunharam grandes desenvolvimentos em outro meio, ou seja, a porcelana. Os pioneiros da porcelana japonesa foram os ceramistas coreanos trazidos para o Japão após as incursões de Toyotomi Hideyoshi na Coreia durante o período Momoyama. Esses ceramistas se estabeleceram em Kyushu e pavimentaram o caminho para um dos centros de porcelana mais inovadores e prolíficos do mundo. Arita, Imari, Kakiemon são agora nomes conhecidos, em parte por causa da exportação do século 17 de tais mercadorias do norte de Kyushu por meio da Companhia Holandesa das Índias Orientais. Essa empresa de comércio internacional contribuiu significativamente para o apelo global da porcelana chinesa, especialmente da variedade azul e branca. Apesar da política de auto-isolamento de Tokugawa, a exceção de permitir que alguns agentes chineses e holandeses continuassem o comércio internacional, combinada com a turbulência política na China causada pela queda da dinastia Ming, criou o contexto ideal para os holandeses substituirem o azul chinês -e-porcelana branca com porcelana japonesa no comércio global. Os produtos de exportação japoneses, frequentemente chamados de produtos Imari, emulavam a porcelana chinesa azul e branca e refletiam os gostos ocidentais aos quais atendia.

Placa representando gramíneas de outono e névoa em forma de losango, utensílios Nabeshima, porcelana com azul sob o vidrado e esmalte celadon, 20,32 cm (Instituto de Arte de Minneapolis)

Entre os diferentes fornos de porcelana do norte de Kyushu, os utensílios Nabeshima não eram para exportação, mas produzidos exclusivamente para o mercado interno. O senhor de Nabeshima, que trouxe os ceramistas coreanos para seu domínio, abraçou a produção local que se desenvolveu no século 17 e patrocinou um forno especial cuja porcelana ele ofereceu como presentes estratégicos para o shogun e outros senhores feudais. Com seus processos de produção mantidos em segredo, a porcelana Nabeshima se distingue por suas superfícies requintadas, adornadas com delicados motivos extraídos não de fontes chinesas ou europeias, mas do repertório visual tradicional japonês.

Com suas superfícies lisas e formas bem definidas, a porcelana era marcadamente diferente do grés produzido em outros centros cerâmicos do Japão, como a louça Oribe para rituais do chá (descrita na seção sobre o período Momoyama). Durante o período Edo, a cerimônia do chá - ambos Chanoyu e Sencha, um tipo diferente de ritual para a preparação e apreciação do chá de folhas mergulhadas - continuou a florescer. Sencha, em particular, era parte integrante da cultura literati. Literatos japoneses ou Bunjin basearam-se em estudiosos-filósofos chineses que eram bem versados ​​em pintura, caligrafia e poesia escrita. Como estudiosos com atividades artísticas, Bunjin não eram pintores profissionais, mas usavam a pintura - especialmente representações espontâneas de paisagens, poemas e motivos tradicionais chineses e japoneses lavados a tinta - como formas de expressar a energia interior de espíritos cultivados que buscavam alcançar a excelência retirando-se da sociedade e até mesmo desafiando normas sociais. Esse modelo de reclusão foi particularmente adotado em períodos de agitação política, o que foi definitivamente o caso no Japão no final do século 16, durante a turbulência que caracterizou Momoyama, o período de 40 anos que levou ao período Edo. Gradualmente, as práticas dos letrados desenvolveram uma tensão central entre o rebelde e o altamente individualista, de um lado, e o ritualístico e o normativo, do outro, à medida que as tradições e linhagens começaram a se tornar mais rígidas com o tempo.

Ike no Taiga e Yosa Buson, Dez conveniências e dez prazeres, 1771, álbuns emparelhados, cor sobre papel, 17,7 x 17,7 cm (na coleção do falecido Kawabata Yasunari, Fundação Kawabata, prefeitura de Kanagawa, imagem adaptada de: Web Japan)

Bunjinga, literalmente traduzível como “pintura de letrados”, refere-se à pintura praticada por esses homens eruditos. A pintura literati costumava reunir referências a temas clássicos chineses e fontes literárias locais e contemporâneas, especialmente poemas, muitas vezes escritos pelos próprios pintores. Século 18 haikai-no-renga o poeta Yosa Buson também foi um pintor talentoso e, no espírito colaborativo de haikai-no-renga, foi coautor, com Ike no Taiga, um par de álbuns sobre o tema chinês das "dez conveniências" e "dez prazeres" da vida, combinando representações idealizadas da natureza (principalmente por Buson) com interpretações anedóticas de atividades humanas (principalmente por Taiga). A colaboração entre Buson e Taiga foi colegial e competitiva, trazendo à mente a tradição secular japonesa de poesia e concursos de fotografia que mostravam talento e habilidade.

Maruyama Ōkyo, Pinheiros na neve, entre 1781 e 1789, tela esquerda de um par de telas dobráveis, tinta, cor e ouro no papel (Mitsui Memorial Museum, imagem: Wikimedia Commons, domínio público)

Um contraste para a abordagem de Buson e Taiga para a pintura foi a busca renovada pelo realismo do pintor Maruyama Okyo. Sua versão naturalística de pássaros e animais, figuras humanas e paisagens contrastou com o modo literati, concentrando-se em um regime racional de representação visual, baseado na observação do mundo natural. Treinado nas técnicas europeias de sombreamento e perspectiva de um ponto, Okyo, no entanto, criou uma síntese do naturalismo de inspiração ocidental e técnicas, estilos e temas tradicionais japoneses. O modo de pintura de Okyo foi transmitido através da escola Maruyama-Shijō, que Okyo estabeleceu pela primeira vez como a escola Maruyama. Foi continuado por Matsumura Goshun (cujo estúdio ficava na rua Shijō em Kyoto), um pintor que primeiro estudou com Buson e depois se voltou para Okyo. Essas duas escolas intimamente relacionadas têm sido chamadas de uma entidade desde o final do período Edo, quando as distinções entre as duas haviam desaparecido. Um dos pintores mais notáveis ​​na linhagem de Goshun foi Shibata Zeshin, discípulo de um dos alunos de Goshun e um pintor e artista de laca inovador.

Esquerda: Soga Shōhaku, Leões na Ponte de Pedra do Monte Tiantai, 1779, rolo suspenso, tinta sobre seda, 114 × 50,8 cm, detalhe (The Metropolitan Museum of Art, imagem em tamanho real disponível aqui). Certo: Itō Jakuchū, Pássaros, animais e plantas floridas na cena imaginária, Século 18, par de biombos dobráveis ​​de seis painéis, tinta e cores sobre papel, 137,5 × W355,6 cm, detalhe (Museu de Arte da Prefeitura de Shizuoka, imagem em tamanho real disponível aqui)

Pintores que trabalhavam fora de escolas estabelecidas, como a Tosa e a Kanō, divergiam dos modos estabelecidos de pintura em vários graus. Aqueles cujos estilos eram particularmente não convencionais foram recentemente reavaliados como formando uma “linhagem de excêntricos” pelo historiador de arte japonês Tsuji Nobuo. Incluídos nesta “linhagem” estão Iwasa Matabei, Kano Sansetsu, Ito Jakuchu, Soga Shohaku, Nagasawa Rosetsu e Utagawa Kuniyoshi - cada um dos quais teve trajetórias individuais em seus respectivos processos de amadurecimento como artistas visuais. O que eles compartilhavam era uma abordagem altamente pessoal da pintura, muitas vezes caracterizada por técnicas incomuns e temas atípicos. No Leões na Ponte de Pedra no Monte Tiantai, Soga Shōhaku escolheu um tema budista raramente retratado e o imaginou de maneiras novas, adicionando uma dimensão caprichosa a ele. No Pássaros, animais e plantas floridas na cena imaginária, Itō Jakuchū pintou meticulosamente nada menos que 43.000 quadrados coloridos para criar uma composição fantástica em forma de mosaico.

Durante o período Edo, uma cultura urbana agitada se desenvolveu.Comerciantes, artesãos e artistas ajudaram a moldar os gostos culturais e artísticos por meio de seus produtos e programas. Festas colaborativas de versos encadeados e novas formas de entretenimento, como o teatro kabuki, tornaram-se itens básicos do estilo de vida urbano. O turismo também ganhou popularidade à medida que os viajantes peregrinavam a santuários, templos e locais famosos (meisho 名 所), frequentemente associada a poemas clássicos e contos tradicionais. Todas essas práticas culturais foram espelhadas nas pinturas e gravuras populares conhecidas coletivamente como ukiyo-e 浮世 絵. Literalmente "fotos do mundo flutuante", ukiyo-e pode ser melhor definida como pintura de gênero para e sobre "pessoas comuns" (shōmin 庶民) —membros da classe média da sociedade japonesa do período Edo.

Hishikawa Moronobu, Dois amantes, c. 1675–1680, impressão em xilogravura policromada, tinta e cor sobre papel, 22,9 x 33,7 cm (Museu Metropolitano de Arte)

Treinado no negócio têxtil de sua família, o pintor do século 17 Hishikawa Moronobu foi o primeiro dos ukiyo-e mestres. Ele se concentrou em imagens de mulheres bonitas (Bijin 美人) e trabalhou tanto em pintura como em xilogravura. Sua representação de mulheres e amantes nos aposentos de prazer de Edo influenciou profundamente ukiyo-e pintores e designers de impressão, principalmente Miyagawa Chōshun. Inicialmente educado na escola Tosa, Chōshun assinou suas obras adicionando "yamato-e" ao seu nome - uma prática que indica que em seus primeiros dias, ukiyo-e foi considerado um sucessor do Yamato-e estilo.

Iwasa Matabei, O conto de Yamanaka Tokiwa, Século 17, rolo de mão, tinta e cor sobre papel, comprimento total de mais de 70 metros, detalhe (Propriedade Cultural Importante, Museu de Arte MOA, Atami, Shizuoka, Japão)

Contemporâneo do mestre ukiyo-e Hishikawa Moronobu estava o pintor Iwasa Matabei, que, como Moronobu e seus seguidores, se via como um herdeiro do Yamato-e e tradições da escola Tosa. Dado seu estilo de pintura anedótica e sua fidelidade aos temas japoneses e técnicas de pintura, Matabei é muitas vezes considerado uma figura fundadora da ukiyo-e junto com Moronobu. Matabei inspirou-se para suas pinturas nos clássicos da literatura japonesa, como o Conto de Genji. No entanto, no espírito de ukiyo-e, suas pinturas são infundidas com um senso de vida cotidiana e experiência pessoal. A dimensão altamente pessoal de sua arte fez com que os outros pensassem em Matabei como um dos “excêntricos” (usado aqui no sentido anteriormente explicado em relação a Shōhaku e Jakuchū, e alinhado com a definição do historiador de arte Tsuji Nobuo). Seja Tosa, ukiyo-e, ou excêntrico, Matabei rompeu com a tradição ao se concentrar em experiências contemporâneas e aspectos da vida cotidiana. Freqüentemente, esses temas eram entrelaçados de maneira lúdica com o assunto clássico, resultando em uma comparação visual, que às vezes era uma paródia, conhecida como mitado. As realidades do presente foram sobrepostas aos temas clássicos ou míticos do passado. Essa prática varia na pintura do período Edo de uma ênfase no mundano e anedótico, como visto nas composições de Matabei, até representações lúdicas de figuras contemporâneas (como mulheres bonitas e atores kabuki) disfarçadas de figuras lendárias ou históricas, como poetas e guerreiros, como visto mais tarde nas obras de artistas ukiyo-e dos séculos 18 e 19 como Andō (Utagawa) Hiroshige e Utagawa Kunisada.

