Alfred Hitchcock

Alfred Hitchcock

Alfred Hitchcock foi um cineasta e produtor britânico-americano conhecido por seus filmes de suspense e suspense. Ele é famoso por sua habilidade de manter o ritmo e suspense durante um filme inteiro.Primeiros diasAlfred Joseph Hitchcock nasceu em Leytonstone, Londres, em 13 de agosto de 1899, filho de William e Emma Jane Hitchcock. Quando Alfred tinha 14 anos, seu pai morreu. Alfred deixou o internato para estudar na Escola de Engenharia e Navegação. Depois de se formar, ele se tornou desenhista e publicitário de uma empresa de TV a cabo.Início de carreira e casamentoPor volta dessa época, Hitchcock ficou intrigado com a fotografia e começou a trabalhar no cinema em Londres. Ele criou títulos para filmes mudos. Em 1925, Hitchcock teve a chance de dirigir seu primeiro filme, The Pleasure Garden. Não foi um grande sucesso, nem seu segundo filme, A águia da montanha.Hitchcock se casou com Alma Reville em 1926. O casal permaneceria casado até sua morte em 1980.O gênero suspense traz sucessoO jovem diretor mudou seu gênero para o suspense. O resultado inicial foi The Lodger: A Story of the London Fog (1927), baseado no primeiro romance a apresentar uma solução para os assassinatos de Jack-o-Estripador. Foi o primeiro filme a revelar o estilo de suspense “Hitchcockiano” e a primeira das 37 aparições de Hitchcock em seus próprios filmes. Em 1929, Hitchcock começou a trabalhar em seu décimo filme, Chantagem. Esse filme também iniciou o hábito de Hitchcock de usar marcos famosos como pano de fundo para uma história. O clímax de Chantagem aconteceu na cúpula do Museu Britânico. Hitchcock começou a trabalhar para a Gaumont-British Picture Corporation em 1933. Seu primeiro filme para a empresa, O homem que Sabia Demais (1934), foi um sucesso. Em 1935, Os 39 Passos foi considerado o melhor filme de seu período inicial. Selznick o atraiu para ir a Hollywood.Para HollywoodPara começar sua carreira em Hollywood, Hitchcock fez seu primeiro filme americano, Rebecca, em 1940. Ele também fez Correspondente estrangeiro no mesmo ano, que também recebeu uma indicação de Melhor Filme. Em 1946, Alfred não apenas dirigiu, mas produziu o filme Notório. Notório continua sendo um de seus filmes mais aclamados. Em 1948, o primeiro filme colorido de Hitchcock, Corda, foi liberado. Esse filme foi estrelado por James Stewart; seria o primeiro de quatro filmes de Alfred Hitchcock em que estrelou. Os anos de 1954 e 1955 foram uma boa temporada para Hitchcock, com o lançamento de três filmes populares, todos estrelados por Grace Kelly. O primeiro, Disque M para assassinato, co-estrelado por Ray Milland, apresentou cinematografia 3D. Janela traseira também estrelou James Stewart, e Pegar um ladrão estrelou Grace Kelly e Cary Grant. Henry Fonda estrelou no Homem errado (1956), que foi baseado na história verídica de um homem inocente confundido com um criminoso. Quando Vertigem foi lançado em 1958, foi um fracasso comercial, mas desde então se tornou conhecido como uma obra-prima de Hitchcock. Hitchcock seguiu esse filme com três filmes muito diferentes, todos os quais foram um grande sucesso. Todos os três também são reconhecidos como entre seus melhores filmes: North by Northwest (1959), Psicopata (1960), e Os pássaros em 1963. As cordas estridentes na cena do crime em Psicopata ultrapassou os limites do tempo e continua assustador até hoje. Os pássaros usou uma trilha sonora produzida eletronicamente. A carreira de Hitchcock desacelerou após esses filmes. Enredo Familiar em 1976 foi seu último filme.O fim com honrasNas honras de Ano Novo de 1980, Alfred Hitchcock foi nomeado Cavaleiro Comandante da Ordem do Império Britânico pela Rainha Elizabeth II. Ele permaneceu súdito britânico quando adquiriu a cidadania americana em 1956, então tinha o direito de ser conhecido como Sir Alfred Hitchcock e usar as letras pós-nominais KBE. Em 29 de abril de 1980, Alfred Hitchcock morreu de insuficiência renal em seu Bel Air, Los Angeles, em casa, aos 80 anos. Ele deixou sua esposa Alma Reville e sua filha, Patricia Hitchcock O'Connell. Seu corpo foi cremado; não houve funeral público ou serviço memorial.


Biografia

Alfred Hitchcock nasceu em Leytonstone, Inglaterra, em 13 de agosto de 1899. Ele era o caçula de três filhos de William e Emma Jane Hitchcock.

Depois de frequentar uma escola técnica aos 15 anos, Hitchcock passou os primeiros anos de sua carreira como desenhista, designer de publicidade e redator. O interesse pela fotografia o levou a trabalhar na indústria cinematográfica de Londres, primeiro como designer de cartões de título para filmes mudos e, apenas cinco anos depois, como diretor.

Em 1926, Hitchcock se casou com seu assistente de direção, Alma Reville, e em 1928 eles tiveram uma filha, Patricia.

Hitchcock rapidamente ganhou notoriedade como um diretor que entregou suspense, finais de torção e assuntos sombrios. Sua própria personalidade e humor negro foram incorporados à cultura popular por meio de entrevistas, trailers de filmes e aparições em seus próprios filmes. Ele era popular com o público em casa e no exterior e, em 1939, a família Hitchcock mudou-se para Hollywood. Nas três décadas que se seguiram, ele cimentou seu legado, dirigindo e produzindo suas obras mais duradouras e bem-sucedidas. Sua antologia para a televisão, Alfred Hitchcock Presents, foi publicada de 1955 a 1965 e fez dele um nome familiar.

Durante sua carreira, ele criou mais de cinquenta longas-metragens em uma carreira que viu não apenas o desenvolvimento do estilo próprio de direção de Hitchcock, mas também inovações marcantes no cinema. Em 1929, Blackmail foi seu primeiro longa-metragem com som e em 1948, seu primeiro filme colorido foi Rope. O próprio Hitchcock foi considerado o pioneiro de muitas técnicas de câmera e edição para colegas e aspirantes a diretores.

