Jan van Eyck

Jan van Eyck

Jan van Eyck (c. 1390-1441 dC) foi um pintor da Renascença holandesa que ficou famoso em sua própria vida por seu domínio da pintura a óleo, coloração, cenas naturalistas e atenção aos detalhes. Entre suas obras-primas estão o 1432 dC Retábulo de Gante, também conhecido como A Adoração do Cordeiro Místico, e as Retrato de casamento de Arnolfini, um tour de force em ilusões de ótica. Um pioneiro no uso de óleos para efeitos realistas, seu trabalho teve influência na arte renascentista, mas especialmente em artistas italianos da segunda metade do século 15 dC.

Influências e estilo iniciais

Jan van Eyck provavelmente nasceu em Maaseik, Bélgica c. 1390 CE. Sua família era aristocrática e ele pode ter tido um irmão mais velho, Hubert van Eyck (falecido em 1426 DC), embora esta figura permaneça altamente misteriosa no mundo da arte (veja abaixo no Retábulo de Ghent). Jan van Eyck foi o primeiro ativo na arte em 1422 CE, quando trabalhou para o Bispo de Liège. No entanto, nenhum dos primeiros trabalhos de Jan pode ser definitivamente atribuído a ele. As obras são geralmente associadas à sua mão por causa de uma crença (de forma alguma certamente atestada também) de que ele trabalhou como iluminador de manuscritos quando jovem. É por essas razões estilísticas que Jan van Eyck (e / ou seu irmão Hubert) são frequentemente identificados como os criadores das miniaturas do manuscrito iluminado conhecido como Livro das Horas de Torino-Milão.

Outra influência inicial foi o trabalho de Robert Campin (c. 1378-1444 EC), que estava ativo em Tournai, Bélgica. O realismo e a luminosidade na obra de van Eyck podem muito bem ter sido inspirados nas pinturas de Campin, mesmo que Van Eyck o ofuscasse durante o período renascentista e depois. As obras posteriores de Van Eyck são identificáveis ​​com mais segurança e muitas vezes são assinadas ou trazem a inscrição: 'Johannes de Eyck'. Uma marca adicional de autoria foi o lema da família do artista: "O melhor que posso" ou "As que posso" (Als ik kan ou Als Ich Can), talvez também um trocadilho com seu próprio nome. É em suas últimas obras que podemos ver melhor seu estilo de pintura definido e bastante único.

O trabalho de Jan van Eyck tem um alto grau de detalhes naturalistas, obtidos usando os melhores pincéis.

No século 15 dC, a têmpera permaneceu o meio mais popular para pinturas, mas Jan van Eyck dominaria a técnica da pintura a óleo, um dos primeiros artistas renascentistas a fazê-lo, mesmo que não fosse um novo meio. Os óleos permitiam maior sutileza nas cores e tons, e permitiam atingir uma profundidade real em uma pintura que os painéis de têmpera ou afrescos nas paredes não podiam igualar. Conseqüentemente, o trabalho de van Eyck é tipificado por seu alto grau de detalhes naturalísticos, obtidos usando os melhores pincéis. Tudo em suas pinturas, desde a pele de um rosto até as colinas distantes vistas através de uma janela de fundo, é reproduzido em detalhes minuciosos e totalmente convincentes. Outras características eyckianas são as cores brilhantes, a textura rica e o acabamento geral. Outra característica do trabalho do artista é o uso frequente de objetos do cotidiano em cenas para significar obliquamente as idéias religiosas. Uma concha, por exemplo, significava a ressurreição de Jesus Cristo, enquanto a arquitetura gótica simbolizava a Nova Aliança.

Artista da Corte

De outubro de 1424 a 1425 dC, Jan van Eyck foi contratado como miniaturista por João III, duque da Baviera e conde da Holanda (l. 1374-1425 dC), posição que o levou a Haia. O artista então mudou-se para outra corte, desta vez a de Filipe, o Bom, duque da Borgonha (r. 1419-1467 DC). Não apenas passando um tempo na França, van Eyck foi enviado por seu empregador a Portugal em 1427 e novamente em 1428 EC, em ambas as ocasiões para ajudar a garantir uma esposa para o duque. Foi nessa função que pintou a futura esposa de Filipe, Isabel, filha do rei João I de Portugal (r. 1385-1433 EC).

História de amor?