Hokusai, Esboços Aleatórios (Mangá), 1834, oito volumes de livros impressos em xilogravura, tinta e cor sobre papel, 22,9 x 15,9 cm, página dupla (The Metropolitan Museum of Art). De Hokusai Mangá criar um microcosmo da cultura do período Edo e ter sido uma grande fonte de inspiração para artistas europeus no século XIX.

Hokusai, Lenhador, 1849, tinta e cor sobre seda, 113,6 × 39,6 cm (Presente de Charles Lang Freer, F1904.182, Galeria de Arte Freer)

Ukiyo-e as imagens foram disponibilizadas em uma variedade de formatos, desde pinturas e surimono para livros de imagens (ehon 画 本) e gravuras em xilogravura soltas, muitas vezes concebidas em série (por exemplo, trinta e seis vistas do Monte Fuji, sete episódios da vida da poetisa do século IX Ono no Komachi). Um dos mais conhecidos ukiyo-e mestres e um emblema da arte japonesa no mundo ocidental, Katsushika Hokusai (1760-1849) não apenas projetou séries de xilogravuras e livros ilustrados, mas também escreveu várias pinturas. Levando uma vida frugal e vivendo em residências mal cuidadas, Hokusai foi notavelmente prolífico em sua longa vida, adotando vários apelidos e datando cuidadosamente suas obras, indicando quantos anos ele tinha quando as pintou. Hokusai é merecidamente famoso por seu desenho excepcional e imaginação exuberante, juntamente com uma excelente compreensão da vida e da cultura japonesa, clássica e contemporânea. Como outros pintores do período Edo, muitas vezes ele se inseriu em seu próprio trabalho por meio de quase auto-retratos e reflexões sobre a impermanência e a velhice.

O período Edo viu uma circulação intensificada de vocabulário visual e princípios estéticos entre os meios (pinturas, cerâmicas, laca e têxteis muitas vezes compartilhavam os motivos semelhantes) e cruzando diferentes registros de cultura do design à cultura popular e nostalgia de um passado pré-moderno romantizado . Essas interseções foram ainda possibilitadas por colaborações entre artistas de diferentes especializações. Uma das mais importantes dessas colaborações foi entre o pintor do século 17, baseado em Kyoto, Tawaraya Sōtatsu, e o calígrafo e ceramista Hon’ami Kōetsu.

Tawaraya Sōtatsu (pintura), Hon’ami Kōetsu (caligrafia), Poemas do Kokin wakashū, início de 1600, rolo de mão, tinta, ouro, prata e mica sobre papel, 33 cm de altura, detalhe (Presente de Charles Lang Freer, F1903.309, Galeria de Arte Freer)

Hon & # 8217ami Kōetsu 本 阿 弥 光 悦, tigela de chá chamada Mino-game (“Tartaruga de cauda longa”), faiança com esmalte preto Raku, 8,7 x 12,5 x 12,5 cm (Galeria de Arte Freer)

Sua prática combinada implicava uma estética elegante enfatizando as referências culturais tradicionais compartilhadas na pintura, poesia, caligrafia, laca, cerâmica e ritual do chá.

Junto com o oleiro Nonomura Ninsei, Kōetsu foi um dos primeiros a assinar sua cerâmica no Japão. Ele moldava suas tigelas de chá e depois as enviava para a oficina Raku-ware para que as tigelas fossem polidas e queimadas. Kōetsu trabalhou em várias mídias e suas colaborações com pintores e ceramistas contribuíram para uma cultura visual mais unificada. Como é o caso da arte japonesa ao longo dos tempos, as linhagens desempenharam um papel vital na sobrevivência e transformação dos programas estéticos de Sōtatsu e Kōetsu.

Ogata Kenzan e oficina de Narutaki # 8217s (1699-1712), recipiente de incenso com imagens de Contos de Ise, grés, cobalto sob o vidrado e esmaltes sobre o vidrado, 2,5 x 10 x 7,3 cm (Presente de Charles Lang Freer, F1907.84a-b, Galeria de Arte Freer)

Os estilos interligados desses dois artistas do século 17 foram emulados e consolidados pelos artistas do início do século 18 Ogata Kōrin e seu irmão Ogata Kenzan, que se tornaram líderes escolares por direito próprio. Um relacionamento familiar duplicou essa genealogia estilística: a bisavó de Kōrin e Kenzan era uma irmã mais velha de Kōetsu. E os dois irmãos colaboraram de vez em quando. Kōrin se especializou em pintura, enquanto Kenzan se tornou um dos nomes mais influentes da cerâmica da área de Kyoto. Gerações posteriores de ceramistas imitaram e até copiaram o estilo de Kenzan, enquanto Kōrin deu seu nome a uma nova escola, Rinpa (& # 8220Rin 琳 & # 8221 de & # 8220Kōrin 光 琳 & # 8221 + & # 8220pa / ha 派 & # 8221, significando & # 8220school & # 8221), que traçou suas origens estéticas aos modelos de Kōrin e Kenzan, ou seja, Sōtatsu e Kōetsu. Os designs refinados e engenhosos dos artistas Rinpa # 8217 foram baseados em temas e motivos tradicionais e renderizados em ouro, prata e cores ousadas. Eles trabalharam em meios e gêneros que vão da pintura à laca e de episódios no Conto de Genji às representações das quatro estações.

Esquerda: Ogata Kōrin, Íris em Yatsuhashi (Oito Pontes), depois de 1709, um de um par de biombos, tinta, cor e ouro sobre papel, 163,7 x 352,4 cm (Museu Metropolitano de Arte). Os motivos descritos evocam o texto clássico japonês, o Contos de Ise. À direita: Sakai Hōitsu, Flores de verão e outono, tela direita de um par de telas, 164,5 x 181,8 cm (JAANUS, um dicionário online de termos de arte e arquitetura japonesas

e-Museum, banco de dados de artefatos designados no Japão como tesouros nacionais e importantes propriedades culturais

No Japão, no Metropolitan Museum of Art & # 8217s Heilbrunn Timeline of Art History

Nobuo Tsuji, traduzido por Nicole Coolidge Rousmaniere, História da Arte no Japão (Tóquio: University of Tokyo Press, 2019)

Richard Bowring, Peter Kornicki, A Enciclopédia de Cambridge do Japão (Nova York: Cambridge University Press, 1993)


Origami

Dificilmente pode haver um ocidental que, quando criança, não fizesse um avião de papel usando jornal dobrado ou uma folha de caderno. Os mais aventureiros podem ter feito um chapéu ou, se tiverem sorte, podem ter sido apresentados às possibilidades quase ilimitadas que o origami e uma mente criativa podem criar. Hoje em dia, embora algumas pessoas o considerem uma verdadeira forma de arte muito zen em sua simplicidade e profundidade, o origami é visto principalmente como uma atividade para crianças, que aprendem apenas alguns designs padrão. Mesmo no Japão, o design mais complicado que a maioria das pessoas domina é o tsuru (guindaste), que se tornou um símbolo mundial do desejo das crianças por paz. Mas o origami tem uma longa história e originalmente não era para crianças.

Um elaborado padrão de origami

Como muitas coisas na cultura japonesa, o origami (de "oru" significa dobrar e "kami" significa papel) tem suas origens na China. Acredita-se que o papel foi feito e dobrado pela primeira vez na China no primeiro ou segundo século. Os primeiros registros de origami no Japão datam do Período Heian (794-1185). Foi nesse período que a nobreza do Japão teve sua época de ouro e foi uma época de grandes avanços artísticos e culturais. O papel ainda era uma comodidade rara o suficiente para que o origami fosse um passatempo para a elite. O papel foi dobrado em formas definidas para ocasiões cerimoniais, como casamentos. Tiras serrilhadas de papel branco eram usadas para marcar objetos sagrados, um costume que ainda pode ser visto em todos os santuários até hoje.

Foi no Período Edo (1600-1868) que grande parte da cultura popular tradicional de hoje se desenvolveu como formas de entretenimento para as classes mercantes e as pessoas comuns. Kabuki e ukiyo-e são apenas dois exemplos e o origami também ganhou destaque. Em meados do século 19, 70 ou mais designs diferentes foram criados. Mas, além de seu uso cerimonial, sua popularidade está em declínio desde o período Meiji (1886-1912) e a modernização do Japão.

Em meados da década de 1950, aos 11 anos Sasaki Sadako desenvolveu leucemia como resultado de sua exposição à radiação quando bebê durante o bombardeio atômico de Hiroshima em 1945. A tradição afirma que se você fizesse um senbazuru (mil guindastes de papel) e feito um desejo após completar cada um, seu desejo se tornaria realidade. Sadako começou a fazer o tsuru, desejando sua própria recuperação. Enquanto ela continuava, ela começou a desejar a paz mundial. Uma versão da história diz que ela morreu quando tinha ganhado apenas 644 e seus amigos da escola completaram o número completo e os dedicaram a ela em seu funeral. Uma versão talvez mais confiável diz que ela completou 1.000 e continuou várias centenas antes de sucumbir ao câncer aos 12 anos de idade. Independentemente dos detalhes, a história ajudou a inspirar o Memorial da Paz das Crianças em Hiroshima e uma estátua de Sadako em Seattle. A cada ano em Dia da Paz (6 de agosto), dezenas de milhares de tsuru de origami são enviados a Hiroshima por crianças em todo o mundo.

Esta caixa de origami é surpreendentemente simples de fazer

Milhares de tsuru de origami em um memorial à bomba atômica em Hiroshima

Existem muitos passos dobráveis ​​na confecção de um tsuru para que eu possa descrever simplesmente aqui e muitos sites já fornecem essa e muitas outras idéias.

Em tempos mais recentes, a Internet ajudou a espalhar a palavra sobre a cultura japonesa, tanto os aspectos há muito ocultos quanto as coisas sobre as quais os ocidentais tinham ouvido falar, mas pouco sabiam. Origami é uma dessas facetas que se presta ao meio visual. Os designs podem ser explicados em diagramas de linha ou fotos e, com a prática, podem ser dominados por qualquer pessoa. O próximo passo, como em qualquer forma de arte, é encontrar um tópico ou campo que agrade e desenvolver seu próprio estilo. Nas palavras de Yoshizawa Akira, o 'reconhecido grande mestre do origami, o pai do origami criativo moderno':

"Você pode dobrar um papel quadrilátero simples em qualquer forma que você quiser. Eu queria incorporar as leis da natureza, a dignidade da vida e a expressão de afeto em meu trabalho. Dobrar a vida é difícil, porque a vida é uma forma ou uma aparência capturada em um momento, e precisamos sentir toda a vida natural se fechando em um momento. "

da página de origami de Joseph Wu

O Período Yayoi

O próximo período cultural, o Yayoi (nomeado após a seção de Tóquio onde as investigações arqueológicas descobriram seus vestígios) floresceu entre cerca de 300 a.C. e 250 d.C. do sul de Kyushu ao norte de Honshu. Os primeiros desses povos, que se acredita terem migrado da Coreia para o norte de Kyushu e se misturado com os Jomon, também usaram ferramentas de pedra lascada. Embora a cerâmica do Yayoi fosse mais avançada tecnologicamente, era decorada de forma mais simples do que as peças Jomon.