Hitchcock recebeu muitos elogios profissionais, incluindo dois Globos de Ouro, oito prêmios Laurel e cinco prêmios pelo conjunto da obra. Ele foi cinco vezes indicado ao Oscar de Melhor Diretor e, em 1940, seu filme Rebecca ganhou o Oscar de Melhor Filme. Em 1980, ele recebeu o título de cavaleiro da Rainha Elizabeth II.

Marido, pai, diretor e Mestre do Suspense, Sir Alfred Hitchcock faleceu em 29 de abril de 1980.


Crescendo com medo da autoridade

Alfred Joseph Hitchcock nasceu em 13 de agosto de 1899, em Leytonstone, no East End de Londres. Seus pais eram Emma Jane Hitchcock (neé Whelan), que era conhecida por ser teimosa, e William Hitchcock, um dono da mercearia, que era conhecido por ser severo. Alfred tinha dois irmãos mais velhos: um irmão, William (nascido em 1890) e uma irmã, Eileen (nascida em 1892).

Quando Hitchcock tinha apenas cinco anos, seu pai rigoroso e católico deu-lhe um grande susto. Tentando ensinar uma lição valiosa a Hitchcock, o pai de Hitchcock o enviou à delegacia de polícia local com um bilhete. Assim que o policial de plantão leu a nota, o policial trancou o jovem Hitchcock em uma cela por vários minutos. O efeito foi devastador. Embora seu pai estivesse tentando lhe ensinar uma lição sobre o que acontecia com pessoas que faziam coisas ruins, a experiência deixou Hitchcock profundamente abalado. Como resultado, Hitchcock sempre teve medo da polícia.

Um pouco solitário, Hitchcock gostava de desenhar e inventar jogos em mapas nas horas vagas. Ele frequentou o internato do St. Ignatius College, onde se manteve longe de problemas, temeroso dos severos jesuítas e de suas agressões públicas aos meninos que se comportavam mal. Hitchcock aprendeu desenho na Escola de Engenharia e Navegação do Conselho do Condado de Londres, em Poplar, de 1913 a 1915.


Alfred Hitchcock

O diretor e produtor Alfred Hitchcock popularizou tanto o termo "MacGuffin" quanto a técnica, com seus filmes Número Dezessete (1932) e Os 39 Passos (1935) sendo os primeiros exemplos do conceito.

De acordo com algumas fontes, acredita-se que o escritor Angus MacPhail originalmente cunhou o termo.

Hitchcock explicou o termo "MacGuffin" em uma palestra de 1939 na Universidade de Columbia:

[Nós] temos um nome no estúdio, e o chamamos de "MacGuffin". É o elemento mecânico que geralmente surge em qualquer história. Nas histórias de vigaristas, quase sempre é o colar, e nas histórias de espionagem, quase sempre são os jornais.

Em 1944, TEMPO relatou Hitchcock dizendo, "O McGuffin é a coisa que o herói persegue, a coisa que o filme é. é muito necessário" antes de continuar a explicar: [1]

De forma alguma original com Hitchcock, o McGuffin é uma velha piada britânica sobre um homem que carrega pacotes em um trem e encontra outro homem, que pergunta:
"O que há no pacote?"
"Um McGuffin."
"O que é um McGuffin?"
"Um McGuffin é um animal pequeno com uma cauda longa, amarela e manchada, usado para caçar tigres em Nova York."
"Mas não há tigres em Nova York."
"Ah, mas este não é um McGuffin real."

O mês seguinte, TEMPO publicou uma carta de Jack Moffitt da Warner Bros .: [2]

O diretor Alfred Hitchcock é um arrivista britânico sem nenhum conhecimento da linguagem de Hollywood. A única coisa que o herói persegue não é um McGuffin, mas um wenie, e tem sido desde os dias de Mack Sennett. As pérolas roubadas foram colocadas em um wenie. O wenie foi roubado por um cachorro. E o cachorro foi perseguido por todos, incluindo os policiais de Keystone. Eles ainda o estão perseguindo.

Entrevistado em 1966 por François Truffaut, Alfred Hitchcock ilustrou o termo "MacGuffin" com esta história:

Pode ser um nome escocês, tirado de uma história sobre dois homens em um trem. Um homem perguntou: 'O que é aquele pacote lá no bagageiro?' E o outro responde, 'Oh, isso é um McGuffin.' O primeiro pergunta 'O que é um McGuffin?' 'Bem' o outro homem disse, 'É um aparelho para capturar leões nas Terras Altas da Escócia.' O primeiro homem diz: 'Mas não há leões nas Highlands escocesas', e o outro responde 'Bem, então isso não é McGuffin!' Então você vê, um McGuffin não é nada.


Hitchcock apresenta: uma breve história dos programas estranhos e selvagens de Hitchcock que outrora dominaram a TV

Em 1960, Alfred Hitchcock estava em toda parte. Uma das verdadeiras obras-primas do diretor, “Psycho”, foi lançada naquele ano, na esteira de “North by Northwest” no ano anterior, que veio depois de “Vertigo” e “O Homem Errado” e “O Homem Que Sabia Demais”. ” “Os pássaros” estavam à sua frente.

O diretor de 60 anos, que sempre foi uma figura familiar para alguns por causa de suas aparições astutas em seus filmes, tornou-se um nome familiar por meio de seus filmes e seu programa de TV, “Alfred Hitchcock Presents”. A série de antologia de meia hora começou em 1955 e durou 10 anos, incluindo os anos em que foi expandida e rebatizada de “The Alfred Hitchcock Hour”.

Acrescente a isso "Alfred Hitchcock's Mystery Magazine", que começou em 1956 por meio de um acordo para licenciar o nome do diretor, bem como uma série de coleções de histórias de suspense e suspense, e a fama de Hitchcock como diretor era sem comparação até Steven Spielberg se tornar um nome familiar na década de 1970.

Os detalhes da vida de Hitchcock - às vezes sórdidos e terríveis, especialmente em relação aos relatos de seu comportamento desumanizador com as mulheres, incluindo algumas que estrelaram em seus filmes - se tornaram o alimento para muitas biografias.

Hoje, porém, uma olhada nos programas de televisão que levam seu nome e que ele apresentou com o que parece ser um prazer macabro.