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Bruges e retratos

Jan van Eyck retornou a Bruges por volta de 1430 dC, embora tenha continuado a trabalhar intermitentemente para Filipe, o Bom, pelo resto de sua carreira. Estabelecendo-se na cidade, ele comprou uma casa e se casou com uma garota chamada Margaret em 1431 EC. Bruges era um movimentado centro comercial, e os ricos comerciantes de lá, que incluíam muitos estrangeiros, eram uma boa fonte de encomendas para o artista. Foi neste período que produziu muitos retratos, notadamente o seu Homem com turbante (1433 CE), agora na National Gallery de Londres, o A Virgem do Chanceler Rolin (c. 1435 DC), hoje no Louvre em Paris, e o suntuosamente colorido Madonna com Canon van der Paele (1436 CE), agora no Groeningenmuseum de Bruges.

O primeiro desse trio é considerado por alguns especialistas em arte um autorretrato. Criado em 1433 dC, mostra Van Eyck vestindo um elaborado vermelho acompanhante, então um capacete da moda para as classes aspirantes. A obra ainda está em sua moldura original, curiosamente, a única moldura original de Van Eyck sobrevivente que era dourada. Inscrito na parte superior da moldura está seu lema em letras gregas, enquanto outro na parte inferior da moldura, desta vez em latim, afirma "Jan van Eyck me fez, 1433, 21 de outubro". O artista também pintou um retrato de sua esposa Margaret em 1439 dC, agora no Groeningenmuseum em Bruges.

o Retrato de casamento de Arnolfini confunde deliberadamente as linhas entre ficção pintada e realidade espacial.

o Chanceler Rolin é um retrato de Nicholas Rolin, então chanceler da Borgonha, sentado em frente à Madona e ao menino Jesus. Rolin é mostrado em oração, mas toda a cena é um símbolo de sua riqueza neste mundo com suas vestes suntuosas e belo palácio. A pintura mostra o domínio de van Eyck da luz e das cores, bem como sua paixão pelo detalhe, melhor vista nas colunas da janela e no rio além do qual leva a colinas ainda mais distantes e nebulosas no horizonte. A abundância de igrejas na cidade ao lado da Madonna sugere que esta paisagem não era para ser real, ou pelo menos não desta terra.

Um retrato duplo interessante é O Casamento Arnolfini, criado em Bruges em 1434 CE. Mostra o comerciante de tecidos Giovanni Arnolfini com sua esposa Giovanna Cenami (embora a identificação não seja certa). Entre e atrás das duas figuras está um espelho no qual vemos seus reflexos, um truque de van Eyck para fazer o casal parecer estar mais perto do observador. Ainda mais engenhoso é sua representação de mais duas pessoas no reflexo, figuras que devem estar onde o observador está, confundindo ainda mais as linhas entre ficção pintada e realidade espacial. O artista assinou, significativamente, ousadamente a obra acima deste espelho. A pintura está hoje em exibição na National Gallery de Londres.

Os retratos de Van Eyck, como os de outros pintores holandeses, eram impressionantes na relação direta estabelecida entre o modelo e o observador, e em seu alto grau de realismo, elementos que se tornariam padrão no retrato em toda a Europa. Outras características muito imitadas dos retratos de van Eyck são ter seu modelo definido contra um fundo escuro e liso e ter o modelo de pé ou sentado em um ângulo leve em relação ao observador. Muito mais famosa do que todas essas obras, no entanto, é a maior contribuição do artista para a arte ocidental, a tela do retábulo da catedral de Ghent.

O Retábulo de Ghent

Jan van Eyck produziu A Adoração do Cordeiro Místico retábulo de pintura em 1432 dC. A obra é mais amplamente conhecida simplesmente como Retábulo de Ghent. Há, no entanto, um problema em certamente identificar van Eyck como o autor da peça. Isso se deve a uma inscrição que diz: "O pintor Hubert van Eyck, maior do que ninguém foi encontrado, começou [esta obra]; e Jan, seu irmão, o segundo em arte [realizou] a tarefa". É datado de 1432 CE. A autenticidade dessa inscrição, que na verdade é uma transcrição dC do século 16 do (possível) original, foi questionada por alguns historiadores da arte e lingüistas. Outros historiadores aceitaram a inscrição e buscaram identificar quais painéis pintados foram feitos por qual irmão, embora também não tenha havido consenso. O principal problema é que não há outras referências em nenhum outro lugar ao envolvimento de Hubert na peça e comentários sobre ela por figuras como Albrecht Dürer (1471-1528 dC), que viu o retábulo pessoalmente em 1521 dC, não fazem menção a ninguém exceto Jan van Eyck. Nem o historiador Marcus van Vaernewyck quando se referiu ao altar em 1562 EC. Parece que houve realmente um Hubert van Eyck quando ele apareceu três vezes nos arquivos municipais de Ghent. No entanto, a datação da madeira nos painéis laterais revela que eles não podem ter sido pintados por Hubert, que morreu em 1426 EC. Como o historiador de arte H. L. Kessler resume, "se este Hubert van Eyck estava relacionado a Jan e por que no século 16 ele foi creditado com a maior parte do Retábulo de Ghent são questões que permanecem sem resposta".