Os Yayoi fabricavam sinos, espelhos e armas não funcionais cerimoniais de bronze e, no primeiro século d.C., ferramentas e armas agrícolas de ferro. À medida que a população aumentava e a sociedade se tornava mais complexa, eles teciam tecidos, viviam em aldeias agrícolas permanentes, construíam edifícios de madeira e pedra, acumulavam riqueza por meio da propriedade da terra e do armazenamento de grãos e desenvolveram classes sociais distintas. Sua cultura de arroz irrigado e úmido era semelhante à do centro e sul da China, exigindo grande quantidade de trabalho humano, o que levou ao desenvolvimento e eventual crescimento de uma sociedade agrária altamente sedentária.

Ao contrário da China, que teve de realizar grandes obras públicas e projetos de controle de água, levando a um governo altamente centralizado, o Japão tinha água em abundância. Portanto, no Japão, os desenvolvimentos políticos e sociais locais eram relativamente mais importantes do que as atividades da autoridade central e de uma sociedade estratificada.


Conteúdo

Japão antigo e período Asuka (até 710) Editar

As origens da pintura no Japão remontam ao período pré-histórico japonês. Representações figurativas simples, bem como desenhos botânicos, arquitetônicos e geométricos são encontrados na cerâmica do período Jōmon e no período Yayoi (1000 aC - 300 dC) dōtaku sinos de bronze. Pinturas murais com desenhos geométricos e figurais foram encontradas em numerosos túmulos que datam do período Kofun e do período Asuka (300-700 DC).

Junto com a introdução do sistema de escrita chinês (kanji), Modos chineses de administração governamental e budismo no período Asuka, muitas obras de arte foram importadas da China para o Japão e cópias locais em estilos semelhantes começaram a ser produzidas.

Período de Nara (710-794) Editar

Com o estabelecimento do budismo no Japão dos séculos 6 e 7, a pintura religiosa floresceu e foi usada para adornar vários templos erguidos pela aristocracia. No entanto, o Japão do período Nara é mais reconhecido por contribuições importantes na arte da escultura do que na pintura.

As primeiras pinturas sobreviventes deste período incluem os murais nas paredes internas do Kondō (金堂) no templo Hōryū-ji em Ikaruga, Prefeitura de Nara. Essas pinturas murais, bem como imagens pintadas no importante Santuário Tamamushi incluem narrativas como jataka, episódios da vida do Buda histórico, Shakyamuni, além de imagens icônicas de budas, bodhisattvas e várias divindades menores. O estilo é uma reminiscência da pintura chinesa da dinastia Sui ou do final do período dos Dezesseis Reinos. No entanto, em meados do período Nara, pinturas no estilo da dinastia Tang se tornaram muito populares. Isso também inclui os murais de parede da Tumba de Takamatsuzuka, que datam de cerca de 700 DC. Este estilo evoluiu para o gênero (Kara-e), que permaneceu popular durante o início do período Heian.

Como a maioria das pinturas do período Nara são de natureza religiosa, a grande maioria é de artistas anônimos. Uma grande coleção de arte do período Nara, japonesa e também da dinastia Tang chinesa [2], está preservada no Shōsō-in, um repositório do século 8, anteriormente propriedade de Tōdai-ji e atualmente administrado pela Agência Doméstica Imperial.

Período Heian (794-1185) Editar

Com o desenvolvimento das seitas budistas esotéricas de Shingon e Tendai, a pintura dos séculos 8 e 9 é caracterizada por imagens religiosas, principalmente Mandala pintada (曼荼羅, mandara) Numerosas versões de mandala, a mais famosa Mandala do Reino do Diamante e Mandala do Reino do Ventre em Tōji, em Kyoto, foram criados como pergaminhos pendurados e também como murais nas paredes dos templos. Um exemplo notável é o pagode de cinco andares de Daigo-ji, um templo ao sul de Kyoto.

A Escola Kose foi uma família de artistas da corte fundada por Kanaoka Kose na segunda metade do século IX, durante o início do período Heian. Esta escola não representa um único estilo de pintura como outras escolas, mas os vários estilos de pintura criados por Kanaoka Kose e seus descendentes e alunos. Esta escola mudou as pinturas do estilo chinês com temas chineses para o estilo japonês e desempenhou um papel importante na formação do estilo de pintura yamato-e. [3] [4]

Com a crescente importância das seitas da Terra Pura do budismo japonês no século 10, novos tipos de imagens foram desenvolvidos para satisfazer as necessidades devocionais dessas seitas. Isso inclui raigōzu (来 迎 図), que representa o Buda Amida junto com os bodhisattvas Kannon e Seishi, chegando para dar as boas-vindas às almas dos fiéis que partiram para o Paraíso Ocidental de Amida. Um exemplo notável datado de 1053 foi pintado no interior do Salão Fênix do Byōdō-in, um templo em Uji, Kyoto. Este também é considerado um dos primeiros exemplos do chamado Yamato-e (大 和 絵, "pintura de estilo japonês"), na medida em que inclui elementos da paisagem, como colinas suaves que parecem refletir algo da aparência real da paisagem de oeste do Japão.

O período de meados de Heian é visto como a idade de ouro de Yamato-e, que foram inicialmente usados ​​principalmente para portas de correr (fusuma) e telas dobráveis ​​(Byōbu) No entanto, novos formatos de pintura também vieram à tona, especialmente no final do período Heian, incluindo emakimono, ou rolos de mão ilustrados longos. Variedades de emakimono englobam romances ilustrados, como o Genji Monogatari , obras históricas, como o Ban Dainagon Ekotoba , e obras religiosas. Em alguns casos, emaki os artistas empregaram convenções narrativas pictóricas que foram usadas na arte budista desde os tempos antigos, enquanto em outras épocas eles criaram novos modos de narrativa que se acredita transmitirem visualmente o conteúdo emocional da narrativa subjacente. Genji Monogatari é organizado em episódios discretos, enquanto o mais animado Ban Dainagon Ekotoba usa um modo de narrativa contínua para enfatizar o movimento para a frente da narrativa. Estes dois emaki diferem estilisticamente também, com as pinceladas rápidas e as cores claras de Ban Dainagon contrastando fortemente com as formas abstratas e pigmentos minerais vibrantes do Genji pergaminhos. O Cerco ao Palácio Sanjō é outro exemplo famoso deste tipo de pintura.

E-maki também servem como alguns dos primeiros e maiores exemplos do onna-e ("fotos de mulheres") e otoko-e ("pinturas masculinas") e estilos de pintura. Existem muitas diferenças sutis entre os dois estilos. Embora os termos pareçam sugerir as preferências estéticas de cada gênero, os historiadores da arte japonesa há muito debatem o real significado desses termos e eles permanecem obscuros. Talvez mais facilmente perceptíveis sejam as diferenças de assunto. Onna-e, resumido pelo Conto de Genji handscroll, normalmente lida com a vida na corte e romance cortês, enquanto otoko-e, geralmente lidam com eventos históricos ou semilendários, especialmente batalhas.

Período Kamakura (1185–1333) Editar

Esses gêneros continuaram durante o período Kamakura no Japão. Este estilo de arte foi grandemente exemplificado na pintura intitulada "Ataque Noturno ao Palácio Sanjo", pois era cheia de cores vibrantes, detalhes e uma ótima visualização de um romance intitulado "Heiji Monogatari". E-maki de vários tipos continuaram a ser produzidos, no entanto, o período Kamakura foi muito mais fortemente caracterizado pela arte da escultura, ao invés da pintura. “O período Kamakura estendeu-se do final do século XII ao século XIV. Foi uma época de obras de arte, como pinturas, mas principalmente esculturas que trouxeram um visual mais realista da vida e seus aspectos na época. Em cada uma dessas estátuas, muitos traços semelhantes à vida foram incorporados à produção de sua fabricação. Muitas esculturas incluíam narizes, olhos, dedos individuais e outros detalhes que eram novos para o lugar da escultura na arte. ''

Como a maioria das pinturas nos períodos Heian e Kamakura são de natureza religiosa, a grande maioria é de artistas anônimos. Mas há um artista que é conhecido por sua perfeição neste novo estilo de arte do período Kamakura. Seu nome era Unkei, e ele finalmente dominou esta forma de arte de esculturas e abriu sua própria escola chamada Escola Kei. Com o passar do tempo, "houve o renascimento de estilos clássicos ainda anteriores, a importação de novos estilos do continente e, na segunda metade do período, o desenvolvimento de estilos orientais japoneses únicos centrados na era Kamakura".

Período Muromachi (1333-1573) Editar

Durante o século 14, o desenvolvimento dos grandes mosteiros Zen em Kamakura e Kyoto teve um grande impacto nas artes visuais. Suibokuga, um estilo monocromático austero de pintura a tinta introduzido a partir da dinastia Ming, China dos estilos de lavagem de tinta Song e Yuan, especialmente Muqi (牧 谿), substituiu em grande parte as pinturas em rolos policromos da arte zen inicial no Japão ligadas às normas iconográficas budistas de séculos anteriores, como como Takuma Eiga (宅 磨 栄 賀). Apesar da nova onda cultural chinesa gerada pela cultura Higashiyama, alguns retratos policromados permaneceram - principalmente na forma de chinso pinturas de monges zen. [5] [6]

Pegando um bagre com uma cabaça (localizado em Taizō-in, Myōshin-ji, Kyoto), pelo padre-pintor Josetsu, marca uma virada na pintura de Muromachi. Em primeiro plano, um homem é representado na margem de um riacho segurando uma pequena cabaça e olhando para um grande bagre escorregadio. A névoa enche o terreno intermediário e, ao fundo, as montanhas parecem estar distantes. Em geral, presume-se que o "novo estilo" da pintura, executado por volta de 1413, se refere a um sentido mais chinês de espaço profundo dentro do plano do quadro.

No final do século 14, pinturas de paisagens monocromáticas (山水画 Sansuiga) foi patrocinado pela família governante Ashikaga e era o gênero preferido entre os pintores Zen, evoluindo gradualmente de suas raízes chinesas para um estilo mais japonês. Um desenvolvimento posterior da pintura de paisagem foi o rolo de imagem de poema, conhecido como shigajiku.

Os principais artistas do período Muromachi são os pintores-sacerdotes Shūbun e Sesshū. Shūbun, um monge do templo de Kyoto de Shōkoku-ji, criado na pintura Lendo em um bosque de bambu (1446) uma paisagem realista com profunda recessão no espaço. Sesshū, ao contrário da maioria dos artistas do período, foi capaz de viajar para a China e estudar pintura chinesa em sua origem. Paisagem das Quatro Estações (Sansui Chokan c. 1486) é uma das obras mais realizadas de Sesshu, retratando uma paisagem contínua ao longo das quatro estações.

No final do período Muromachi, a pintura a tinta migrou dos mosteiros Zen para o mundo da arte em geral, à medida que os artistas da escola Kanō e da escola Ami (ja: 阿 弥 派) adotaram o estilo e os temas, mas introduzindo um estilo mais plástico e efeito decorativo que continuaria nos tempos modernos.