Você pode citar uma celebridade hoje em dia que seja facilmente identificável a partir de uma caricatura apenas de seu perfil? O perfil de Hitchcock - desenhado em nove tacadas pelo próprio diretor, a história continua - e a sombra fizeram parte dos créditos de abertura durante a maior parte da série.

Isso é marca na ordem do símbolo do glifo do Príncipe.

Quando “Alfred Hitchcock Presents” estreou na CBS em 1955, a televisão ainda não estava na adolescência. Enquanto 47 milhões de lares tinham TVs em 1955, esse número começou a crescer nos anos seguintes, chegando a quase 53 milhões em 1960 e mais de 200 milhões nos anos 1990.

Nas décadas anteriores aos canais a cabo e pagos como a HBO, a maioria dos telespectadores sintonizava apenas três redes, CBS incluída, e uma ou duas estações locais. A simples falta de opções ajudou a levar os espectadores a programas como os produzidos por Hitchcock. Muitos espectadores sintonizavam todas as semanas e ouviam sua marca registrada “Boa noite” e suas respirações entre as frases.

A aparência da silhueta de Hitchcock, ambientada na "Marcha fúnebre de uma marionete", de Charles Gounod, e as introduções espirituosas e muitas vezes horríveis do diretor provocavam o que estava por vir em cada episódio: uma peça de moralidade - uma peça de imoralidade, na verdade - não muito diferente do que cômico os leitores de livros viram na EC Comics antes de serem expulsos do mercado. Ao contrário de EC, porém, o show de Hitchcock não era voltado para os jovens.

A série durou uma mordida de meia hora na maior parte de sua exibição, oferecendo histórias inteligentes e velozes com grandes elencos. Hitchcock dirigiu apenas cerca de 12 episódios e meia da série, mas sua imagem e apresentação divertida no início e no fim de cada um dos 361 episódios - contando as duas séries - reforçou seu status de culto.

Apesar de Rod Serling e sua série “Twilight Zone”, um contemporâneo do show de Hitchcock, ou os filmes de M. Night Shyamalan e suas reviravoltas logo esperadas, a série de Hitchcock construiu e continuamente reforçou o diretor e a personalidade pública do apresentador.

Os melhores escritores e diretores - e o jovem Robert Redford

Falando de "The Twilight Zone", há um episódio particularmente horrível de 1964 chamado "The Jar", no qual um caipira interpretado por Pat Buttram fica obcecado por uma coisa não identificável, mas ... semelhante a uma cabeça em uma jarra em um show secundário de carnaval. Buttram compra a jarra e a leva de volta para sua pequena cidade, onde se torna o brinde do pequeno burgo. Então tudo dá terrivelmente errado.

Mas espere ... “The Jar” não é um episódio de “Twilight Zone”. É um episódio de 1964 de "The Alfred Hitchcock Hour", e é uma história muito mais horrível do que a maioria dos escritores de Hitchcock contados. E “The Jar” é, lendariamente, uma hora de TV que a maioria das pessoas erroneamente acredita que foi um episódio de “The Twilight Zone”.

Mas enquanto os programas de Hitchcock eram geralmente mais contidos do que “The Twilight Zone”, a série teve mais episódios memoráveis, escritores e diretores.

Sydney Pollack, que dirigiu filmes essenciais como “Tootsie”, “Three Days of the Condor” e “Absence of Malice”, dirigiu dois episódios de Hitchcock. Um, “Diagnóstico: Perigo”, foi ao ar em 1963, mas parece assustadoramente deste momento, enquanto os investigadores de saúde pública de Los Angeles tentam rastrear e impedir a disseminação do antraz na cidade.

“Off Season”, um episódio de 1965, parece uma reunião “Psycho”. Foi escrito por Robert Bloch, o autor que criou Norman Bates e sua mãe em um romance de 1959. A estrela é John Gavin, que estrelou em “Psycho”. Há até um motel à beira da estrada e um funcionário de motel ligeiramente assustador. Mas, em vez de Hitchcock por trás das câmeras, era William Friedkin, que alguns anos mais tarde dirigiria o que pode ser o melhor filme de terror de todos os tempos, “O Exorcista”.

Alguns dos episódios da série Hitchcock são como pequenas obras-primas e se comparam favoravelmente com o padrão ouro, “The Twilight Zone”. Alguns parecem um pouco apressados ​​ou incluem uma reviravolta só por uma reviravolta.

Mas onde mais você pode encontrar Robert Redford e Gig Young como irmãos em um jogo de pôquer de apostas altas contra gângsteres com dedos no gatilho que coçam? Bem, em “A Piece of the Action”, o primeiro episódio de uma hora de duração, de 1962.

Tropes e uma reinicialização, é claro

Eu não tentaria argumentar que Hitchcock e todas essas empresas tinham o tipo de sinergia que a Disney tem hoje, fazendo filmes que fazem a transição para o serviço de streaming Disney +, que por sua vez gera assinaturas.

Mas a operação de negócios que girava em torno de Hitchcock e todos esses projetos era extremamente restrita. “Psycho” foi arquivado na Revue Studios, produtora da série de TV de Hitchcock, usando equipe da série de TV.

A série teve os direitos de filmar quaisquer histórias da “Alfred Hitchcock Mystery Magazine”, de acordo com um artigo de 1964 no Palm Beach Post. (A revista foi fundada em Nova York em 1956, mas seus escritórios foram transferidos para a Flórida em 1959.) Henry Slesar, um conhecido escritor da série Hitchcock, viu suas primeiras histórias publicadas na revista, que ainda está forte.

Esteja avisado: alguns episódios do programa de TV são em grande parte do período, com piadas descartáveis ​​que nem mesmo eram politicamente corretas na época e enredos que dependiam um pouco demais da tropa da mulher em perigo. A atriz Phyllis Thaxter, que foi a Lois Lane original na série de TV “Adventures of Superman”, apareceu na série Hitchcock nove vezes. Parece que em todos os episódios em que a vi, ela interpretou uma mulher emocionalmente danificada, o que provavelmente era mais próximo do estereótipo de mulher da TV na época do que a corajosa Lois.