O retábulo de retábulo de carvalho com vários painéis pode encorajar o debate quanto à sua autoria, mas um ponto em que todos os historiadores da arte concordam é que é uma das maiores peças da arte renascentista. Composto por 12 painéis emoldurados pintados em ambos os lados, foi originalmente concebido para ficar no que era então a Capela de Vijd, que desde então se tornou a Catedral de São Bavo. O trabalho foi encomendado por Jodocus Vijd, e ele aparece no painel esquerdo inferior quando a peça é fechada; sua esposa, Elizabeth Borluut, aparece no painel inferior direito. Os outros painéis no verso mostram dois profetas, dois santos, duas sibilas, o arcanjo Gabriel e a Virgem Maria. É o outro lado, porém, que tem os painéis de estrelas.

Quando aberto, o retábulo mede 5,2 x 3,75 metros (17 pés x 12 pés 4 pol.). O painel central inferior dá nome à peça e mostra uma multidão adorando um cordeiro, símbolo de Jesus Cristo e seu sacrifício na crucificação. Acima está Deus ladeado pela Virgem Maria e João Batista. A ala esquerda dos painéis mostra um Adão nu, cantando anjos e cavaleiros, enquanto a ala oposta tem Eva, músicos de órgão e santos eremitas e peregrinos. O tema abrangente talvez pretenda ser a redenção da humanidade.

As figuras nas cenas frequentemente complexas recebem uma aparência tridimensional realista, mas isso é devido aos efeitos de cor e sombreamento, elas realmente existem em um espaço tridimensional que é ilusório, já que a perspectiva matemática na arte era então desconhecida nos Países Baixos . As figuras recebem detalhes hiper-realistas - veja, por exemplo, Adam no painel da extrema esquerda e o patrono da peça em oração com sua expressão ansiosa. Os painéis são todos coloridos como joias e uma simulação de folha de ouro que faria as cenas brilharem no recesso escuro do altar da igreja.

O retábulo foi ameaçado muitas vezes, desde extremistas calvinistas no século 16 EC até tropas alemãs no século 20 EC. Tal era a alta estima com que o retábulo era tido, ele foi até mencionado no Tratado de Versalhes de 1919 EC, após a Primeira Guerra Mundial. O tratado continha uma cláusula segundo a qual a Alemanha deveria devolver o retábulo ao povo da Bélgica. Ele foi devolvido, mas roubado novamente durante a Segunda Guerra Mundial. Felizmente, o retábulo foi resgatado de seu esconderijo em uma mina de sal austríaca. Na década de 1940 CE, foi a primeira obra de arte renascentista a ser submetida a uma análise científica detalhada. Hoje, ele está de volta à Catedral de Saint Bavo em Ghent, mas não em sua posição original.

Morte e Legado

Van Eyck morreu em 1441 EC e foi enterrado na igreja de Saint Donatian em Bruges. Famoso em sua própria vida, agora sua lenda cresceu ainda mais graças a uma infinidade de admiradores de artistas e biógrafos. A habilidade de Jan van Eyck com tintas a óleo, entretanto, era tão alta que ele era extremamente difícil de imitar, mesmo sendo muito admirado em toda a Europa. Seu trabalho influenciou figuras como o pintor flamengo Hugo van der Goes (falecido em 1482 DC) e Gerard David (c. 1450 - c. 1523 DC). Van Eyck também foi estudado por figuras notáveis ​​como Albrecht Dürer. Os pintores italianos estavam profundamente interessados ​​nas técnicas de van Eyck usando óleos, especialmente Piero della Francesca (c. 1420-1492 DC), Sandro Botticelli (1445-1510 DC) e (pelo menos em algumas obras sobre linho) Andrea Mantegna (c. 1431- 1506 CE). De fato, no final do século 15 dC, a maioria dos grandes artistas agora usava tintas a óleo quando trabalhava em um cavalete, não em têmpera. Seu trabalho também foi apreciado por não-artistas e colecionado, sendo os primeiros aficionados notáveis ​​Alfonso, o Magnânimo, Rei de Aragão e Nápoles (falecido em 1458 dC), a família d'Este em Ferrara e os Médici de Florença.