Artistas importantes do período Muromachi no Japão incluem:

Período Azuchi – Momoyama (1573–1615) Editar

Em nítido contraste com o período Muromachi anterior, o período Azuchi-Momoyama foi caracterizado por um estilo policromo grandioso, com amplo uso de folha de ouro e prata que seria [7] aplicada a pinturas, vestuários, arquitetura, etc. e por obras em uma escala muito grande. [8] Em contraste com o estilo pródigo que muitos conheciam, a elite militar apoiava a simplicidade rústica, especialmente na forma da [9] cerimônia do chá, onde usava utensílios imperfeitos e envelhecidos em um ambiente semelhante. Este período deu início à unificação dos líderes "beligerantes" sob um governo central. Acredita-se que a datação inicial para este período foi em 1568, quando Nobunaga entrou em Kyoto, ou 1573, quando o último Ashikaga Shogun foi removido de Kyoto. A escola Kanō, patrocinada por Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi, Tokugawa Ieyasu e seus seguidores, ganhou tremendamente em tamanho e prestígio. Kanō Eitoku desenvolveu uma fórmula para a criação de paisagens monumentais nas portas de correr que encerram uma sala. Essas telas enormes e pinturas de parede foram encomendadas para decorar os castelos e palácios da nobreza militar. Mais notavelmente, Nobunaga teve um enorme castelo construído entre 1576 e 1579, que provou ser um dos maiores desafios artísticos de Kanō Eitoku. Seu sucessor, Toyotomi Hideyoshi, também construiu vários castelos durante este período. Esses castelos foram algumas das obras artísticas mais importantes quando se tratou de experimentação neste período. Esses castelos representam o poder e a confiança dos líderes e guerreiros da nova era. [10] Este status continuou no período Edo subsequente, enquanto o Tokugawa bakufu continuava a promover os trabalhos da escola Kanō como a arte oficialmente sancionada para o shōgun, daimyōs e a corte imperial.

No entanto, artistas e correntes não pertencentes à escola Kano existiram e se desenvolveram durante o período Azuchi-Momoyama também, adaptando temas chineses aos materiais e estéticas japonesas. Um grupo importante foi a escola Tosa, que se desenvolveu principalmente a partir da tradição yamato-e, e que era conhecida principalmente por obras em pequena escala e ilustrações de clássicos da literatura em formato de livro ou emaki.

Artistas importantes do período Azuchi-Momoyama incluem:

Período Edo (1603-1868) Editar

Muitos historiadores da arte mostram o período Edo como uma continuação do período Azuchi-Momoyama. Certamente, durante o início do período Edo, muitas das tendências anteriores na pintura continuaram a ser populares, no entanto, uma série de novas tendências também emergiram.

Uma escola muito significativa que surgiu no início do período Edo foi a escola Rinpa, que usava temas clássicos, mas os apresentava em um formato ousado e ricamente decorativo. Sōtatsu, em particular, desenvolveu um estilo decorativo recriando temas da literatura clássica, usando figuras e motivos brilhantemente coloridos do mundo natural contra fundos folheados a ouro. Um século depois, Korin retrabalhou o estilo de Sōtatsu e criou obras visualmente lindas e exclusivamente suas.

Outro gênero importante que começou durante o período Azuchi – Momoyama, mas que atingiu seu desenvolvimento completo durante o início do período Edo foi Namban arte, tanto na representação de estrangeiros exóticos quanto no uso do estilo estrangeiro exótico na pintura. Este gênero foi centrado em torno do porto de Nagasaki, que após o início da política de reclusão nacional do xogunato Tokugawa foi o único porto japonês aberto ao comércio exterior e, portanto, o canal pelo qual as influências artísticas chinesas e europeias chegaram ao Japão. As pinturas neste gênero incluem pinturas da escola de Nagasaki e também a escola Maruyama-Shijo, que combina influências chinesas e ocidentais com elementos tradicionais japoneses.

Uma terceira tendência importante no período Edo foi a ascensão do Bunjinga (pintura literati), também conhecido como a escola Nanga (escola de pintura do sul). Este gênero começou como uma imitação das obras de pintores amadores chineses da dinastia Yuan, cujas obras e técnicas chegaram ao Japão em meados do século XVIII. Mestre Kuwayama Gyokushū foi o maior defensor da criação do Bunjin estilo. Ele teorizou que as paisagens policromáticas deviam ser consideradas no mesmo nível das pinturas monocromáticas dos literatos chineses. Além disso, ele incluiu alguns artistas tradicionalistas japoneses, como Tawaraya Sōtatsu e Ogata Kōrin do grupo Rinpa, entre os principais representantes Nanga. [11] Depois Bunjinga os artistas modificaram consideravelmente as técnicas e o tema deste gênero para criar uma mistura dos estilos japonês e chinês. Os exemplos desse estilo são Ike no Taiga, Uragami Gyokudō, Yosa Buson, Tanomura Chikuden, Tani Bunchō e Yamamoto Baiitsu.

Devido às políticas de austeridade fiscal e social do xogunato Tokugawa, os modos luxuosos desse gênero e estilos eram em grande parte limitados às camadas superiores da sociedade e não estavam disponíveis, se não realmente proibidos às classes mais baixas. As pessoas comuns desenvolveram um tipo separado de arte, o Fūzokuga (風俗 画, Arte de gênero), em que pinturas que retratam cenas da vida cotidiana, especialmente das pessoas comuns, kabuki teatro, prostitutas e paisagens eram populares. Essas pinturas do século 16 deram origem às pinturas e xilogravuras de ukiyo-e.

Artistas importantes do período Edo incluem:

    (1559–1663) (1602–1674) (falecido em 1643) (1617–1691) (1658–1716) (1677–1751) (1697–1752) (1704–1758) (1716–1783) (1716–1800) ( 1723–1776) (c. 1725–1770) (1730–1781) (1733–1795) (1744–1820) (1745–1820) (1752–1820) (1752–1811) (1760–1849) (1763–1840) (1777–1835 ) (1782–1846) (1783–1856) (1793–1841) (1797–1858) (1807–1891) (1836–1924) (Yūhi) (c. 1712–1772)

Período pré-guerra (1868-1945) Editar

O período pré-guerra foi marcado pela divisão da arte em estilos europeus concorrentes e estilos indígenas tradicionais.

Durante o período Meiji, o Japão passou por uma tremenda mudança política e social no curso da campanha de europeização e modernização organizada pelo governo Meiji. Pintura de estilo ocidental (ioga) foi oficialmente promovido pelo governo, que enviou jovens artistas promissores para estudar no exterior e que contratou artistas estrangeiros para virem ao Japão estabelecer um currículo de arte nas escolas japonesas.

No entanto, após uma explosão inicial de entusiasmo pela arte de estilo ocidental, o pêndulo oscilou na direção oposta, e liderado pelo crítico de arte Okakura Kakuzō e pelo educador Ernest Fenollosa, houve um renascimento da apreciação pelos estilos tradicionais japoneses (Nihonga). Na década de 1880, a arte de estilo ocidental foi banida das exposições oficiais e severamente criticada pela crítica. Apoiado por Okakura e Fenollosa, o Nihonga estilo evoluiu com influências do movimento pré-rafaelita europeu e do romantismo europeu.

Os pintores do estilo Yōga formaram o Meiji Bijutsukai (Meiji Fine Arts Society) para realizar suas próprias exposições e promover um interesse renovado pela arte ocidental.

Em 1907, com o estabelecimento da Bunten sob a égide do Ministério da Educação, os dois grupos em competição encontraram o reconhecimento e a coexistência mútuos, e até iniciaram o processo de síntese mútua.

O período Taishō viu a predominância de Ioga sobre Nihonga. Depois de longas estadias na Europa, muitos artistas (incluindo Arishima Ikuma) voltaram ao Japão sob o reinado de Yoshihito, trazendo com eles as técnicas do impressionismo e do pós-impressionismo inicial. As obras de Camille Pissarro, Paul Cézanne e Pierre-Auguste Renoir influenciaram as primeiras pinturas do período Taishō. Contudo, ioga artistas do período Taishō também tendiam ao ecletismo, e havia uma profusão de movimentos artísticos dissidentes. Estes incluíam a Fusain Society (Fyuzankai) que enfatizava estilos de pós-impressionismo, especialmente o fauvismo. Em 1914, o Nikakai (Sociedade da Segunda Divisão) surgiu para se opor à Exposição Bunten patrocinada pelo governo.

A pintura japonesa durante o período Taishō foi apenas levemente influenciada por outros movimentos europeus contemporâneos, como o neoclassicismo e o pós-impressionismo tardio.

No entanto, foi ressurgente Nihonga, em meados da década de 1920, que adotou certas tendências do pós-impressionismo. A segunda geração de Nihonga artistas formaram a Japan Fine Arts Academy (Nihon Bijutsuin) para competir contra o patrocinado pelo governo Bunten, e embora Yamato-e as tradições permaneceram fortes, o uso crescente da perspectiva ocidental e os conceitos ocidentais de espaço e luz começaram a obscurecer a distinção entre Nihonga e ioga.

A pintura japonesa no período Shōwa pré-guerra foi amplamente dominada por Sōtarō Yasui e Ryūzaburō Umehara, que introduziram os conceitos de arte pura e pintura abstrata para o Nihonga tradição, e assim criou uma versão mais interpretativa desse gênero. Essa tendência foi desenvolvida por Leonard Foujita e a Nika Society, para abranger o surrealismo. Para promover essas tendências, a Independent Art Association (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) foi formado em 1931.

Durante a Segunda Guerra Mundial, os controles governamentais e a censura significaram que apenas temas patrióticos podiam ser expressos. Muitos artistas foram recrutados para o esforço de propaganda do governo, e a revisão crítica e não emocional de suas obras está apenas começando.

Artistas importantes no período pré-guerra incluem:

    (1863–1899) (1850–1906) (1856–1907) (1828–1888) (1835–1908) (1866–1924) (1874–1959) (1869–1939) (1882–1962) (1882–1911) (1867–1943) (1868–1958) (1874–1911) (1873–1957) (1875–1949) (1885–1977) (1864–1942) (1837–1924) (1873–1930) (1874–1941) (1880–1916) (1879–1936) (1887–1931) (1891–1929) (1885–1927) (1894–1935) (1885–1966) (1887–1936) (1888–1939) (1881–1955) (1883–1967) (1888–1986) (1884–1978) (1883–1957) (1886–1968) (1898–1928) (1898–1972) (1878–1972) (1884–1934)

Período pós-guerra (1945-presente) Editar

No período do pós-guerra, a Japan Art Academy patrocinada pelo governo (Nihon Geijutsuin) foi formado em 1947, contendo ambos Nihonga e ioga divisões. O patrocínio governamental de exposições de arte terminou, mas foi substituído por exposições privadas, como a Nitten, em uma escala ainda maior. Apesar de Nitten foi inicialmente a exposição da Japan Art Academy, desde 1958 é dirigida por uma empresa privada separada. Participação no Nitten tornou-se quase um pré-requisito para nomeação para a Japan Art Academy, o que em si é quase um pré-requisito não oficial para nomeação para a Ordem da Cultura.