A associação de Hitchcock com a TV e o programa com seu nome continuou após sua morte em 1980. Por quatro temporadas e 76 episódios começando em 1985, a NBC e os EUA exibiram uma versão refeita de “Alfred Hitchcock Presents” que incluía algumas das introduções do diretor a partir do original Series. Era parte de uma tendência de TV da década de 1980 em diante de séries antológicas e revivals de séries como “The Twilight Zone”.

Mas a reinicialização de Hitchcock é apenas uma reflexão tardia agora, enquanto a série original - ou duas séries - continua a tocar em canais de TV a cabo como MeTV, que “tira” o programa em um slot noturno na maioria das noites da semana.

O mestre do macabro se sentiria em casa por volta da meia-noite.


Cena do banho de psicopata: como Hitchcock aumentou o terror e enganou os censores

Alfred Hitchcock, o lendário & # x201Cmaster do suspense, & # x201D ligou Psicopata uma pegadinha.

Na verdade, foi revolucionário. O filme chocou o público com sua famosa cena de 45 segundos & # x201Cshower & # x201D, uma sequência de parar o coração após a qual nada mais seria o mesmo.

Estreou em 16 de junho de 1960, Psicopata quebrou tabus e convenções cinematográficas. Hitchcock estava saindo de North by Northwest, um thriller romântico com os ídolos Cary Grant e Eva Marie Saint, rodado no formato panorâmico VistaVision e marcado por suas sequências de ação surpreendentes. Seu seguimento foi um filme de terror em preto e branco no qual ele mata a aparente personagem principal & # x2014Janet Leigh & # x2019s Marion Crane & # x2014 não muito tempo no filme. Pior, ela é esfaqueada até a morte enquanto tomava banho no assustador Bates Motel, dirigido por Norman Bates, interpretado por Anthony Perkins, cuja atuação como travesti, obcecada pela mãe e maníaca de personalidade dividida iria assombrar todos os seriados da tela grande assassino por vir.

A sequência tornou-se uma linha de demarcação na história do cinema. & # x201C houve filmes antes da cena do banho e filmes depois da cena do banho, & # x201D diz o cineasta Alexandre O. Philippe, cujo documentário de 2017 78/52: Cena do chuveiro de Hitchcock e # x2019s explora Psicopata e sua cena característica em profundidade. (Seu título alude às 78 configurações de câmera e 52 edições feitas para a sequência). & # X201Cidade realmente foi uma virada de jogo. & # X201D

E não apenas porque o filme ostentava a primeira cena de Hollywood com um banheiro.

Alfred Hitchcock com Janet Leigh no set de Psycho. (Crédito: Sunset Boulevard / Corbis / Getty Images)

Psicopata tornou-se o filme de maior sucesso de Hitchcock & # x2019 na época & # x2014 sua receita de bilheteria, US $ 32 milhões, foi a segunda melhor de 1960, depois de Spartacus. Mas foi feito apesar de muita resistência. Paramount, o estúdio que produziu vários sucessos do diretor & # x2019 nos anos 1950, recusou-se a bancá-lo. Assim, Hitchcock financiou seu próprio orçamento, contra o conselho de seus próprios produtores. O filme também abalou os censores que executaram o abrandante Código de Produção Cinematográfica de Hollywood, também conhecido como Código Hays, que vigorou de 1934 a 1968.

Os censores recusaram o que perceberam como nudez na sequência do banho. Leigh usava adesivos de pele de toupeira para esconder áreas sensíveis, assim como seu dublê de corpo, modelo pin-up e futuro Playboy a estrela da capa Marli Renfro, que assumiu os momentos de maior exposição. Mas também houve a cena de abertura, na qual Leigh & # x2019s Marion usa apenas sutiã e combinação, compartilhando um quarto de hotel com seu amante divorciado. Os censores também queriam que isso mudasse, mas o experiente diretor os enganou. Ele enviou de volta uma cópia da cena do chuveiro que não tinha mudado, confundindo os censores se eles tinham visto algo ou não. Ele também os convidou para o set onde iria refazer a cena ofensiva de abertura, mas nenhum dos censores apareceu.

Grande parte da cena, que foi apresentada em storyboard em consulta com o lendário designer Saul Bass (e levou uma semana para filmar), foi filmada em close-ups extremos, com edições rápidas, de modo que a nudez e a violência estão implícitas & # x2014felt & # x2014 mas nunca realmente visto. O chuveiro foi construído de forma que qualquer uma de suas paredes pudesse ser removida, permitindo que a câmera se aproximasse de todos os ângulos. E Hitchcock empregou um tiro reverso em movimento rápido para fazer parecer que a lâmina realmente perfurou o abdômen de Marion.

As cordas estridentes da trilha sonora do compositor Bernard Herrmann & # x2019s aumentaram a tensão. (Era um novo uso de violinos, que geralmente tinham sido empregados em trilhas sonoras de filmes para aumentar um senso de romance ou pathos.) Hitchcock a princípio resistiu, planejando não use trilha sonora para a cena. Para tornar a experiência ainda mais palpável, o som da carne de Marion & # x2019s cedendo à faca foi criado apunhalando um melão casaba. Hitchcock fez sua equipe testar várias variedades de melão até encontrar o tipo certo.

O público teve seis décadas para se ajustar a tal frenesi visual, mas em 1960, o mesmo ano em que filmes saudáveis ​​e tradicionais como Swiss Family Robinson e Por favor, não coma as margaridas também dominou as bilheterias, assisti-lo pode ter causado pânico.

Anthony Perkins no set de Psycho, & # xA0dirigido por Alfred Hitchcock. (Crédito: Sunset Boulevard / Corbis / Getty Images)

& # x201Cesta era uma época em que não era possível & # x2019 obviamente [bater] pausar e voltar, & # x201D diz Philippe, & # x201Pode olhar quadro a quadro. Ele estava dizendo a eles [os censores] a verdade. Você imaginou coisas que realmente não viu. Você não vê violência. Você não vê nudez. Você não vê sangue & # x2014it & # x2019s obviamente xarope de chocolate. & # X201D & # xA0 Quanto ao modo como o diretor finalmente conseguiu que a cena passasse pelos censores, Philippe arrisca esta teoria: & # x201CHe & # x2019s engraçado, ele & # x2019 é muito amigável. Ele os encantou para isso. Não tenho uma explicação melhor. É uma espécie de truque de mágica. & # X201D

Nem todo grande cineasta sabia como usar esse truque. Michael Powell, o venerado diretor inglês cujos clássicos incluem Os sapatos vermelhos, destruiu sua carreira com Espiando Tom, um thriller de 1960 sobre um assassino em série voyeurístico, que estreou alguns meses antes do filme de Hitchcock & # x2019s.