Biografia de Jan Van Eyck

A data de nascimento de van Eyck é desconhecida. O primeiro registro existente de van Eyck é da corte de João da Baviera em Haia, onde os pagamentos foram feitos a Jan van Eyck entre 1422 e 1424 como pintor da corte, com o título de valet de chambre, primeiro um e depois dois assistentes. Isso sugere uma data de nascimento posterior a 1395 e, de fato, provavelmente antes. Sua idade aparente em seu provável autorretrato (à direita) sugere para a maioria dos estudiosos uma data anterior a 1395. Miniaturas nas Horas de Turim-Milão, se realmente forem de Van Eyck, são provavelmente as únicas obras sobreviventes desse período, e cerca de metade deles foram destruídos por um incêndio em 1904. foi uma influência precoce e profunda em Blake e permaneceria uma fonte de inspiração ao longo de sua vida.


2. Seu nome se refere ao seu local de nascimento

Embora não seja exatamente certo quando van Eyck nasceu, com algumas fontes afirmando em qualquer lugar entre 1380 e 1395, temos certeza de que ele nasceu em uma cidade chamada “Maaseik” na diocese de Liège, agora localizado em Bélgica dos dias modernos. Esta cidade foi chamada de “Maaseyck”Naquela época e seu nome é uma referência à sua cidade natal e basicamente significa“De Eyck.

A primeira vez que seu nome é mencionado na história foi em 1422 quando foi mencionado que “João III o Impiedoso, ”O duque da Baviera-Straubing e governante da Holanda, Hainault e Zeeland, fez pagamentos a um certo“Meyster Jan den Malre”(Mestre Jan o pintor) em Haia. John III / Wiki Commons


Um Magnífico Pintor De Retratos.

Rolin era um administrador e o principal servo do duque. Ele é mostrado ajoelhado em frente à Virgem que está sentada com seu filho em seus joelhos. Um anjo segura uma coroa sobre sua cabeça e as figuras são colocadas em um espaço fechado por arcadas românicas.

A vista através da parte de trás da arcada revela uma paisagem minuciosamente pintada executada com os detalhes típicos da pintura flamenga. & # Xa0

Jan Van Eyck-O Retábulo de Ghent.

Este painel, quase medieval, foi produzido por Hubert Van Eyck (o irmão menos conhecido de Jan) e concluído por Jan Van Eyck, uma empresa conjunta dos dois artistas. & # Xa0

O retábulo contém uma infinidade de figuras e cenas. No estado totalmente aberto, estes incluem Adão e Eva, a Virgem Maria, Deus Pai, João Batista e a Adoração do Cordeiro Místico. Vários santos, anjos e músicos também são apresentados.

Embora Herbert seja o menos conhecido dos dois irmãos, seu trabalho no Retábulo de Ghent é provavelmente muito mais extenso do que normalmente se supõe. Herbert é conhecido por ter viajado para a Itália enquanto Jan estava mais perto da corte da Borgonha, na Holanda.

A fama de Herbert na época do Retábulo de Ghent pode ser explicada pela inscrição na moldura: Herbert van Eyck, "o maior pintor que já viveu."

O políptico tornou-se o assunto de muita discussão sobre qual dos trabalhos dos dois irmãos era o mais extenso. O debate científico continua acirrando.

O painel fechado contém, do topo, Profetas e Sibilas, a Anunciação e retratos do doador Jodocus Vijd com sua esposa Elisabeth Borluut. O painel estaria fechado nos dias de semana, mas totalmente aberto aos domingos e feriados especiais.

Todas as obras conhecidas de Jan Van Eyck são do período & # xa0 dentro de seu serviço a Filipe da Borgonha. Ele era um homem culto que falava latim, também era versado nos clássicos.

O artista permaneceu como um membro respeitado da corte da Borgonha & # xa0 até sua morte em 1441.