As artes dos períodos Edo e pré-guerra (1603–1945) foram apoiadas por mercadores e pessoas urbanas. Contrariamente ao Edo e aos períodos pré-guerra, as artes do período pós-guerra tornaram-se populares. Após a Segunda Guerra Mundial, pintores, calígrafos e gravadores floresceram nas grandes cidades, particularmente Tóquio, e ficaram preocupados com os mecanismos da vida urbana, refletidos nas luzes bruxuleantes, cores neon e ritmo frenético de suas abstrações. Todos os "ismos" do mundo da arte de Nova York-Paris foram abraçados com fervor. Após as abstrações da década de 1960, a década de 1970 viu um retorno ao realismo fortemente temperado pelos movimentos de arte "op" e "pop", incorporados na década de 1980 nas obras explosivas de Ushio Shinohara. Muitos desses notáveis ​​artistas de vanguarda trabalharam no Japão e no exterior, ganhando prêmios internacionais. Esses artistas sentiam que não havia "nada de japonês" em suas obras e, de fato, pertenciam à escola internacional. No final dos anos 1970, a busca por qualidades japonesas e um estilo nacional fez com que muitos artistas reavaliassem sua ideologia artística e se afastassem do que alguns consideravam as fórmulas vazias do Ocidente. As pinturas contemporâneas dentro do idioma moderno começaram a fazer uso consciente das formas, dispositivos e ideologias tradicionais da arte japonesa. Um número de mono-ha artistas voltaram-se para a pintura para recapturar nuances tradicionais em arranjos espaciais, harmonias de cores e lirismo.

Estilo japonês ou Nihonga a pintura continua em um estilo pré-guerra, atualizando expressões tradicionais enquanto mantém seu caráter intrínseco. Alguns artistas dentro desse estilo ainda pintam em seda ou papel com cores e tintas tradicionais, enquanto outros usam novos materiais, como o acrílico.

Muitas das escolas de arte mais antigas, principalmente as do período Edo e do pré-guerra, ainda eram praticadas. Por exemplo, o naturalismo decorativo do rimpa escola, caracterizada por cores brilhantes e puras e lavagens sangrentas, se refletiu no trabalho de muitos artistas do período pós-guerra na arte de Hikosaka Naoyoshi dos anos 1980. O realismo da escola de Maruyama Ōkyo e o estilo japonês caligráfico e espontâneo dos cavalheiros eruditos foram amplamente praticados na década de 1980. Às vezes, todas essas escolas, bem como as mais antigas, como as tradições de tinta da escola Kanō, foram utilizadas por artistas contemporâneos no estilo japonês e no idioma moderno. Muitos pintores de estilo japonês foram homenageados com prêmios e prêmios como resultado da demanda popular renovada por arte de estilo japonês a partir dos anos 1970. Cada vez mais, os pintores modernos internacionais também recorreram às escolas japonesas à medida que se afastavam dos estilos ocidentais na década de 1980. A tendência era sintetizar o Oriente e o Ocidente. Alguns artistas já haviam superado a diferença entre os dois, como fez o notável pintor Shinoda Toko.Suas abstrações em negrito sumi ink foram inspiradas na caligrafia tradicional, mas percebidas como expressões líricas da abstração moderna.

Existem também vários pintores contemporâneos no Japão cujo trabalho é amplamente inspirado por subculturas de anime e outros aspectos da cultura popular e juvenil. Takashi Murakami está talvez entre os mais famosos e populares deles, junto com os outros artistas de seu coletivo de estúdio Kaikai Kiki. Seu trabalho centra-se em expressar questões e preocupações da sociedade japonesa do pós-guerra através do que normalmente são formas aparentemente inócuas. Ele se baseia fortemente em animes e estilos relacionados, mas produz pinturas e esculturas na mídia mais tradicionalmente associada às artes plásticas, borrando intencionalmente os limites entre a arte comercial e popular e as artes plásticas.


A história surpreendente do quimono

O quimono que o mundo associa ao Japão foi, na verdade, criado no final do século XIX como um identificador cultural.

Kimono, em inglês, significa & # 8220 coisa que se veste & # 8221. Mas a vestimenta que todos associam ao Japão nem sempre foi chamada por esse nome. Sua longa história é um dos melhores exemplos de como as roupas conferem um senso de identidade.

O primeiro ancestral do quimono nasceu no período Heian (794-1192). Cortes retos de tecido foram costurados juntos para criar uma roupa que se encaixava em todos os tipos de corpo. Era fácil de usar e infinitamente adaptável. No período Edo (1603-1868), ele evoluiu para uma vestimenta externa unissex chamada kosode. Significando literalmente & # 8220mangas pequenas & # 8221, o kosode era caracterizado por cavas menores. Foi somente a partir do período Meiji (1868-1912) que a vestimenta passou a ser chamada de quimono. Esta última transformação, da era Edo para o Japão moderno, é fascinante.

Tela do século XVII por Iwasa Matabei (via Wikimedia Commons)

No início dos anos 1600, o Primeiro Shogun Tokugawa unificou o Japão em um shogunato feudal. Edo, rebatizada de Tóquio em 1868, agora se tornou a principal cidade do Japão. O Período Edo resultante (também chamado de Era Tokugawa) durou 264 anos. Os anos de 1603 a 1868 são conhecidos como a última era do Japão tradicional. A cultura japonesa se desenvolveu quase sem influência estrangeira durante esse tempo. E o kosode foi um dos elementos-chave do que significava ser japonês.

Durante a era Edo, o Kosode foi um marcador cultural visivelmente unificador. Todo japonês o usava, independentemente da idade, sexo ou posição socioeconômica. Nas raras ocasiões em que um japonês entrava em contato com estrangeiros, uma distinção visível era que os estrangeiros não usavam kosode. Edo kosode são, portanto, uma janela para uma cultura pouco antes de uma mudança fundamental.

Como a maioria das sociedades, o período Edo no Japão foi estratificado. Uma vez que todos usavam kosode e o corte quase não mudou durante este período, mensagens foram trabalhadas na roupa para anunciar quem o usava. Estilo, motivo, tecido, técnica e cor explicam quem você é. Eles também estavam frequentemente sujeitos a regulamentações suntuárias. Isso forjou um vínculo intrínseco entre o Kosode e a arte e o design.

Uma vez que as classes mais pobres usavam suas roupas em farrapos, quase nenhum de seus kosode permanece intacto. Mas os níveis socioeconômicos mais elevados da sociedade foram capazes de armazenar e preservar os seus, e comissionar novos. E como outras formas de arte - incluindo pintura, poesia, cerâmica e artigos de laca - o kosode aderiu aos cânones estéticos.

Talvez o cânone mais importante fosse usar o explícito para denotar o implícito. Naomi Noble Richard observa que uma flor de cerejeira não era apenas um design bonito, ela simbolizava a beleza feminina mortal, então podemos esperar vê-la em uma roupa de mulher & # 8217s, não em um homem & # 8217s. Mais do que isso, uma mulher refinada o usaria no verão para o lazer, não para o trabalho. Isso era verdade para a maioria dos padrões florais.

Qualidade do tecido, escolha do padrão, linha, pintura, impressão em bloco de madeira e cor eram critérios essenciais para apresentar a posição, idade, sexo e refinamento da pessoa envolvida nele. E o refinamento era de particular importância. O uso de kanji (caracteres chineses) e cenas da literatura clássica chinesa e japonesa mostraram proezas literárias. Richard explica que uma estrela de madeira, por exemplo, evocaria The Tale of Genji, ou mesmo aludir a uma cena de uma peça Nō (apenas aristocratas selecionados foram convidados a assistir às peças Nō).

Havia tantos meandros envolvidos no kosode moderno inicial que os livros de design eram essenciais. Todos consultaram esses Hinagata bon (livros de design / padrões) - desde o cliente que fez a encomenda até os donos da loja de tecidos e os designers.

O primeiro bon Hinagata que conhecemos data de 1666 e é chamado Shinsen O-Hinagata (Uma nova seleção de padrões respeitados) O fato de os artistas mais respeitados da época, artistas ukiyo-e (mundo flutuante), escreverem Hinagata bon enfatiza como kosode eram verdadeiras obras de arte.

Cada vestimenta individual era o biodado de seu usuário. Da mesma forma, Edo kosode e Hinagata bon são os biodados de uma época. Ao usar arte, os primeiros japoneses modernos nos deixaram uma visão notável de seu mundo e do que significava ser japonês antes da influência estrangeira.

O que explica como o quimono como vestimenta incorpora muito sobre o que significa ser japonês. E por que se tornou tão importante para o Japão pós-Edo. O kosode-cum-kimono manteve viva parte do Japão tradicional em uma época de rápida modernização e influência estrangeira. O período Meiji simplesmente rebatizou-o de & # 8220 coisa de vestir. & # 8221 E encorajou as mulheres em particular a usá-lo. Para colocar isso em contexto, ao mesmo tempo, a lei Meiji encorajava os homens a usar roupas ocidentais e exigia isso para funcionários do governo e militares em funções oficiais.

Assim, enquanto o Japão estava passando por uma mudança fundamental em vários níveis durante o período Meiji, as mulheres japonesas vestindo quimonos eram uma imagem visual reconfortante. O quimono tornou-se um elo visível, mas silencioso, entre a mulher, a mãe e o protetor cultural. Ainda hoje, o quimono é uma lembrança da cultura central do Japão e # 8217 como era antes de sua mudança fundamental.


Incontáveis ​​fenômenos históricos se formaram e desapareceram ao longo do tempo, mas apenas alguns foram registrados. Chamamos o antigo & ldquoReki& rdquo e o último & ldquoshi. & rdquo Apesar das mulheres & rsquos existência indiscutível como & ldquoReki& rdquo na longa história do arquipélago japonês, eles raramente aparecem em & ldquoshi. & rdquo No entanto, pesquisadores da história das mulheres levantaram as seguintes novas questões por meio de seus esforços para trazer à luz as figuras femininas. & ldquoPor que diferenciamos o masculino do feminino? & rdquo & ldquoComo as pessoas no passado navegavam por essas divisões de gênero? & rdquo Com o uso de mais de 280 fontes, incluindo propriedades culturais importantes e itens da UNESCO & ldquomemória do mundo & rdquo, esta exposição histórica explora que gênero significado e como ele se transformou dentro da longa história da sociedade japonesa.

Concentrando-se no espaço para assuntos de estado e política, esta exposição primeiro examina o surgimento das divisões de gênero. A sociedade japonesa clássica se desenvolveu junto com a formação do Ritsuryō estado, dividindo seus constituintes em & ldquomale & rdquo e & ldquofemale & rdquo e, portanto, atribuindo-os a papéis de gênero prescritos. Nos períodos medieval e no início da modernidade, as famílias individuais (ie) passou a funcionar como espaço político. Então, com o estabelecimento do moderno Estado-nação, as mulheres foram completamente excluídas dos assuntos governamentais. Agora, vivemos na sociedade japonesa contemporânea que surgiu depois de todas essas mudanças. Vamos explorar como foi esse processo juntos.

Além disso, esta exposição lança luz sobre mulheres e homens em seu trabalho e em suas vidas. Ao investigar itens escavados, como tabuletas clássicas de madeira e figuras de argila de tumbas com montículos, podemos revelar informações até então desconhecidas sobre as condições reais de trabalho de mulheres e homens no Japão clássico. Aqui, por meio da investigação de diferentes aspectos do trabalho - como o plantio de arroz no Japão medieval e no início da modernidade, trabalhos de cabeleireiro e atividades artesanais - veremos quando e como desenvolvemos nossas imagens sobre as ocupações masculinas e femininas.

Além disso, ao nos concentrarmos no comércio do sexo desde a época medieval até o pós-guerra, exploramos a história da sexualidade, que foi significativamente influenciada pelo gênero e pelas características sociais de cada período. Embora as pessoas digam que & ldquoprostituição é a profissão mais antiga das mulheres & rdquo, isso é realmente verdade? Ao apresentar diários e cartas de mulheres que viveram como prostitutas, esta exposição ajuda você a visitar a história da sexualidade no Japão, que reflete muito a divisão de gênero e o posicionamento homem-mulher.