Psycho teve uma influência generalizada na cultura popular. Estreando no auge da turbulenta década de 1960, ajudou a inaugurar uma mudança cultural definitiva da era Eisenhower. Sua sugestão, observada pelo crítico de cinema Owen Gleiberman, de que os monstros do cinema não eram mais Godzillas cuspidores de fogo ou alienígenas espaciais, mas & # x201Cravados na cabeça de um homem & # x201D em breve seria amplamente divulgado no terror da vida real gerado por assassinos em massa como Charles Manson e Charles Whitman.

O filme anunciou que & # x201Cmurder agora seria uma forma aceitável de entretenimento & # x201D, observa Bret Easton Ellis, autor do romance serial killer psicopata Americano, no 78/52. & # x201C havia violência no filme americano, mas nada como Psicopata& # x2014nada tão íntima, nada projetada, nada com esse tipo de implacável. & # x201D

Sua intensidade gráfica elegante ajudou a inspirar os thrillers homicidas do italiano giallo movimento e filmes de terror drive-in americanos semelhantes, com cineastas astutos como Brian De Palma e John Carpenter elaborando seus próprios choques clássicos em dívida com Hitchcock & # x2019s exemplo. Houve sequências e remakes (Gus Van Sant & # x2019s 1998 Psicopata) e programas de TV (& # x201CBates Motel & # x201D), baladas country (a música de 1968 & # x201CPsycho & # x201D) e sucessos da nova onda (Talking Heads & # x2019 & # x201CPsycho Killer & # x201D com o cantor David Byrne como um hopped -up de Norman Bates). Referências ao filme surgem em todos os lugares, de & # x201CSaturday Night Live & # x201D a & # x201CThe Simpsons. & # X201D Da mesma forma música ameaçadora de Herrmann & # x2019s, que foi gravada pela Filarmônica de Los Angeles e emulada por John Williams para mandíbulas.


Conteúdo

Uma jovem inexperiente conhece o viúvo aristocrático Maxim de Winter na Riviera Francesa e logo se torna a segunda Sra. De Winter.

Maxim leva sua noiva de volta para Manderley, sua grande mansão à beira-mar no sudoeste da Inglaterra, dominada por sua governanta, Sra. Danvers, uma pessoa fria que tinha sido uma confidente próxima da primeira Sra. De Winter - Rebecca - com quem ela claramente ainda está obcecada. Ela até preservou a suíte do grande quarto de Rebecca inalterada e continua a exibir vários itens que carregam seu monograma.

Eventualmente, seus lembretes constantes do glamour e sofisticação de Rebecca convencem a nova Sra. De Winter de que Maxim ainda está apaixonado por sua primeira esposa, o que poderia explicar suas explosões irracionais de raiva. Ela tenta agradar o marido dando uma festa à fantasia, como ele e Rebecca costumavam fazer. Danvers a aconselha a copiar o vestido que um dos ancestrais de Maxim é visto usando em um retrato. No entanto, quando ela aparece com o traje, Maxim fica chocado, pois Rebecca havia usado um vestido idêntico em seu último baile, pouco antes de sua morte.

A Sra. De Winter confronta Danvers sobre isso, mas Danvers diz que ela nunca pode tomar o lugar de Rebecca e quase a convence a pular para a morte da janela do segundo andar do quarto de Rebecca. Naquele momento, porém, dá-se o alarme porque um navio encalhou devido ao nevoeiro e, no resgate da sua tripulação, foi descoberto um barco naufragado com o corpo de Rebecca.

Maxim agora confessa à sua nova esposa que seu primeiro casamento foi uma farsa desde o início, quando Rebecca declarou que não tinha intenção de cumprir seus votos, mas fingiria ser a esposa e anfitriã perfeita para o bem das aparências. Quando ela alegou que estava grávida de seu primo e amante, Jack Favell, ela zombou de Maxim, dizendo que a propriedade poderia passar para alguém que não fosse de sua linhagem. Durante uma discussão acalorada, ela caiu, bateu com a cabeça e morreu. To conceal the truth, Maxim took the body out in a boat, which he then scuttled and identified another body as Rebecca's.

The crisis causes the second Mrs. de Winter to shed her naïve ways as they both plan how to prove Maxim's innocence. When the police claim the possibility of suicide, Favell attempts to blackmail Maxim by threatening to reveal that she had never been suicidal. When Maxim goes to the police, they suspect him of murder. However, further investigation reveals that she was not pregnant but terminally ill due to cancer, so the suicide verdict stands. Maxim realizes that Rebecca had been trying to goad him into killing her via indirect suicide so that Maxim would be ruined.

A free man, Maxim returns home to see Manderley on fire, set ablaze by the deranged Mrs. Danvers. All escape except Danvers, who dies when the ceiling collapses on her.

    as the second Mrs. de Winter as George Fortescue Maximilian "Maxim" de Winter, owner of Manderley as Mrs. Danvers, housekeeper of Manderley as Jack Favell, Rebecca's first cousin and lover as Frank Crawley, Maxim's estate manager of Manderley and friend as Beatrice Lacy, Maxim's sister as Colonel Julyan as Major Giles Lacy, Beatrice's husband as Mrs. Edythe Van Hopper, employer of the second Mrs. de Winter as Frith, oldest butler of Manderley as Coroner at trial as Dr. Baker, Rebecca's doctor as Ben, the beach hermit at Manderley as Mr. Tabbs, boat builder as Chalcroft the innkeeper
  • Philip Winter as Robert, a servant at Manderley

Hitchcock's cameo appearance, a signature feature of his films, takes place near the end he is seen walking, back turned to the audience, outside a phone box just after Jack Favell completes a call.