Jan Van Eyck

Em seu ensaio para a Linha do tempo de Heilbrunn, a historiadora Susan Jones elogia Jan Van Eyck por sua “objetividade lendária” - e como ela está certa. Jan Van Eyck aparece na história do nada. Não sabemos sua data de nascimento, nem sua educação, nem onde aprendeu a pintar com a precisão fria que o tornou famoso em sua época e respeitado até hoje. O primeiro registro de sua vida aparece em 1422, um recibo de Haia de uma pintura feita para 'Meyster Jan den malre,' Mestre Jan, o pintor. Nesta data, Van Eyck já tinha cerca de 32 anos e era considerado um mestre artesão, sendo pioneiro na pintura a óleo, em vez da têmpera tradicional da época. Seu trabalho só se tornaria mais famoso por seu refinamento técnico e simbolismo cuidadosamente considerado.

Depois de seu trabalho para Haia, Van Eyck mudou-se para Bruges para trabalhar na corte do rei Filipe, o Bom, e com o apoio do monarca teve uma longa carreira de comissões lucrativas, participou da guilda de pintores de Tournai e construiu um laborioso oficina de pintores jornaleiros. Com exceção de algumas viagens misteriosas para visitar Philip, o duque da Borgonha, pelas quais Van Eyck recebia múltiplos de seu salário anual - sua vida foi produtiva e relativamente sem drama. Até mesmo seu lema pessoal, Als ich kan “Tão bem quanto eu posso” é o mais prático possível. O artista morreu aos 51 anos, em Bruges, e acabou enterrado na Catedral de St. Donatian.

Então, por que Jan Van Eyck ainda dá aulas em quase todas as aulas de história da arte? Embora sua vida tenha sido artesanal e escassa em detalhes, seu trabalho é tão denso com simbolismo e nuances silenciosas que exigiu análise por séculos. Pare um minuto e examine seu corpo de trabalho. Todos os temas tradicionais da época: retábulos religiosos, cenas de Maria e do menino Cristo, retratos formais de uma realeza menor. Mas, com o tempo, a objetividade que Susan Jones descreve começa a brilhar. Os retratos de Van Eyck vão além do formal, são inflexíveis. Cada vinco, cada espinha é examinada. Seus modelos raramente são bonitos e ele os pinta exatamente como são - dando-lhes a dignidade de um tratamento honesto.

A outra característica definidora da pintura de Van Eyck é seu uso quase obsessivo de simbolismo. No Retrato de Arnolfini, um casal desconfortável de mãos dadas, e a tensão da cena é reforçada por camada após camada de subtexto. Os tamancos de madeira fazem referência a uma passagem do Êxodo, o cão é um talismã de um casamento bem-sucedido, um retrato de Santa Margarida negligencia o leito conjugal invocando a fertilidade - e o mais revelador, a mão da mulher repousa na mão esquerda do parceiro, um símbolo de uma desigualdade social casado. Frio, Van Eyck, frio.

O trabalho de Jan Van Eyck recompensa um exame cuidadoso. Não é amigável ou gentil, mas é muito interessante.


Obras Introdutórias

A afirmação de que Jan foi o fundador da pintura a óleo teve um apelo particular no século 19, quando os artistas eram celebrados pelas habilidades especiais, muitas vezes secretas, que eles traziam para seu trabalho, conforme discutido em Gotlieb 2002. Graham 2007 mostra isso como os painéis de Jan emergiu de igrejas e coleções particulares e entrou em museus europeus, a apreciação generalizada de suas superfícies luminosas tornou seu nome sinônimo da pintura flamenga ou holandesa. Conway 1979 fez a primeira tentativa de combinar a consideração da vida do artista com sua arte. Friedländer 1967 elogiou Jan como o fundador de uma distinta escola de pintura do Norte com raízes na pintura em miniatura. A notável semelhança com a vida dos retratos de Jan encorajou a investigação de Erwin Panofsky sobre a identidade de um dos temas de Jan, juntamente com o exame do possível valor documental da representação (Panofsky 1934). Harbison 1991 examinou os aspectos sociais e materiais da produção de Jan e explorou o papel que os clientes da corte desempenhavam como espectadores de seus preciosos painéis. Rothstein 2005 explorou a maneira como as visões de alguns dos temas de Jan se cruzam com a forma como os espectadores teriam se envolvido com os painéis. Recursos online, como Jan van Eyck: The Complete Works, fornecem referências visuais excelentes, embora irregulares, com alguns trabalhos recebendo mais atenção do que outros.

Conway, Sir William Martin. Os van Eycks e seus seguidores. Nova York: AMS Press, 1979.