Gênero - somos inconscientemente moldados por ele. A história do gênero, que tem um impacto significativo sobre nós, é repleta de surpresas e descobertas. Esta exposição especial, & ldquoGênero na história japonesa & rdquo, tem como objetivo apresentar elementos interessantes da história, ao mesmo tempo que oferece aos visitantes uma oportunidade de buscar uma maneira de desenvolver uma sociedade na qual todos possam viver livremente, sem restrições de gênero.

Destaques da exposição

* Por que fazemos divisões entre homens e mulheres?
Esta é a primeira exposição que explica como & ldquogender & rdquo surgiu, se desenvolveu e mudou na história japonesa.

* Kabutozuka Tumulus ― Bonecos de argila raros e incomparáveis!
Exibiremos o seguinte !: uma das duas figuras de barro em estilo de tecelagem designadas como propriedades culturais importantes, que são os únicos itens que foram desenterrados no Japão e imagens 3D da & ldquoFigure of a Seated Female Weaver. & Rdquo

* Ótimos itens exibidos pela primeira vez! Junto com a pintura de Takahashi Yuichi e rsquos 《Oiran》 considerada uma importante propriedade cultural, exibiremos um diário de prostituta e rsquos e cartas escritas à mão por Koina e Matsugae, prostitutas populares do bordel Inamoto nos bairros de lazer de New Yoshiwara. Guarda-roupas, ferramentas, cartas e diários - esses itens nos falam sobre o sustento de prostitutas e seus clientes homens. Esta exposição é inovadora na forma como revela a estrutura de repressão ao comércio do sexo através do exame das características sociais.

* Apresentaremos três itens, incluindo a gravação de vídeo de Yamamoto Sakuhei & rsquos 《Entrando em uma mina (mãe e filho)》, que é o primeiro item japonês listado no Registro da UNESCO & ldquoMemory of the World & rdquo!

* Nos tempos clássicos, soberanas e oficiais femininas eram a norma, mas sob o sistema Constitucional Meiji, as mulheres eram totalmente excluídas de tais arenas. Agora, o que vemos no Japão atual? Nesta exposição vamos desvendar a história da política e do gênero com uma atenção especial ao espaço.

Gênero na Sociedade Japonesa Clássica

Na sociedade japonesa anterior, quando as divisões de gênero masculino e feminino eram ambíguas, as pessoas trabalhavam em grupos, ofereciam mercadorias como tributo e participavam de rituais comunitários. Homens e mulheres assumiram papéis de liderança em vários níveis da sociedade, de um chefe central a detentores de poder locais. Então, devemos nos perguntar como e quando os papéis masculinos e femininos passaram a ser articulados. Analisando espaços políticos e comunidades locais. vamos explorar a forma como homens e mulheres cooperaram e ver o processo através do qual as divisões de gênero foram cada vez mais institucionalizadas.

Propriedade cultural importante
Figura de argila de uma tecelã sentada
Escavado de Kabutozuka Tumulus na Prefeitura de Tochigi
Último século 6
Propriedade do Conselho Educacional da Cidade de Shimotsuke

Propriedade cultural importante
Urna cinerária de Ihokibe no Tokotarihime
710 (Wadō 3)
Propriedade do Museu Nacional de Tóquio
Imagem: Arquivos de Imagens TNM

Arquivos Shōsōin
Registro da unidade de residência de Hafuri do distrito de Kamo da província de Taiho 2 (reprodução)
710 (Taiho 2)
Propriedade do Museu Nacional de História Japonesa

Política e gênero no Japão medieval

As atendentes (nyobo) eram mulheres aristocráticas que serviam de perto a um soberano, seus familiares imediatos e famílias aristocráticas de alto escalão. Em Heian Japão, havia uma tendência de se ter uma visão negativa em relação a servir como nyobo. Essa tendência, no entanto, mudou no final do período Heian e depois, quando a autoridade e o poder governantes passaram a ser compartilhados entre várias instituições e grupos individuais, incluindo um soberano e seus familiares imediatos. Junto com essa mudança, o serviço dos nyobo passou a ser considerado semelhante ao dos cortesãos do sexo masculino, como uma das formas de promover o status político e a base econômica de suas famílias. Especificamente no período Kamakura, o mecanismo de "transmissão de mensagens e ordens reais" por atendentes foi estruturalmente incorporado ao sistema de mandato da época, como aquele controlado pelo soberano aposentado sênior ou aquele supervisionado pelo soberano. Nos períodos Muromachi e Sengoku, nyobo hosho, cartas escritas por atendentes transmitindo os desejos do soberano, passaram a ser usadas com frequência como documentos oficiais.

Arquivo do mosteiro Kōzan de propriedade cultural importante
Carta de Minamoto no Yoshitsune
O vigésimo oitavo dia do sexto mês em 1185 (Genryaku 2)
Propriedade do Museu Nacional de História Japonesa

Família e religião medievais

No Japão medieval, as "famílias" patrilineares (isto é) eram formadas independentemente do status social ou classe. Enquanto isso, o relacionamento de um casal e os papéis da esposa tornaram-se bastante importantes, as viúvas passaram a ser reconhecidas pela sociedade como representantes da família, que pranteavam seus maridos e mantinham autoridade sobre os filhos. Embora gradualmente enfrentassem restrições, as mulheres japonesas medievais podiam possuir e administrar propriedades. Por meio de análises detalhadas de fontes primárias escritas e visuais, esta exposição revela como mulheres com autoridade econômica em uma sociedade medieval instável com fortes influências religiosas assumiram a responsabilidade de conduzir os rituais budistas de suas famílias, aprofundar sua devoção e praticar atividades religiosas de forma independente.

Propriedade cultural designada da cidade de Shizuoka
Carta do Selo Vermelho de Nun Jukei
1528 (Kyōroku 1) / 10/18
Propriedade da cidade de Shizuoka

Propriedade cultural importante
Estátua de pé de Jizō Bosatsu (Bodhisattva)
1334 (Kenmu 1)
Propriedade do Museu Nacional de História Japonesa

Propriedade cultural importante
Objetos colocados na estátua em pé de Jizō Bosatsu (Bodhisattva) (Oração da Dedicação, Pregos e Cabelos)
1334 (Kenmu 1)
Propriedade do Museu Nacional de História Japonesa

Propriedade cultural importante
Objetos colocados na estátua em pé de Jizō Bosatsu (Bodhisattva) (imagem impressa de Buda)
1334 (Kenmu 1)
Propriedade do Museu Nacional de História Japonesa

Gênero no trabalho e na vida - Da Idade Média aos Tempos Modernos -

Nosso entendimento sobre a divisão do trabalho entre homens e mulheres varia consideravelmente de acordo com a época e a sociedade. No Japão medieval, por exemplo, muitas mulheres trabalharam e desenvolveram suas carreiras como donas de negócios nos campos comercial e industrial. Como tal, eles alcançaram um certo nível de reconhecimento social. No início dos tempos modernos, entretanto, as mulheres deixaram de ser vistas como profissionais de pleno direito, à medida que a sociedade foi reestruturada para incorporar regras e ideias mais centradas no homem. Por meio de comparações com outras situações do Leste Asiático, como áreas no continente chinês e nas regiões do norte do arquipélago japonês, mostramos que existia considerável diversidade de gênero na divisão do trabalho. Ao focar nesta diversidade histórica e regional, pretendemos considerar o nosso "conhecimento comum" de um ponto de vista relativista.

Donja (Manto de dormir de pano de retalhos em camadas antigas)
Séculos 19 a 20
Museu Amuse, coleção Tanaka Chūzaburō

Cenas famosas de Higashiyama (2º painel da tela dobrável) (Parcial)
Último Século 16
Propriedade do Museu Nacional de História Japonesa

Modelagem de cabelo
Fotografado por F. Beato
1863 (Bunkyū 3)
Propriedade da Biblioteca da Universidade de Nagasaki

Modelagem de cabelo feminino e rsquos
Fotografado por F. Beato
1863 (Bunkyū 3)
Propriedade da Biblioteca da Universidade de Nagasaki

Da separação à exclusão --espaços políticos e a transformação do gênero nos primeiros tempos modernos e modernos -

No espaço político do Castelo Eda e nas residências dos senhores do domínio (daimyo), as mulheres foram consideradas como tendo sido mantidas em segundo plano com base nas distinções dos primeiros tempos modernos entre "ornamentado e oku" (frente e verso) ou "público e privado. " No entanto, estudos recentes revelaram que a estrutura do castelo consistia não apenas de uma área pública voltada para a frente que servia como espaço cerimonial, mas também de uma área privada voltada para os fundos que era o local onde aconteciam os assuntos administrativos diários do shogun ou um senhor de domínio foi executado e onde as esposas e mulheres do palácio viviam e os funcionários do sexo masculino trabalhavam. Esses novos estudos lançam luz sobre as funções políticas das esposas do shogun ou senhor do domínio, bem como das mulheres de seus palácios. Na era moderna, o sistema da Constituição Meiji repudiou essa função política desempenhada pelas mulheres como parte da estrutura desse tipo de família, resultando na expulsão das mulheres do espaço político.

Manga curta Quimonocom um padrão de pinheiros, vinhas, leões e riachos de água
Período Edo posterior
Propriedade do Museu Nacional de História Japonesa

Mapa ilustrado do complexo do castelo ocidental
(Arquivo da família Suzuki supervisionando o grupo de construção e reparos)
1852 (Kaei 5)
Propriedade do Museu Nacional de História Japonesa

Ata do Terceiro Órgão Deliberativo do Conselho Privado
1889 (Meiji 22)
Propriedade do Museu Nacional de História Japonesa

Comércio e sociedade do sexo

O comércio do sexo é fundamentalmente moldado pelo gênero e pelas características sociais de cada época. Embora a prostituição nunca tenha se desenvolvido como ocupação profissional no Japão antigo, ela se tornou uma profissão doméstica durante o período medieval, à medida que as prostitutas formavam famílias matrilineares e grupos profissionais, fornecendo entretenimento e serviços sexuais. No início dos tempos modernos, o xogunato aprovou oficialmente um sistema pelo qual os donos de bordéis, que eram reconhecidos como um grupo de status, forçavam as mulheres obtidas por meio do tráfico para a prostituição. No Japão moderno, um sistema de prostituição economicamente opressor permeou a sociedade. Sob o pretexto de "vender-se", esse sistema coagiu as mulheres à prostituição sob controle do governo. Por meio da análise das vozes das prostitutas e da situação dos homens que compraram seus serviços, esta seção explora a relação entre o comércio do sexo e a sociedade.

Pergaminhos de imagens dos primeiros artesãos e artesãos modernos c
Volume mais baixo (parcial)
Pinturas: Kuwagata Keisai
Textos: Santō Kyōden
Durante a Era Bunka
Propriedade do Museu Nacional de Tóquio

Propriedade cultural importante
& ldquoBeauty (Oiran), & rdquo Pintura a óleo de Takahashi Yuichi
1872 (Meiji 5)
Propriedade da Tokyo University of the Arts

Carta da Prostituta do Bordel Inamoto, Koina III
1863 (Bunkyū) 3
Propriedade de Suzaka City Archives

Oboechō, Prostituta Sakuragi & Diário de rsquos (Umemotoki vol. 3, a coleção Kanō)
1846 (Kōka 3)
Propriedade da Tohoku University Library

Suprimentos diários (utensílios de lavagem) de prostitutas no bordel Kiyosadarō (na atual cidade de Yōkaichi, na província de Shiga)
Períodos Taishō-Shōwa
Propriedade do Museu de Direitos Humanos de Osaka

Gênero na vida cotidiana e no trabalho - Do Japão moderno ao contemporâneo -

Que tipo de imagens pessoais associamos a palavras como "trabalhador", "político", "burocrata" ou "especialista"? Na sociedade japonesa do pré-guerra, esses papéis eram limitados aos homens, e uma barreira de gênero foi criada até mesmo nos exames de qualificação. Do ponto de vista de gênero, o período moderno é uma época em que as mulheres foram excluídas de vários lugares e tornadas invisíveis, apesar das oportunidades abundantes. Nesta seção, reconsideramos, de dentro do sistema moderno, a relação entre profissão e trabalho, enquanto examinamos como as mulheres foram obrigadas a exibir "feminilidade" mesmo em profissões especializadas.