At Selznick's insistence, the film faithfully adapts the plot of du Maurier's novel Rebecca. [2] However, at least one plot detail was altered to comply with the Hollywood Production Code, which said that the murder of a spouse had to be punished. [2] In the novel, Maxim shoots Rebecca, while in the film, he only thinks of killing her as she taunted him into believing that she was pregnant with another man's child, and her subsequent death is accidental. However, Rebecca was not pregnant but had incurable cancer and had a motive to commit suicide, that of punishing Maxim from beyond the grave. Therefore, her death is declared a suicide, not murder.

Hitchcock later said that Selznick wanted the smoke from the burning Manderley to spell out a huge "R", which Hitchcock thought lacked subtlety. While Selznick was preoccupied by E o Vento Levou (1939), Hitchcock was able to replace the smoky "R" with the burning of a monogrammed négligée case lying atop a bed pillow. Hitchcock edited the film "in camera" (shooting only what he wanted to see in the final film) to restrict the producer's power to re-edit the picture. [3] But Selznick relished the post-production process he personally edited the footage, laid in Franz Waxman's score, and supervised retakes and extensive re-recording of the dialogue of Sanders, Bates and Fontaine. Rewrites and reshooting were called for after a rough cut was previewed on December 26, 1939. [4]

Although Selznick insisted that the film be faithful to the novel, Hitchcock did make some other changes, though not as many as he had made in a previously rejected screenplay, in which he altered virtually the entire story. In the novel, Mrs. Danvers is something of a jealous mother figure, and her past is mentioned in the book. In the film, Mrs. Danvers is a much younger character (Judith Anderson would have been about 42 at the time of shooting), and her past is not revealed at all. The only thing known about her in the film is that she came to Manderley when Rebecca was a bride.

The Breen Office, Hollywood's censorship board, specifically prohibited any outright hint of a lesbian infatuation or relationship between Mrs. Danvers and Rebecca, [5] : 70 though the film clearly does dwell on Danvers' obsessive memories of her late mistress.

The Hollywood Reporter reported in 1944 that Edwina Levin MacDonald sued Selznick, Daphne du Maurier, United Artists and Doubleday for plagiarism. MacDonald claimed that the film Rebecca was stolen from her novel Blind Windows, and sought an undisclosed amount of accounting and damages. [6] The complaint was dismissed on January 14, 1948 [7] and the judgment can be read online. [8]

Production credits Edit

The production credits on the film were as follows:

  • Director - Alfred Hitchcock
  • Producer - David O. Selznick
  • Screenplay - Robert E. Sherwood and Joan Harrison
  • Cinematography - George Barnes (photography)
  • Art direction - Lyle R. Wheeler (art direction), Joseph B. Platt (interiors designed), Howard Bristol (interior decoration)
  • Music - Franz Waxman (music), Lou Forbes (music associate)
  • Special effects - Jack Cosgrove
  • Film editor - Hal C. Kern (supervising film editor), James E. Newcom (associated film editor)
  • Scenario assistant - Barbara Keon
  • Sound - Jack Noyes (recorder)
  • Assistant director - Edmond Bernoudy

Frank S. Nugent of O jornal New York Times called it "an altogether brilliant film, haunting, suspenseful, handsome and handsomely played." [9] Variedade called it "an artistic success" but warned it was "too tragic and deeply psychological to hit the fancy of wide audience appeal." [10] Film Daily wrote: "Here is a picture that has the mark of quality in every department - production, direction, acting, writing and photography - and should have special appeal to femme fans. It creates a new star in Joan Fontaine, who does fine work in a difficult role, while Laurence Olivier is splendid." [11] Harrison's Reports declared: "A powerful psychological drama for adults. David O. Selznick has given it a superb production, and Alfred Hitchcock has again displayed his directorial skill in building up situations that thrill and hold the spectator in tense suspense." [12] John Mosher of O Nova-iorquino wrote that Hitchcock "labored hard to capture every tragic or ominous nuance, and presents a romance which is, I think, even more stirring than the novel." [13]

The film currently holds a 100% approval rating on Rotten Tomatoes based on 61 reviews, with a weighted average of 8.86/10. The site's consensus describes it as "a masterpiece of haunting atmosphere, Gothic thrills, and gripping suspense". [14] On Metacritic it has a score of 86 out of 100, based on reviews from 16 critics, indicating "universal acclaim". [15] Rebecca won the Film Daily year-end poll of 546 critics nationwide naming the best films of 1940. [16]

Rebecca was the opening film at the 1st Berlin International Film Festival in 1951. [17] In 2018, the film was selected for preservation in the United States National Film Registry by the Library of Congress as being "culturally, historically, or aesthetically significant." [18] A restored nitrate print of Rebecca was shown at the Grauman's Egyptian Theatre in Hollywood in 2019. The screening was introduced by Christopher Nolan. [19]

Bilheteria Editar

The film earned $3 million in US rentals [20] and $1 million in Britain on its initial release. It was re-released in Britain in 1945 and made $460,000. [21]

De acordo com Kinematograph Weekly it was the most popular film of 1940 in Britain. [22]

Rebecca won two Academy Awards and was nominated for nine more: [23] It is the only film since 1936 (when awards for actors in supporting roles were first introduced) that, despite winning Best Picture, received no Academy Award for acting, directing or writing.

Prêmios
Prêmio Categoria Sujeito Resultado
Prêmios da Academia Outstanding Production David O. Selznick (for Selznick International Pictures) Ganhou
Best Director Alfred Hitchcock Nomeado
Best Actor Laurence Olivier Nomeado
Melhor atriz Joan Fontaine Nomeado
Best Supporting Actress Judith Anderson Nomeado
Best Screenplay Robert E. Sherwood and Joan Harrison Nomeado
Best Art Direction – Black and White Lyle R. Wheeler Nomeado
Best Cinematography – Black and White George Barnes [24] Ganhou
Best Film Editing Hal C. Kern Nomeado
Best Original Score Franz Waxman Nomeado
Best Special Effects Jack Cosgrove and Arthur Johns Nomeado

Rebecca was twice honored by the AFI in their AFI 100 Years. series


Goes Hollywood

In 1939 Hitchcock left England with his wife and daughter to settle in Hollywood, California. For the most part his American films of the 1940s were expensively produced and entertaining. These included Rebecca (1940), based on a best-selling suspense novel Suspicion (1941), about a woman who believes her husband is a murderer Lifeboat (1944), a study of survival on the open seas and Spellbound (1945), a murder mystery. Less ambitious but more accomplished was Notório (1946). Hitchcock's first ten years in Hollywood ended with two interesting failures: The Paradine Case (1947) e Rope (1948).