Conway, Slade Professor em Cambridge entre 1901 e 1904, apresentou uma discussão sobre a atitude cortês de Jan e Hubert meio em um relato anedótico de seu trabalho publicado originalmente em 1921. Ele viu sua arte como parte de um desenvolvimento maior e reconheceu a absorção de símbolos em sua visão natural do mundo.

Friedländer, Max J. Pintura neerlandesa primitiva. Vol. 1, Os van Eycks, Petrus Christus. Traduzido por Heinz Norden. Leyden, Holanda: A. W. Sijthoff, 1967.

Conjunto de volumes original publicado em alemão entre 1924 e 1937 como Die altniederländische Malerei. No primeiro volume da série, o autor revê as teorias que distinguem Jan de Hubert, concluindo que Jan começou como miniaturista antes de desenvolver sua nova concepção do mundo no Retábulo de Gante. Prefácio de Erwin Panofsky. Comentários e notas de Nicole Veronee-Verhaegen.

Gotlieb, Marc. “O segredo do pintor: invenção e rivalidade de Vasari a Balzac.” Boletim de Arte 84.3 (2002): 469–490.

A história da invenção da pintura a óleo por Jan como um ideal de descoberta artística sobreviveu como um mito cultural sobre as personalidades e práticas dos pintores e se tornou o tema de inúmeras pinturas históricas no século XIX.

Graham, Jenny. Inventing van Eyck: The Remaking of a Artist for the Modern Age. Oxford e Nova York: Berg, 2007.

A recuperação do interesse pela pintura de Jan do final do século 18 em diante ocorreu no contexto de uma variedade de questões, incluindo a acessibilidade aprimorada de suas obras, atenção pré-rafaelita à sua arte e questões de nacionalismo.

Harbison, Craig. Jan van Eyck: o jogo do realismo. Londres: Reaktion, 1991.

Harbison oferece uma alternativa para a leitura das pinturas de Jan como representações do comentário teológico, investigando em vez disso em sua dimensão humana e considerando-as em relação a uma ampla gama de práticas populares. Reimpresso em 1995 em brochura com correções.

Todas as obras de Jan são ilustradas aqui e na Web Gallery of Art em cores e detalhes, embora as datas não estejam atualizadas e as informações nem sempre sejam precisas.

Panofsky, Erwin. “Jan van Eyck's Retrato de Arnolfini.” Burlington Magazine 64.372 (1934): 117–127.

Panofsky, buscando estabelecer a identidade do sujeito masculino de uma das pinturas indiscutíveis de Jan, articulou uma teoria sobre o valor simbólico oculto de vários objetos domésticos, a fim de demonstrar a função do painel como o registro da cerimônia solene de casamento de um indivíduo.

Rothstein, Bret L. Visão e espiritualidade na pintura holandesa primitiva. Cambridge, Reino Unido: Cambridge University Press, 2005.

Este estudo examina o papel complexo e contraditório que a visão e as práticas de visualização desempenham em tratados e imagens devocionais. Demonstra a centralidade da visão como narrativa e também como preocupação temática na arte de Jan e seus contemporâneos.

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Giorgio Vasari escreveu em termos desmaiados que Van Eyck foi o inventor da pintura a óleo

Os 12 painéis externos, com cores muito mais suaves do que as imagens ricamente pigmentadas do interior, descrevem a Anunciação. Profetas e sibilas, predizendo a vinda de Cristo, estão situados acima dos dois painéis que apresentam, na extrema esquerda do observador, o Anjo Gabriel e, no painel da extrema direita, a Virgem Maria, suas vestes extravagantemente apresentadas em dobras angulares levemente estilizadas . Os painéis entre eles apresentam uma vista de Ghent vista através de duas janelas góticas e uma natureza morta - uma bandeja, uma jarra e uma toalha - simbólica da pureza da Virgem, enquanto abaixo, pintada nos tons de cinza de um Grisaille, são estátuas de mármore de João Batista e João Evangelista. Emoldurando essas estátuas de cada lado estão as figuras suplicantes de Jodocus Vijd, o comerciante e o Burgermeister (mestre dos cidadãos) que encomendou a peça, e sua esposa Lysbette, ambos, em suas vestes ricamente coloridas, oferecendo um contraste vívido com a paleta discreta .