Entrando em uma mina (mãe e filho) —UNESCO & ldquoMemory of the World & rdquo (Yamamoto Sakuhei & rsquos Video Recording)
Por volta de 1899 (Meiji 32)
Propriedade do Tagawa City Coal and History Museum e da família copyYamamoto

Cartaz & ldquoSe homens e mulheres recebem igualdade de remuneração por trabalho igual ... & rdquo Divisão de Trabalho Feminino do Departamento de Mulheres e Menores do Ministério do Trabalho
1948 (Shōwa 23)
Propriedade da Coleção Gordon W. Prange, Universidade de Maryland

& ldquoNovo jogo de tabuleiro : Dois caminhos de vida para homens e mulheres contemporâneos & rdquo por Kiyotaka Kataburi (Um suplemento de Clube Literário [Bungei Kurabu] 13, não. 1, 1907 [Meiji 40] Hakubunkan)
Propriedade do Museu Nacional de História Japonesa `


Artes Visuais Japonesas


O estilo de pintura chinesa foi influente no desenvolvimento inicial da pintura japonesa, mas particularmente após o século 14, a pintura japonesa se desenvolveu de maneiras diferentes. Essas diferenças tornaram-se pronunciadas durante os séculos 17 a 19, quando o Japão se isolou do mundo exterior.

A pintura japonesa tendia a ser mais abstrata e mais naturalista do que a pintura chinesa, dependendo do artista e do assunto. O estilo japonês permitiu maior espontaneidade e individualidade. Embora as paisagens japonesas e a pintura panorâmica em rolagem apresentassem uma perspectiva mutante, como a pintura chinesa, muitos trabalhos focaram em assuntos mais íntimos e limitados, permitindo uma perspectiva mais explícita e efeitos de iluminação. Retratos individuais, cenas do cotidiano, estudos de plantas e animais foram feitos, e essas imagens foram tratadas com espontaneidade e individualismo. Em contraste com a estética chinesa mais decorativa, o estilo japonês tende a se reduzir ao essencial, uma tentativa de capturar a forma e as características básicas de um assunto específico. Também um estilo de pintura chamado Ukiyo-e, que se tornou conhecido pelos ocidentais principalmente por meio de gravuras em xilogravura no século 19, desenvolveu maneiras dramáticas e muito distintas de usar linhas e cores em paisagens, retratos e outros assuntos. As impressões Ukiyo-e tiveram um efeito importante no trabalho de artistas ocidentais.

O fato de o Japão ser uma ilha também contribuiu para a maneira como as idéias visuais lá se desenvolveram. Com espaço claramente limitado e a necessidade de administrá-lo bem, o amor xintoísta e budista pela natureza é aproveitado. Visto que a natureza selvagem ilimitada não está disponível, a essência da natureza selvagem é procurada. A arte do paisagismo e jardinagem se desenvolveu para um alto nível de sofisticação, em que arranjos informais cuidadosamente projetados criam a ilusão de ambientes "naturais", nos quais a essência da natureza é capturada e domada. Da mesma forma, flores, árvores ou outras plantas ou animais individuais - até mesmo insetos - são isolados e celebrados pelo artista, tudo isso no contexto do antigo simbolismo anexado a cada imagem selecionada. Este link o levará a uma exposição do belo trabalho contemporâneo de Itchiku Kubota, um mestre do shibori que produziu uma série de quimonos magníficos inspirados na natureza. A maneira como os artistas japoneses usaram as formas naturais no desenho decorativo e na pintura foi importante para o desenvolvimento do estilo Art Nouveau.


A arquitetura também é uma mistura de influências chinesas e inovações japonesas. Os métodos tradicionais de arquitetura baseiam-se nos métodos chineses de construção em madeira. A influência chinesa pode ser vista mais claramente nas grandes estruturas que sobreviveram ao período Nara (século VIII). A arquitetura japonesa, como outras artes, está mais preocupada com a forma do que com o embelezamento da superfície. Este templo em Kamakura é um exemplo da arquitetura japonesa do século 13. Os exteriores e interiores japoneses enfatizam o espaço e a forma, com decoração e móveis limitados ao essencial. o arranjo assimétrico e multifuncional das casas japonesas e as formas retilíneas simples criadas por molduras e painéis de parede foram influentes nos primeiros arquitetos modernistas, notadamente Frank Lloyd Wright e os designers de Stijl e Bauhaus. As formas da arquitetura e do mobiliário japoneses também foram um fator no desenvolvimento inicial do estilo Arts and Crafts na Inglaterra.

Wright também ficou impressionado com a preocupação japonesa com a paisagem, e o design da arquitetura como uma extensão da paisagem. Isso se tornou uma característica importante de seu próprio trabalho.

As pinturas e gravuras japonesas, especialmente as xilogravuras de Hiroshige, influenciaram vários artistas europeus e americanos no final do século XIX. Outros gravadores, como Sharaku, eram conhecidos por seus retratos de atores e personagens de teatro. Entre os que se inspiraram nas gravuras japonesas, destacam-se Edouard Manet, Vincent van Gogh e James MacNeil Whistler. O uso de fundos neutros, perspectivas incomuns e simplificação de formas foram de particular importância para Manet e Whistler. Van Gogh também copiou as técnicas e texturas das xilogravuras japonesas. A pintura japonesa, em particular a tinta a tinta, influenciou vários pintores ocidentais de aquarela, como John Marin. Se você estiver interessado em mais informações sobre as influências mútuas do Japão e do Ocidente, tente este link.


Inteligência cultural: a arte de comer no Japão

(Imagem: ninekrai / Shutterstock)

Os japoneses comiam com os dedos antes do século VII. Junto com o budismo, da China, o pauzinho foi introduzido, e a comida normalmente era cortada em pedaços do tamanho da boca ou às vezes maiores. Por algum motivo, as colheres não pegaram, e os japoneses geralmente bebiam diretamente da tigela. Uma tigela de laca continua a ser tradicional para beber sopa e para fazer caixas de bento. As tigelas de cerâmica geralmente são destinadas a outros alimentos, como arroz e acompanhamentos.

Cada indivíduo teria seu próprio conjunto de hashis. (Imagem: iPortret / Shutterstock)

Cada indivíduo teria seu próprio conjunto de hashis. Os separados eram usados ​​para servir você não levava comida com seus pauzinhos pessoais. O mesmo enfoque em boas maneiras e etiqueta se desenvolveu aqui mais ou menos na mesma época, ou se não um pouco antes, do que no Ocidente, mas obviamente com resultados muito diferentes. Existe uma forma semelhante de evitar poluir pratos de servir comuns com a saliva, não é uma preocupação higiênica, mas mais a ver com idéias de limpeza e poluição que vêm do xintoísmo.

A outra característica única é que originalmente não havia cadeiras. Os comensais sentavam-se diretamente em um tatame no chão de madeira e, como beber em uma tigela, obriga você a fazer tudo de forma mais lenta e metódica. Seria perigoso comer comida assim rapidamente. Normalmente, você aproxima a tigela dos lábios e leva a comida à boca com os pauzinhos. Isso é considerado educado, ao contrário do Ocidente, onde você realmente não consegue pegar o prato, é melhor deixar a comida derramar na sua gravata ao levá-la à boca. A comida é posta em pequenas mesas de madeira e, embora tudo seja apresentado de uma vez, você começa com certos alimentos antes de ir até os outros. Os pratos quentes costumavam ter pequenas tampas em cada um para mantê-los quentes, às vezes é apenas outra tigela virada servindo de tampa. Você pode então abri-lo e usá-lo como uma segunda tigela.

A Criação das Tradições Japonesas

Provavelmente, a cerimônia mais ritualizada envolvia tomar chá, chadō .

Maneiras muito formalizadas e ritualizadas se desenvolveram nos séculos 16 e 17, especialmente entre a classe samurai, provavelmente pelas mesmas razões que desenvolveram entre os nobres no Ocidente exatamente ao mesmo tempo: Você evita mal-entendidos e explosões violentas. Lembre-se de que todos estão armados, mas na mesa há uma trégua ritualizada. A cerimônia mais ritualizada envolvia tomar chá, chadō.

O próprio chá veio com os budistas da China, mas por algum motivo caiu em desuso e recuperou popularidade na Idade Média. Normalmente, não se trata de folhas de chá preto fermentado como as encontradas na China, mas de chá verde em pó. Hoje, chá de folhas verdes ou sen-cha é mais popular e um pouco mais fácil de fazer também. Há uma cerimônia desenvolvida no século 16 para refletir a filosofia Zen: ela buscou criar uma experiência estética completa de arte, arquitetura, jardinagem, artesanato e comida. Há uma festa formal que acompanha a cerimônia, chamada kaiseki-ryori—E uma ordem estrita de cursos. Os detalhes sobre por que, depois de estar tão aberto à influência externa, o Japão repentinamente se fechou são fascinantes. Os portugueses foram os primeiros europeus a estabelecerem entrepostos comerciais no Japão.

Menu de vários pratos Kaiseki (Imagem: Omongkol / Shutterstock)

No início, os japoneses adotaram alegremente as comidas europeias, começaram a fazer sobremesas, comer bolo amarelo e coisas desse tipo.

Eles trouxeram missionários jesuítas. No início, os japoneses adotaram alegremente as comidas europeias, começaram a fazer sobremesas, comer bolo amarelo e coisas desse tipo. Há um Livro de Receitas do Bárbaro do Sul—Referindo os europeus — que regista todas estas receitas portuguesas, provavelmente no início do século XVII. Então, em 1639, o xogunato Tokugawa, sentindo que todo esse contato era um pretexto para colonizar o Japão - talvez verdade - decidiu banir o cristianismo, expulsar os portugueses e se isolar do resto do mundo. Apenas os holandeses tinham permissão para comerciar de uma pequena ilha ao largo de Nagasaki, eles basicamente tiravam prata e produtos japoneses, mas não importavam muitos produtos ocidentais para lá. Esse embargo durou até meados do século XIX.

O resultado é que, durante este período, o Edo (que leva o nome da cidade principal), o Japão desenvolveu as artes, a literatura e a culinária inteiramente por conta própria, com estabilidade, paz e um verdadeiro florescimento da cultura.

Foi aí que a maioria dos pratos japoneses clássicos foram desenvolvidos. É uma cultura rica, amplamente urbana e sofisticada, na qual existe uma grande e rica classe média de comerciantes, empresários e artesãos. O imperador não era o verdadeiro com poder neste período. Foram as elites guerreiras - os xoguns - que administraram o país e desenvolveram os rituais da corte. Eles praticavam artes marciais, dirigiam o governo e se divertiam.