Beginning with the unusual Estranhos em um trem (1951), Hitchcock directed a series of films that placed him among the great artists of modern film. His most important films during that time were I Confess (1953), Rear Window (1954), To Catch a Thief (1955) , The Trouble with Harry (1956), O homem que Sabia Demais (1956), Vertigem (1958), and North by Northwest (1959). Many of Hitchcock's films deal with the theme of an ordinary person caught up in situations beyond his or her control. Hitchcock himself also made a brief appearance (or ⋊meo") in one scene in each of his films.


8. Homefront

Hitchcock was too young to enlist in the First World War until 1917. At that point, he was recommended to be put to work at home rather than go overseas and fight on the front. As a result, Hitchcock joined the Royal Engineers as a cadet and focused on drills, briefings, and outdoor exercises until the War’s conclusion.

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Vida pregressa

Alfred Joseph Hitchcock was born in London, England, on August 13, 1899, and was raised by strict, Catholic parents. He described his childhood as lonely and sheltered, partly due to his obesity. He once said that he was sent by his father to the local police station with a note asking the officer to lock him away for 10 minutes as punishment for behaving badly. He also remarked that his mother would force him to stand at the foot of her bed for several hours as punishment (a scene alluded to in his film Psicopata) This idea of being harshly treated or wrongfully accused would later be reflected in Hitchcock&aposs films.


Alfred Hitchcock: from silent film director to inventor of modern horror

C ary Grant runs through a desolate cornfield, pursued by a crop duster overhead. Ingrid Bergman risks her life to go into a wine cellar, looking for a secret. Eva Marie Saint clambers over the faces of the American presidents at Mount Rushmore. Tippi Hedren is pecked at by mysteriously aggressive gulls. James Stewart watches helplessly from a window as Grace Kelly creeps into a murderer's apartment. Kim Novak drives through San Francisco in a trance-like state wearing a grey suit. Janet Leigh takes a shower at the Bates Motel and never comes out.

These movie images could only belong to one director: Alfred Hitchcock, who from the end of June until October is being celebrated in a definitive season at the British Film Institute in London. What is most striking is that all these scenes are wordless. The new BFI retrospective, The Genius of Hitchcock, is a chance to see how his phenomenal instinct for generating moving photographs that etch themselves on the brain and under the skin went back to his roots in the silent era. Alongside his better-known later work, from both Britain and Hollywood, the season features gala screenings of Hitchcock's nine silent features of the 1920s, which, thanks to valiant fundraising from the BFI, have been fully restored. The pleasures of silent Hitchcock cannot compare with those of the polished all-American studio pictures of the 1940s and 1950s. Nevertheless, it is startling to observe that his sensibility and knack for unsettling imagery were already formed. Leva The Lodger: A Story of the London Fog (1927), about a landlady who suspects that her "queer" lodger is actually a homicidal maniac who targets blondes. With its mix of the domestic and the macabre, we are not too far from Estranhos em um trem 24 years later. "Be careful – I'll get you yet!" the putative murderer smilingly warns the landlady's blonde daughter as they play a flirtatious game of chess. Hitchcock's final silent movie, Blackmail (1929), contains a murder with a hand thrashing out of a curtain, foreshadowing the shower scene in Psicopata.

This retrospective is a reminder of how prodigious Hitchcock's body of work was. This greengrocer's son from Leytonstone in east London (born in August 1899) had the energy of Dickens and the facility of Picasso, able not merely to adapt his style to changing artistic values but to shape the entire culture of popular film. No Rear Window, he played with the idea that we are all voyeurs at the cinema. Com Psicopata, he invented modern horror. He was the master of the overhead shot (to signal menace, isolation or omniscience) and the MacGuffin (a plot device that motivates the characters without needing to make any objective sense). His influence is still everywhere. The character of Betty Draper in Mad Men – overgroomed blonde hair, mental fragility, love of horseriding and tailored dresses – is surely a copy of Tippi Hedren's kleptomaniac in Marnie. And would the final section of last year's Oscar-winning The Artist have felt anything like as powerful if it hadn't borrowed large chunks of soundtrack from Vertigem?

There's an endearing photo of the director from 1966, in his trademark black suit next to a tower of all his films. He stands on tiptoe to place the latest addition on the top: Torn Curtain. This was a rare disappointment, a cold war thriller starring Julie Andrews and Paul Newman. But taken as a whole, it is astonishing how many outright masterpieces he created, films you can watch repeatedly, sometimes noticing a new angle, sometimes just thrilling all over again to the same brilliantly framed moments of danger, humour or fear. My top 10 would be Notório, Vertigo, Rear Window, North by Northwest, The Birds, The Lady Vanishes, Rebecca, Strangers on a Train, The Thirty-Nine Steps e O homem que Sabia Demais (the second colour version, not the first, though that is memorable too for Peter Lorre's glowering villain). But 10 is nothing like enough. I haven't mentioned To Catch a Thief from 1955. Ostensibly, this is a piece of fluff about cat burglary set in the French Riviera, but it is crammed with moments that are resonant, suspenseful or just plain fun, such as a cigarette being extinguished in a fried egg, Grace Kelly wearing the most ridiculous – yet stunning – gold frock, and one of Hitchcock's most delicious cameos, on a bus, giving Cary Grant a look of plump consternation.

Hitchcock's personal favourite of his movies – a surprising choice – was the relatively unknown Shadow of a Doubt (1943) starring Joseph Cotten as a serial strangler who comes to stay with his adoring older sister and her family in Santa Rosa, California. Bit by bit, the strangler's niece Charlie – who has always doted on her uncle – starts to suspect him. One of many visual cues is the moment when we see Cotten strangling a piece of toast at breakfast. As the tension builds to its climax, the film manifests what the critic Arthur Vesselo called Hitchcock's mastery of contrast, "balancing the normal against the abnormal, slowness against speed, sound against silence, humour against terror".