O comerciante Jodocus Vijd e sua esposa Lysbette aparecem nos painéis externos vestidos com túnicas ricamente coloridas

Separados temporariamente, esses painéis externos recém-restaurados formarão o foco dramático de uma exposição examinando a genialidade de Van Eyck, que será inaugurada este mês no Museu de Belas Artes de Ghent. Ele também reunirá metade das pinturas existentes de Van Eyck, que totalizam cerca de 20, ao lado de pinturas de contemporâneos do norte da Europa e artistas posteriores que responderam ao retábulo. Ainda este ano, o retábulo retornará ao seu novo centro de visitantes construído para esse fim na Catedral de São Bavo, em meio a outras celebrações que marcam este importante trabalho de conservação e restauração.

Mesmo durante sua vida, Van Eyck foi venerado por suas inovações surpreendentes, tanto que o retábulo em si pode ser visto em termos de uma série de primeiros. Um século após a morte do artista, na época exata em que os pintores do século 16, os artistas Lancelot Blondeel e Jan van Scorel, estavam ocupados em "melhorar" os detalhes de seu famoso retábulo, o pintor florentino e autor de The Lives of the Artists, Giorgio Vasari escreveu em termos desmaiados que Van Eyck foi o inventor da pintura a óleo. Este foi de fato um mito que continuou até o século XIX.

No entanto, em um sentido importante, Van Eyck realmente é o pai da pintura a óleo. O que ele conseguiu com o meio - a extrema verossimilhança e exatidão de sua execução, a modelagem fina e tridimensional, a representação sutil de luz e sombra e o realismo extremo das texturas - o diferenciam de todos os antecessores. Ele experimentou incansavelmente o meio, alterando seu equilíbrio químico para atingir tempos de secagem mais rápidos, e isso lhe permitiu construir camadas de tinta translúcida para obter todos aqueles efeitos delicados e matizados.

Durante sua vida, Van Eyck foi celebrado por suas inovações, incluindo o uso de tinta a óleo, luz e sombra, modelagem tridimensional e texturas realistas

Antes de Van Eyck, os artistas que retratavam áreas de ouro costumavam usar folhas de ouro, que pareciam planas e decorativas na superfície da pintura. Mas Van Eyck usou pigmentos para representar ouro e objetos de metal finos, com a luz brilhando em suas superfícies, exatamente como eles pareceriam ao olho observador. Antes de Leonardo da Vinci, Van Eyck realmente podia reivindicar ser o mestre da luz, ele certamente era conhecido por ter estudado ótica. Além do mais, nada como isso poderia ter sido alcançado com têmpera de ovo, que era o meio de escolha entre os artistas antes da Renascença. Em termos de obtenção de profundidade, perspectiva atmosférica, tons de pele e modelagem sofisticada, o novo meio era insuperável, assim como o manuseio de Van Eyck com ele.

Antes do projeto atual, realizado pelo Instituto Real do Patrimônio Cultural da Bélgica, 70% do Retábulo de Gante havia sido pintado por cima e envernizado. Camadas profundas de verniz amarelaram com o tempo, cobrindo as sutilezas do trabalho manual requintado de Van Eyck. Além disso, havia séculos de sujeira e pequenas manchas de tinta estavam descascando. O que as passagens reveladas do show original é que essas áreas pintadas quase completamente achataram a modelagem, por exemplo nas roupas de Jodocus Vijd, e removeram muito da compreensão suave da pele e dos tons de pele altamente realistas.

Adão e Eva de Van Eyck apresentam a primeira representação de pelos púbicos na pintura ocidental

Enquanto isso, o verniz havia obscurecido muitos detalhes intrincados, como os veios de mármore das duas esculturas do painel externo, e a maioria dos detalhes arquitetônicos do fundo. Agora até encontramos teias de aranha - que detalhe surpreendente, que até agora estava completamente escondido - na parede atrás da cabeça de Lysbette.


Sobre esta página

Citação APA. Gillet, L. (1909). Hubert e Jan van Eyck. Na Enciclopédia Católica. Nova York: Robert Appleton Company. http://www.newadvent.org/cathen/05732a.htm

Citação MLA. Gillet, Louis. "Hubert e Jan van Eyck." A Enciclopédia Católica. Vol. 5. Nova York: Robert Appleton Company, 1909. & lthttp: //www.newadvent.org/cathen/05732a.htm>.

Transcrição. Este artigo foi transcrito para o New Advent por Michael C. Tinkler.

Aprovação eclesiástica. Nihil Obstat. 1º de maio de 1909. Remy Lafort, Censor. Imprimatur. + John M. Farley, Arcebispo de Nova York.