Embora governasse politicamente, economicamente, a classe mercantil foi a força importante neste período. Eles tinham o dinheiro que comiam fora de casa muitas vezes, moravam nessas cidades - Edo, Osaka, Kyoto - e iam comer no que deveríamos chamar de restaurantes. É seguro dizer que esta foi a primeira cultura alimentar baseada em restaurante que enfatizou a beleza da decoração, os utensílios de mesa, os jardins ornamentais que geralmente estão ligados a um restaurante. Seu incentivo era inovar para atrair clientes. O que eles inventaram foi a alta culinária japonesa, que é a base da maior parte da culinária tradicional japonesa hoje. São esses restaurantes do período Edo que colocam tanta ênfase na apresentação e na filosofia que enfatiza o natural, o não afetado e o casual.

A arte dos talheres japoneses

A comida nunca é apresentada simetricamente, isso é um arranjo artificial. Todos os tipos de alimentos em um prato, como você encontra no Ocidente, com guarnições - são evitados. Na verdade, espaço vazio é melhor, e um pedaço de comida é colocado em uma parte para que você possa se concentrar nele e a proporção de espaço vazio e espaço ocupado é claramente necessária. Os japoneses também têm uma obsessão por embalagem: o processo de abrir e revelar todos os tipos de belas camadas, incluindo a forma como é apresentada e embalada, mas também é a maneira como a comida se desdobra. Você não quer dar tudo de uma vez - você quer que haja pequenas surpresas no fundo de uma tigela de sopa ou debaixo de um arranjo de comida.

A culinária japonesa também é a que mais dá atenção ao tamanho, formato e cor das tigelas em que é servida. No Ocidente, esperamos que todos os pratos sejam iguais - provavelmente brancos - e todos recebam o mesmo. É uma estética industrial, regularidade e também muito democrática. Pareceria injusto se você fosse a um restaurante e uma pessoa ganhasse um prato grande e outra pequena. Mas na culinária japonesa, as tigelas, os recipientes para servir, eles são escolhidos para aumentar cuidadosamente a qualidade tátil e sensorial da comida. É perfeitamente normal que tenham formas, tamanhos e cores diferentes. O conhecimento de que uma mão humana formou a tigela é mais valioso do que uma forma normal, estampada por máquina. O Japão é um país que transforma seus oleiros e artesãos em tesouros vivos nacionais, então os objetos feitos à mão são verdadeiramente reverenciados. Uma tigela de chá raku de verdade pode custar milhares de dólares, ou papel feito à mão, um quimono de seda ou letras pintadas à mão. A habilidade do artesão - e os chefs estão absolutamente incluídos nisso - é muito mais valorizada do que no Ocidente, pelo menos neste período.

O apelo visual é muito mais importante do que quase qualquer outra cozinha: atenção cuidadosa à cor, forma, como as coisas ficam no prato, o design geral.

Outra característica desse arranjo meticuloso é a atenção dada aos diferentes sentidos. O apelo visual é muito mais importante do que quase qualquer outra cozinha: atenção cuidadosa à cor, forma, como as coisas ficam no prato, o design geral, mas também a textura da comida em sua boca. É crocante, viscoso ou em borracha? O aroma entra em suas narinas quando você o leva à boca? Há também esta atenção a que tipo de memórias ou associações um alimento pode ter com o jantar: com um determinado lugar ou época do ano, ou um festival, da mesma forma que podemos associar o peru com o Dia de Ação de Graças ou o presunto com a Páscoa, mas eles têm muitos associações mais específicas que são evocadas conscientemente. Pode haver uma grande variedade de alimentos que são agrupados em uma refeição porque estão associados ao outono, ou ao dia do menino, ou algo parecido.

Ao contrário da cozinha ocidental ou mesmo de outras asiáticas, os japoneses apreciam ingredientes únicos por conta própria, em vez de combinações complexas de sabor e textura e há algo muito minimalista nisso, razão pela qual cozinhar (e arte, nesse caso) tem sido muito atraente para os ocidentais mais tarde, ou mais recentemente. As técnicas de cozimento também são muito simples. Se cozido, é feito por um período de tempo preciso, geralmente no fogão. Não há muito cozimento ou assado, a comida é cortada em pequenos pedaços para que cozinhe de forma mais rápida e uniforme, e você nunca precisará de um objeto pontiagudo na mesa. Quase todos os alimentos são cozidos no vapor, grelhados ou fritos.

The Bento Box

A caixa de bento é realmente a comida japonesa por excelência. (Imagem: hlphoto / Shutterstock)

A caixa de bento é a comida japonesa por excelência. É um almoço em miniatura elegante em uma caixa. Há arroz no núcleo, mas também há um pequeno pedaço de peixe grelhado, um único camarão, alguns picles, algumas saladas frias podem ser de raiz de gobo ou bardana disposta em um shiso folha, e há um pouco de fruta. Cada item é apresentado em seu próprio compartimento artístico para que não se misturem, feito para ser comido em qualquer lugar. Pense em como isso é diferente da maneira como nos Estados Unidos comemos um sanduíche ou fast food. É rápido, mas é uniforme: tudo junto, salgado, gorduroso e encharcado com ketchup, certo? A caixa de bento é toda separada e cada sabor e textura é seu próprio episódio em miniatura em uma série de pratos um pequeno banquete em uma caixa, se você quiser.

A caixa de bento e todas as outras formas de comida japonesa mudaram, é claro, com a industrialização. Mas eles ainda retêm algo daquela estética original deste período. Não é surpreendente que a culinária japonesa teve uma grande influência na culinária ocidental no século 20.

Perguntas comuns sobre a arte de comer no Japão

Uma refeição japonesa comum consiste em uma tigela de arroz, peixe ou carne, legumes em conserva e uma tigela de sopa de missô.

Sushi / sashimi é de longe a comida mais popular no Japão, com o ramen vindo em segundo lugar. Ambos são obcecados e têm muitas variações.

A alta cozinha, como Kaiseki, sala de jantar privativa e kappo, que eram restaurantes sofisticados, floresceu e avançou a cultura japonesa durante o período Edo. No entanto, a comida de rua da época assumiu um caráter radicalmente novo, com uma obsessão por yatai, que eram barracas móveis que serviam refeições prontas para uma população crescente em movimento.

Os & # 8220quatro reis & # 8221 da cozinha Edo eram essencialmente salgadinhos. Eram enguias cozidas com molho de soja doce, tempurá de frutos do mar (que ainda é uma mania) com molho, macarrão de soba e bolinhos, e o grande presente para o mundo que é o sushi. O sushi nasceu no período Edo como o tipo que hoje conhecemos como nigiri.


A arte do jogo: a história da diversão no Japão

O antigo poeta grego Ovídio escreveu que a forma como brincamos revela o tipo de pessoa que somos. É de se perguntar como ele teria visto os japoneses de antigamente, que transformaram a brincadeira em uma forma de arte.

& # 8220Styles of Play: The History of Merrymaking in Art & # 8221 no Suntory Museum of Art investiga várias diversões, com exposições que vão do período Muromachi (1392-1573) ao período Edo (1603-1868). Reúne mais de 100 exposições, incluindo pinturas e outras obras de arte que retratam os entretenimentos da época, bem como alguns objetos originais que foram usados ​​para brincar.

Pessoas desfrutando de diferentes tipos de recreação ao longo do ano era um tema popular do estilo clássico Yamato-e de pintura japonesa. & # 8220Customs Month by Month & # 8221 uma tela dobrável de seis painéis do Período Edo, por exemplo, inclui cenas de pessoas apreciando as flores de cerejeira na primavera e dançando em um festival de verão.

Exibida no início da exposição está uma bola semelhante a uma bola de futebol feita de couro de veado. Usado em um jogo chamado kemari, teria sido chutado para o ar pelos jogadores pelo maior tempo possível. Em uma cena de um álbum de imagens ilustrando Murasaki Shikibu & # 8217s famoso & # 8220Tale of Genji & # 8221, um grupo de oficiais do tribunal estão absortos no jogo, enquanto uma nobre os observa secretamente por trás de uma tela de bambu. O álbum foi pintado por Sumiyoshi Jyokei e inscrito por Sono Motoyoshi no século XVII.

O Japão adotou o jogo de tabuleiro go da China, e um tabuleiro particularmente impressionante do Período Edo está incluído na exposição. Ricamente decorado com maki-e laca, ostenta um desenho do Monte Horai com motivos de guindaste, bambu e pinheiro em preto e dourado. Na China, proficiência em caligrafia, pintura a tinta, música e tudo mais era considerada uma parte essencial de uma vida culta e veio a ser conhecida como & # 8220four arts. & # 8221 Uma seção da exposição é dedicada a fotos, muitas delas da China , retratando cavalheiros perseguindo essas atividades.

Um exemplo do tema das quatro artes abordado por pintores no Japão é a obra do século 17 de Kaiho Yusho. Nas quatro artes japonesas, no entanto, os chineses qin, um tipo de cítara, foi substituído pelo shamisen, enquanto go, apesar de sua popularidade, acabou sendo substituído por representações de pessoas jogando o jogo de tabuleiro Sugoroku.

Sugoroku deriva do gamão, que se originou no Egito e se espalhou pela Europa e depois pela Ásia. Um belo exemplo de um tabuleiro de sugoroku do Período Edo, em preto e dourado maki-e, completo com um par de dados e um suporte de dados também está em exibição.

Os jogos de cartas, originalmente introduzidos em Portugal, foram outro passatempo popular a partir de meados do século XVI. Os primeiros cartões feitos no Japão eram baseados em designs europeus, mas logo foram complementados, ou mesmo suplantados, por motivos japoneses. Com o tempo, certos tipos de baralhos foram estabelecidos, como o popular baralho Unsun, que se acredita ter o nome do português para & # 8220one & # 8221 e & # 8220 pontuação mais alta. & # 8221

Nenhum exame da peça no Japão estaria completo sem um olhar para o mundo dos bairros de prazer, e a exposição dedica uma seção a trabalhos sobre esse tema popular. Muitas das pinturas & # 8220House of Pleasure & # 8221 do período Edo retratam em detalhes os complexos de construção onde as cortesãs viviam e trabalhavam e os mostram entretendo seus clientes com música, jogos de cartas e outras diversões. No entanto, no par de biombos do século 17, & # 8220Amusements of Women & # 8221, temos acesso a quando as mulheres estão sozinhas e podem desfrutar de suas próprias formas de relaxamento & # 8212 refrescando os pés em algum tipo de canal que atravessa o pátio e até mesmo se abraçando, sugerindo o verdadeiro amor por trás do comércio de intimidade.

& # 8220Styles of Play & # 8221 também dá uma olhada em várias atividades ao ar livre e inclui várias imagens de arco e flecha, corrida de cavalos, pessoas dançando nas ruas e, é claro, Matsuri (festivais).

& # 8220Cenas ao longo do rio em Shijo, Kyoto, & # 8221, um par de biombos do século 17, mostra pessoas desfrutando de apresentações musicais e de dança. Hoje as pessoas comem e bebem ao longo das margens do rio Kamo retratado nesta obra, que é uma importante propriedade cultural designada, ao invés de desfrutar de entretenimento, mas o costume de se refrescar e aproveitar as noites de verão continua.

& # 8220Styles of Play: The History of Merrymaking in Art & # 8221 no Suntory Museum of Art vai até 18 de agosto & # 1651.300. Para obter mais informações, visite www.suntory.com/sma.

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