The cliché about Hitchcock is that the quality of the work was achieved through obsessive control freakery, but consider this: he never gave himself sole writing credit on any of his films. He was happy to work with a range of writers, including John Steinbeck (who wrote Lifeboat, a strange 1944 disaster movie featuring Tallulah Bankhead and a motley assortment of survivors, who end up being saved by the Nazi officer who torpedoed their ship), Thornton Wilder and John Michael Hayes, who wrote four scripts for Hitchcock, including the wonderfully witty Rear Window. Compare and contrast with Orson Welles, whose Citizen Kane was directed by Orson Welles, was produced by Orson Welles, starred Orson Welles and was written by Orson Welles (albeit with the assistance of Herman J Mankiewicz). Having spent two formative years designing title-cards for a movie production company, Hitchcock always understood that film was a collaborative business. Vertigem is as much a showcase for Edith Head's costume designs and Bernard Herrmann's music as it is for Hitchcock's images.

His first and fondest collaborator was his wife Alma Reville, an editor and scriptwriter whom he met in 1921 when working for Famous Players-Lasky in London, on the set of a silent picture called The Prude's Fall. He delayed marrying her for five years, until he had three films under his belt, because – he later hinted – he needed this status to be sure of securing her. Alma's remained the one opinion he minded about most because – their daughter Pat said – "she was the one person who he relied on to tell him the truth". After watching the initial cut of Vertigem, Alma said it was terrific but he must ditch a shot of Kim Novak running across a square where her legs looked fat. "Well, I'm sorry you hate the film, Alma," Hitchcock responded. Sure enough, he cut the offending shot out, even though it caused continuity problems, because without the running, Novak seems to leap from one side of the square to the other. But to please Alma, he changed it. In 1979, when accepting a lifetime achievement award from the American Film Institute, he begged permission to thank four people who had given him the most "constant collaboration". One was a film editor, the second a scriptwriter, the third the best cook he knew and the fourth the mother of his daughter, "and their names are Alma Reville".

The other enduring cliché about Hitchcock was that he was sadistic and controlling to his leading ladies. Donald Spoto's 1983 biography The Dark Side of Genius: The Life of Alfred Hitchcock depicted him as a creep with a mother fixation – a wannabe Norman Bates – whose films were autobiographical projections of his own sick erotic fantasies. For Spoto, he was a "macabre" artist whose unquenchable desire for perfect blondes led him to torture them both on screen and off. It is admittedly true that late in his career something went wrong in his relationship with Tippi Hedren, with whom he became fixated. She was a fashion model when he "discovered" her for The Birds, and he took it upon himself to mould her acting. "I controlled every movement on her face," he told a journalist. The relationship soured on the set of Marnie. Hitch made some kind of indecent proposal to her, as well as chiding her once too often. She then did "what no one is permitted to do. She referred to my weight."

With most of his actors, however, male or female, Hitchcock was remarkably hands-off. "One doesn't direct Cary Grant," he liked to say, "one just puts him in front of a camera." When it came to Grant's clothes, Hitchcock told him to "dress like Cary Grant". This did the trick. The pleasure of watching Cary Grant in a suit – he has a certain debonair way of putting a hand in one trouser pocket – is never greater than in his Hitchcock performances. The director had much the same confidence in James Stewart, mostly leaving him to do his own thing and well he might, given that Stewart's presence in a Hitchcock film meant an extra million dollars at the box office compared with Grant (or so he told the actor James Mason). Hitchcock also gave free rein to Doris Day, Stewart's co-star in the 1956 remake of O homem que Sabia Demais, even though the role was a significant departure from her usual musical comedy. Day played Stewart's wife, a famous singer who is driven to hysteria when her only child is kidnapped on a trip to Morocco. After the location shoot was finished, Day was left feeling puzzled because "not once, in any situation, did A Hitchcock say a word to me that would have indicated that he was a director". When she eventually asked what was wrong, he replied: "But dear Doris, you've done nothing to elicit comment from me." Sure enough, her undirected performance is one of the best in any Hitchcock film, entirely convincing in its depiction of a controlled woman unravelling in grief.

If he did not allow the same latitude to Joan Fontaine in Rebecca (whom he needled into by far the best performance of her career as the nameless heroine) or Kim Novak in Vertigem, it was not because he was a sadist to women, but because it was what the part required. Para Vertigem, the script stipulated that the lead character of Madeleine wore a grey suit indeed it is integral to the plot. So it wasn't exactly helpful when Novak said she'd prefer to wear any colour "except grey". In forcing Novak to wear the grey suit – just as Scottie forces poor Judy to wear it – Hitchcock was only putting the work first.

Colour was not a trivial detail to Hitchcock: the shading of light and dark on a screen was the larger part of cinema. The critic David Thomson argues that an appreciation of Vertigem is a "test case" for whether you are "a creature of cinema" if you find it implausible – "well, there are always novels". Hitchcock's movies always kept the strong visual sense of his earliest silent pictures. Patrick McGilligan, author of the finest Hitchcock biography (A Life in Darkness and Light, 2003) notes that the most "celebrated sequences" in his films "might as well be silent".

That is certainly true of the famous kiss in Notório between Ingrid Bergman and Cary Grant. Bergman is Alicia, who agrees to go under cover in Rio de Janeiro, worming her way into the affections of a Nazi Claude Rains on behalf of intelligence officer Devlin (Grant). With its dream cast, it is the most romantic and – for my money – the most perfect Hitchcock film. The scenes in which Alicia is slowly poisoned by the Nazis are as tense as anything he ever did. The kiss between Alicia and Devlin – who spend most of the film proudly denying their love – was cooked up to circumvent the production code's ban on kisses longer than three seconds. Hitchcock asked Grant and Bergman to kiss for a couple of seconds, then disengage and nuzzle each other, then resume, as they talk in low voices about dinner plans. The embrace lasted a total of two and a half minutes, and Bergman said it made her and Grant feel "very awkward". But when you watch it now, the details behind its production fade away. It is so beautiful, you could just sink into it.

If Hitchcock's desires were creepy, it is a creepiness shared by millions of us. Hitchcock once remarked that the Notório kiss gave the public "the great privilege of embracing Cary Grant and Ingrid Bergman together". As usual, he was right. And though the stars were better and the budgets were bigger, the thrills such a kiss offered were not so very different from the dramatic pictures he and Alma dreamed up in their old silent days.

This article was amended on 16 June 2012. It originally stated that Torn Curtain starred Julie Christie and Paul Newman. The female star was Julie Andrews. This has been corrected.


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