Estilo



Imagem via http://rijksmuseumamsterdam.blogspot.com
Jan van Eyck é considerado pintor no estilo do início da Renascença, especificamente no início da Holanda. Seu trabalho é caracterizado por sua incrível atenção aos detalhes e sua mistura de assuntos religiosos e seculares. Ele também é conhecido por sua habilidade de dar a impressão de luz natural, o que ele conseguiu através do uso de tintas a óleo e esmaltes.

Seu estilo também é marcado por seu conhecimento da natureza e uso do simbolismo. No Retrato de Arnolfini, ele usa vários marcadores para simbolizar o casamento, a fé, a lealdade e o amor. Ele também usa as poses do sujeito & rsquos para mostrá-los como iguais, em vez de a esposa ser subordinada.


Van Eyck incluiu um detalhe alucinante nesses painéis religiosos

Esta pintura em duas partes do incomparável Jan van Eyck é como música black metal emanando de um buquê de flores. Uma mensagem de amor e redenção subscrita por uma nota grave de terror.

Claro, as imagens cristãs freqüentemente atingem essas notas. Mas os painéis "Crucificação" e "Último Julgamento" de van Eyck, em exibição no Metropolitan Museum of Art em Nova York, levam esse efeito diametral a um nível surpreendente de intensidade visual.

A “mensagem de amor”, no painel esquerdo, assume a forma de vários homens pendurados em cruzes, que reconheço não é exatamente o mesmo que um buquê de flores. Mas van Eyck (1390-1441) esperava que soubéssemos seu significado (“Deus amou o mundo” etc.). O evento em si é medonho, mas todo o painel esquerdo é sua homenagem à terrena: à condição de ser mortal, venal e vão, sim, mas também comunal (tantas figuras aglomeradas!), Guardiães desta preciosa Terra e, acima tudo, resgatável.

A paisagem sozinha, que inclui a cidade de Jerusalém e uma meticulosa representação da Cúpula da Rocha, parece estender-se para sempre. Em sua evocação da atmosfera, incluindo picos cobertos de neve, nuvens e lua, é um marco na história da pintura.

O amor também aparece no painel direito - no topo, na forma do Jesus ressuscitado sentado em julgamento, flanqueado por fileiras ordenadas de santos maravilhosos, anjos pairando e os salvos com gratidão.

Mas abaixo? Abaixo está a morte. O arcanjo Miguel, em sua elegante vestimenta com asas de arco-íris, está montado no estreito reino terrestre, onde os desesperados clamam para serem salvos.

Ele se prepara para derrubar uma personificação da morte - um esqueleto alado e sorridente que se aninha no inferno, onde os demônios se divertem com os condenados, partindo-os pelas costuras e engolindo-os inteiros.

People say the Old Masters are boring. I laugh.

The two panels, sometimes known as the “New York Diptych,” are dated c. 1440-1441, near the end of van Eyck’s life. It’s likely his workshop was involved, especially on the right panel. The frame is original, and the painting is lavish in its use of gold and precious pigments such as lapis lazuli. There are quotations in multiple languages from the Bible on both the frame and the painting itself. Whoever commissioned it must have had great wealth and a sophisticated education.

The panels, which originally may have flanked a lost central panel, were transferred to canvas in the 19th century. Each one is only about 22 inches high and 8 inches wide. It’s incredible how much van Eyck packed in and how lifelike he made it, with his painstaking technique of layering tinted glazes over a colored ground.

Little is known about van Eyck’s early life. But over the past century, many scholars have speculated that he (or his older brother, Hubert) may have been the painter of a mostly destroyed illuminated manuscript called the “Turin-Milan Hours.” Certainly he had the technique and control to work on a very small scale.

In the left panel, van Eyck depicts separate moments in a narrative that leads our eyes in a snaking line from the foreground figures of Mary and John the Evangelist, past Mary Magdalene and a prophesying sibyl, then up to the soldiers and horsemen crowding around the cross. Because almost all of the figures are seen from behind, we want to see precisely what they have come to see: terrible suffering and, although few of them know it, a world-redeeming event.

But the crowd is distracted. As you peer closely, you can almost smell the horse hair and hear the casually flung insults. And as our eyes follow their various gazes, we’re reminded that van Eyck never lets the business of looking, of being a spectator, stay simple.

Behind the horsemen, about one-third of the way up, two men lean against each other, taking it all in. One has a shield slung over his shoulder. It’s a small detail, but the shield is shiny enough to act as a mirror. What it shows — smudged, inchoate, almost invisible — are the grieving mourners, who themselves can’t bear to look.

Such is life, which crowds out death, until the moment when it, too, is swallowed whole.